El apartado "Histórico" recopila las exposiciones que se han realizado durante estos años por parte de la Fundación. De esta manera podemos conocer el gran número de muestras de nuestros fondos y su variada colección. ---------历史展览 “历史”部分收集了基金会在这些年中所做的展览。通过这种方式,我们可以了解大量 的资金样本及其各种收藏品。

Por segunda ocasión, el Museo de Arte Africano Arellano Alonso de la Universidad de Valladolid organiza una exposición temporal en colaboración con la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID).

En este caso se trata de una muestra de 25 fotografías que es el resultado de una acción formativa llevada a cabo en 2017 por Héctor Mediavilla, dentro del Programa ACERCA, en el contexto de la Bienal de Fotografía celebrada en Bamako, la más importante del continente. Durante éstan jóvenes malienses, senegaleses y nigerinos pudieron formarse en materia de producción y difusión fotográfica. Como colofón al periodo formativo, los trabajos realizados fueron expuestos en el Conservatorio de Artes y Oficios Multimedia de Malí (CAMM), bajo el auspicio de la embajada de España en Malí.

La exposición que podrá verse en el Museo, titulada AFROTOPÍA, es una selección de los trabajos de los 35 alumnos y alumnas participantes en el proyecto y gira en torno al concepto personal de “afrotopía” de cada uno de ellos.

La selección de estas imágenes ha sido realizada también por Héctor Mediavilla (Miranda de Ebro, 1970), un conocido fotógrafo y experto multimedia residente en la actualidad en Barcelona. Él se considera a si mismo como un fotógrafo documental que en su obra aborda cuestiones referentes a la construcción de la identidad en grupos humanos singulares y su relación con el entorno. En los últimos años, se dedica sobre todo a proyectos con imágenes en movimiento y a proyectos de fotografía participativa.La muestra AFROTOPÍA permanecerá desde el 26 de junio hasta el 15 de septiembre en la galería superior de la Sala de San Ambrosio, pudiéndose visitar de forma gratuita durante el horario habitual de apertura de la sala: de martes a sábados de 11 a 14 y de 17 a 20 h y domingos de 11 a 14 horas.

Ya podéis disfrutar en nuestro espacio “Miradas sobre África”, en el Salón de Rectores del palacio de Santa Cruz, nuestra nueva exposición temporal titulada “Monedas Tradicionales”, donde descubriréis el significado de este tipo de objetos de uso cotidiano, concretamente agrícolas y armas, que se han utilizado a través de los siglos como objetos de cambio.
Pero lo que mas os sorprenderán son la belleza de formas, la alta técnica para trabajar el hierro y su significado.

¡Si queréis saber mas, visitadnos¡ ¡Nos acompañarán hasta febrero¡ El horario es el habitual, es decir, de martes a sábado de 11 a 14 h y de 16:30 a 19:30 h y domingo de 11 a 14 h. Y lo mejor..la entrada es gratuita.

Pero…¿qué muestra la exposición temporal?:

Las figuras que se encuentran en las vitrinas “Miradas sobre África” son Monedas Tradicionales. En el contexto africano, este tipo de objetos se utilizan como intercambios comerciales entre los diferentes pueblos por medio de monedas-mercancía o paleo-monedas, si bien hasta la llegada de los europeos en el siglo XVI, las monedas en el África subsahariana no tenían un valor comercial. Su uso solía ser ritual y estaba restringido a las clases dirigentes, teniendo cada moneda una utilidad concreta.

Los objetos tenían por tanto todas las características que actualmente conferimos al dinero, es decir, eran medio de pago para la compra-venta de bienes y servicios, el pago de deudas y constituían una reserva de valor para atesorar riqueza.

Poseían un gran valor simbólico, un fuerte reconocimiento social y de prestigio, que servían para conocer a la sociedad, sus creencias, su cultura, su evolución tecnológica y su arte.

Llama la atención la gran variedad de materiales y tipologías, tanto del llamado “dinero no metálico”, que abarca desde productos agrícolas hasta manufacturas, minerales, conchas etc, como del “dinero metálico”, con objetos de diversos materiales como el hierro, bronce o cobre, que procedían de formas muy variadas como lingotes, joyas, utensilios agrícolas, armas, instrumentos musicales etc.

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“纵观非洲”—–传统的货币。(主展厅)从2018 年9 月到2019 年2 月

现在,您可以在我们新的临时展览“圣克鲁斯宫殿”的“纵观非洲”中欣赏我们新的传

统货币临时展览,在那里您将发现那些日常用品的含义,特别是农业和武器,几个世纪以来

一直被用作变革的对象。但最令你惊讶的是其形式之美,以及他们高超的铸铁技术。

如果您想了解更多,请访问我们!他们将陪伴我们持续到2 月份!时间表和往常一样,

即周二至周六上午11 点至下午2 点,下午4 点30 分至7 点30 分,周日上午11 点至下午2

点。最好的消息是:入口是免费的。

但是……临时展览会展示什么?:

“纵观非洲”中的作品是传统货币。在非洲的背景下,这种类型的物品通过硬币商品或

古钱币的使用在不同民族之间进行商业交流,直到十六世纪欧洲人的到来,撒哈拉以南非洲

的货币却没有“商业价值”它的使用曾经只是一种仪式,但是仅限于统治阶级,每个硬币

都有一种具体的用途。

因此,物品具有我们目前赋予货币的所有特征,即它们是购买和销售商品和服务的支付

手段,偿还债务并构成珍贵财富的价值储备。

他们具有巨大的象征价值,强烈的社会认同感和声望,有助于人们了解社会,信仰,文

化,技术演变甚至艺术。

各种各样的材料和类型,所谓的“非金属货币”,则包括从农产品到制造业,矿物,贝

壳等,以及所谓“金属货币”,具有各种材料的物体,如铁,青铜或铜,其形式也是多种多

样的,如锭,珠宝,农具,武器,乐器等。

UTENSILIOS AGRÍCOLAS. Culturas Mambila/Mfute/Wuli. Camerún y Nigeria. Finales del siglo XIX. Hierro

Los instrumentos agrícolas se crearon en un principio exclusivamente para la labor de campo pero se fueron transformando en medida de valor y de pago. A partir de entonces se fabricaron herramientas más pequeñas, de formas simplificadas, que ya no pueden cumplir su función convirtiéndose en nuevos objetos.

Los herreros locales son sus artífices siendo imprescindibles para la supervivencia de la comunidad, por eso eran personajes temidos y respetados, por atribuirseles poderes mágicos al trabajar con el hierro, material misterioso procedente de las entrañas de la tierra, que se mezclaba con el inquietante fuego.

Normalmente estos objetos se utilizaban como el pago de la dote y si el matrimonio fracasaba, había que devolver dichas monedas.

ARMAS. Culturas Mobenge/Zande y Lobala. República Democrática del Congo. Finales del siglo XIX. Hierro

El empleo de armas como medio de pago, es una práctica que se remonta a muchas culturas antiguas como en la Grecia Clásica. Su función fundamental era la defensa y la caza, pero también se convertía en un símbolo de prestigio social y económico, utilizándose en las transacciones mas relevantes.

También su fabricación fue responsabilidad de los herreros, y resulta difícil distinguir las armas que fueron utilizadas realmente como tales, de las “reproducciones” destinadas exclusivamente al comercio. En general lo que se observa, es que a medida que fueron perdiendo su utilidad, el metal empleado en la fabricación se reduce, simplificándose y haciéndose hincapié en la estética.

农业工具最初专门用于实地农耕工作,但它们被转变为衡量价值和支付的标准。从那

时起,使用简化的形式制作了较小的工具,这些工具不再能够通过成为新的对象来实现其功

能价值。

当地的铁匠是它的制造者,对于部落的生存至关重要,这就是为什么他们成为令人恐惧

但受人尊敬的人物,因为他们在使用铁,当这些物质与令人不安的火焰混合在一起。这个来

自地球的神秘物质在那时被他们赋予了神奇的力量。

通常这些物品被用作嫁妆的支付,如果婚姻失败,这些钱币必须归还。

武器。Mobenge / Zande 和Lobala 文化。刚果民主共和国。19 世纪末。铁(ARMAS. Culturas

Mobenge/Zande y Lobala. República Democrática del Congo. Finales del siglo XIX. Hierro)

使用武器作为支付手段是一种可以追溯到许多古代文化的做法,如古典希腊。它的基

本功能是防御和狩猎,但它也成为社会和经济声望的象征,被用于最相关的交易。

它的制造也是铁匠的责任,我们很难将实际使用的武器与专门用于贸易的“复制品”区

分开来。一般来说,观察到的是,当它们失去其用途时,制造中使用的金属被减少,更多

的是简化并强调美学。

El Museo Arellano Alonso de la UVa finaliza este año 2018 con una nueva exposición temporal. Bajo el título de “Musas”, se muestran una selección de collages analógicos realizados por Naiara Valdano a lo largo de la última década.

Partiendo de fotos publicadas en revistas de moda, belleza o diseño, Naiara realiza una crítica irónica y colorista hacia la publicidad y los medios de comunicación que nos rodean. La artista critica sobre todo esa parte de la sociedad acostumbrada a usar el cuerpo femenino como un simple objeto que puede moldearse según cada interés o necesidad.

En su trabajo reutiliza imágenes de numerosas publicaciones que divide, interviene y desintegra con la intención de construir nuevos cuerpos femeninos. Muchos de esos cuerpos parecen tener cicatrices y estar construidos con distintos miembros inconexos, como si fueran criaturas de Frankenstein en papel; otras mujeres aparecen como parte de bodegones o paisajes como si fueran mobiliarios u objetos sin alma, sin carácter, sin espíritu. Ellas son simples cuerpos, ellas son simples musas.

Sobre la autora
Naiara Valdano, tras licenciarse en Historia del Arte y realizar un máster en Mercado Artístico, ha desarrollado una extensa carrera principalmente en dos ámbitos: el de la gestión cultural y el de la comunicación online. A lo largo de los últimos años ha colaborado con instituciones como LABoral Centro de Arte y Creación Industrial o el Solomon R. Guggenheim Museum, además de haber participado en proyectos de la talla del Festival Miradas de Mujeres, ARCO Bloggers o Mujeres Mirando Mujeres.

Desde hace diez años destaca también su labor artística. A pesar de haber experimentado con diversas técnicas como acuarela o dibujo, su actividad creativa se ha centrada principalmente en el mundo de los collages analógicos, realizados con tijera y papel. La artista, interesada principalmente en la relación entre las mujeres y la publicidad, busca hacer una crítica sobre el uso del cuerpo femenino en la actualidad.

La exposición
La muestra podrá visitarse desde el 21 de noviembre hasta el 13 de enero de 2019, en la galería superior de la Sala de San Ambrosio, localizada en la entreplanta del palacio de Santa Cruz. Como es habitual, la entrada es libre y el horario de visita es el mismo que el de la sala: de martes a sábados, de 11 a 14 h y de 16:30 a 19:30 horas; domingos de 11 a 14 h.

La inauguración oficial tendrá lugar el próximo miércoles 21 de noviembre, a las 18,30 horas, en la propia sala de San Ambrosio. La entrada es libre hasta completar el aforo.

La Asociación Umoya, Comité de Solidaridad con África Negra de Valladolid le invita a visitar la exposición fotográfica “Y TÚ ¿CON QUIÉN ESTÁS? YO, CON LAS MUJERES DE ÁFRICA”

Se trata de una exposición que recorre con éxito toda la geografía española y que también se ha situado en nuestro museo.

Para todos aquellos centros educativos interesados en hacer un buen trabajo de sensibilización que vaya rompiendo el desconocimiento y el olvido que se cierne sobre los pueblos africanos, sus realidades, su situación, sus valores, etc, esta exposición es una estupenda oportunidad.

Se trata de un proyecto llevado a cabo por la Asociación Umoya, Proyde, África Fundación Sur y Banta.

El objetivo es favorecer una actitud solidaria y sensibilizar sobre la realidad de las mujeres subsaharianas, a la vez que destacar su enorme papel en la lucha contra la pobreza, en la promoción del desarrollo humano y difundir sus iniciativas en los planos sociales, económicos, políticos y culturales.

Las fotografías que integran esta exposición pretenden ofrecer una visión amplia de la realidad de las mujeres africanas, representando un vasto número de países y recogiendo la actuación de las mujeres en los diferentes ámbitos de la vida cotidiana, privada y pública. Todas las imágenes intentan ilustrar la información que los paneles nos transmiten alrededor de los siguientes temas:

  1. Mujer y economía. 2. Mujer y educación. 3. Mujer, salud y maternidad. 4. Mujer y política. 5. Mujer y conflictos bélicos. 6. Mujer y desarrollo. 7. La niña. 8. La abuela.

Gam Tepeyac nos presenta la exposición Batiks de Mozambique, una exclusiva, original, étnica y muy vistosa muestra de estas fantásticas telas que la asociación ha ido recopilando a lo largo de los años, después de todo su trabajo de colaboración y actuación humanitaria en este país africano, basado en el voluntariado y sensibilización social, así como labores de Cooperación al Desarrollo

Pero…¿qué es un Batik? Podemos definir a este objeto que proviene de la palabra malaya “ambatik” (tela de gotas), como una tela de algodón de vistosos colores pintada a mano utilizando tintes naturales.

¿Cuál es su técnica? La labor del teñido es muy elaborada, siendo un proceso que necesita tiempo y dedicación, dando como resultado un trabajo de gran calidad. Se basa en el uso de cera de abeja en una proporción del 30% y parafina en un 70%, para aplicar caliente sobre la tela en aquellos sitios que se quieren pintar. Después de la aplicación de la cera es cuando se tiñe el tejido y una vez seco se repiten los pasos anteriores, es decir, se tapa con la cera los colores a conservar ya que el resto del tejido seguirá recogiendo color del tinte que se aplique.

¿Qué representa? Las pinturas originales del Batik representan una forma de arte popular animada, que expresa, a través de colores deslumbrantes, escenas de la vida cotidiana de los mozambiqueños, donde se introducen bailes, música, pero también labores de trabajo, como machacar el grano, sacar agua de los pozos, realizar o transportar la comida o incluso una escena de escuela. Por lo tanto las figuras humanas son imprescindibles, las cuales son negras finas siluetas alargadas, sin rostro pero llenas de dinamismo como los objetos utilizados en su día a día y de las arquitecturas tradicionales típicas del país, realizadas a base de madera, bambú y techumbres cónicas a base de paja que protegen de las inclemencias climáticas. No podemos olvidar a los animales que conviven con la población, entre los que se encuentran jirafas o cebras.

El gran dinamismo se da en todas las escenas y con una gama cromática centrada tanto en colores cálidos como anarajados, rojos, pero sin olvidar tonalidades frías como azules o verdes.

Aunque no hay perspectiva y no existen los fondos para centrar de esta manera la atención en la acción representada, se incluyen finas líneas que dan un mayor sentido estético.

Si quieres saber mas, contactar o ser voluntario de la Asociación de Gam Tepeyac, su sede esta en la Plaza de la Universidad 7, Esc. D, 6º P-Q – 47003 Valladolid. El teléfono es el 983440074 y el correo electrónico es el gam@uva.es . Web: www.gamtepeyac.es

Del 10 de julio al 9 de septiembre de 2018

Horario: De martes a sábado de 11 a 14 h y de 16:30 a 20 h

                   Domingo: 11 a 14 h

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Gam Tepeyac presents the exhibition Batiks of Mozambique, an exclusive, original, ethnic and eye-catching of these wonderful fabrics that the organization has collected through the years, after all its collaborative venture and humanitarian performance in this African country, based in voluntary work and social awareness, as well as Development Cooperation work.

But first of all… what’s a Batik? We may define this object that comes from the Malayan word “ambatik” (cloth of drops), as a cotton cloth of vibrant colors hand-painted using natural dyes.

Which is its technique? The task of the dyeing is very sophisticated, as this process needs time and dedication, resulting in pieces of great quality. It is based in the use of bee wax, in a 30%, and paraffin, in a 70%, it is applied hot all over the cloth in those places that want to be painted. After the wax has been applied the cloth is dyed and once it is dry the previous steps are repeated, that is to say, the colors to be preserved are covered with wax, as the rest of the fabric will continue to collect the color of the dye applied.

What does it represent? The original Batik paintings represent a form of popular art animated, that expresses, through dazzling colors, Mozambican everyday scenes, where dances, music, but also work tasks, such as smashing grain, drawing water from wells, making or transporting food or even a scene in a school are introduced. Therefore, human figures are essential, they are black slim elongated silhouettes, faceless but full of dynamism as the objects used in their everyday life and in the typical traditional architecture of the country, made out of wood, bamboo and cone-shaped roofing of straw that protect from inclement weather. We have to keep in mind the animals that live together with this community, among them, we find giraffes and zebras.

There is plenty of dynamism in all the scenes with a color range focused on warm colors such as orange, red, but without forgetting cooler tones such as blue or green.

Although there is no perspective and there are no backgrounds where to focus attention on the represented action, fine lines that add a greater aesthetic sense are included.

For further information, contact or becoming a volunteer at the ONG Gam Tepeyac, its office is located in Plaza de la Universidad 7, Esc. D, 6º P-Q – 47003 Valladolid. The telephone is 983440074 and the e-mail gam@uva.es . Web: www.gamtepeyac.es

From 10th of July to 9th of September of 2018

Schedule: From Tuesday to Saturday from 11 am to 2 pm and from 4:30 pm to 8 pm

Sunday: from 11am to 2pm


Gem Tepeyac Präsentiert Batiken aus Mozambik, eine exklusive, originale, ethnische und prächtige Ansicht dieser fantastischen Stoffe, die die Organisation im Laufe der Jahre, nach all der Zusammenarbeit und humanitären Handlungen in diesem afrikanischen Land, basierend auf dem Freiwilligendienst und der sozialen Sensibilisierung, sowie der kooperativen Entwicklungsarbeit, gesammelt hat.

Aber…was iste in Batik? Wir können dieses Objekt, dessen Bezeichnung sich von dem malaiischen Wort “ambatik” (Stoff der Tropfen) ableitet, als einen mit auffallenden Farben, natürliche Farben nutzend und von Hand bemalten Stoff aus Baumwolle definieren.

Worin besteht die Technik? Bei der Arbeit der Färbung, handelt es sich um einen sehr aufwendigen prozess, der Zeit und Hingabe verlangt, um zu einem Resultat von grosser Qualität zu gelangen. Die Technik basiert auf der Nutzung einer Mischung aus 30 Prozent Bienenwachs und 70 Prozent Paraffin, die erhitzt an allen Stellen auf dem Stoff aufgetragen wird, die bemalt werden wollen. Nac dem Auftragen des Wachses, wird der Stoff gefärbt, sobald er getrocknet ist, werden die vorhergegangenen Schritte wiederholt, also das Abecken mit Wachs von de Farben, die konserviert werden sollen, da der Stoff weiterhin die Farbe der Tinte aufnimmt, die aufgetragen wird.

Was ist abgebildet? Die originellen Batik-Gemälde repräsentieren eine Form populärer, lebhafter Kunst, die durch blendende Farben, Szenen aus dem Alltag der Einwohner Mozambiks zeigt, so zeigen die Batiks Tänze, Musik, aber auch Arbeitsvorgämge, wie das Zerstossen von Getreide, das Einholen von Wasser aus den Brunnen, Essenszubereitung und Transport, oder auch eine Schulszene. Demnach sind die Figuren, bei denen es sich um feine schwarze, in die Länge gezogene Silhouetten Handelt, ohne Gesicht aber voll Dynamik, ebenso, wie wie die alltäglich genutzten Objekte und due traditionell typische architektur des Landes, unverzichtbar. Die Häuser, die angefertigt werden aus Holz und Bambus, und die durch kegelförmige Dächer aus Stroh abgeschlossen werden, schützen vor der Unbarmherzigkeit des Klimas. Nicht zu vergessen, sind die Tiere, die mit der Bevölkerung leben, und unter denen sich Giraffen oder Zebras finden.

Die grosse Dynamik, und die kromatische Pallette, die sich auf warme Farben wie Orangeund Rot konzentriert aber auch kalte Töne wie Blau und Gründ nicht vergisst, findet sich in allen Szenen wieder.

Auch, wenn es keine Perspektive gibt, und der Hintergrund fehlt, um auf diese Weise die Aufmerksamkeit auf die dargestellte Aktion zu lenken, werden feine Linien einbezogen, die einen grösseren ästhetischen Sinn vermitteln.

Wenn du mehr wissen willst, die Assoziation von Gam Tepeyac kontaktieren, oder Freiwilliger sein möchtest: Ihr Sitz befindet sich auf der Plaza de la Universidad 7, Esc. D, 6º P-Q – 47003 Valladolid. Die Telefonnummer ist 983440074 und die E-mailadresse gam@uva.es . Web: www.gamtepeyac.es

Vom 10. 07.-9. 09. 2018

Öffnungszeiten: Dienstag bis Samsta von 11:00 Uhr- 14:00 Uhr und von 16:30- 20:00 Uhr

Sonntag: 11:00- 14:00 Uhr

 


来自莫桑比克的蜡染。Gam Tepeyac 圣安布罗西奥画廊。从2018 年7 月10 日到9 月9

Gam Tepeyac 展出了莫桑比克的蜡染展览,这是一个独特的,原创的,有关民族的展览,

并且引人注目的是这些奇妙的面料,毕竟他在这个非洲国家的合作和人道主义的行动工作,

是基于志愿服务和社会意识,来实施工作的。

但是……什么是蜡染? 我们可以定义这个来自马来语“ambatik”(滴水布)的对象,

就像用天然染料手工绘制的彩色棉织物。

它的技术是什么呢? 染色工作非常精细,是一个需要时间和奉献精神的过程,从而实

现高质量的工作。它基于使用30%的蜂蜡和70%的石蜡,在那些想要上色的地方对织物加

温。在涂染蜡之后,当织物染色一旦干燥时,重复前面的步骤,即,用蜡覆盖要保存的颜

色,因为织物的其余部分将继续吸收所涂抹的染料的颜色。

它代表什么? 原始的蜡染画代表了一种流行的艺术动画形式,通过炫目的色彩表达莫

桑比克的日常场景,舞蹈,音乐,还有工作任务,如粉碎谷物,从井中取水,制作或运输食

物,甚至是在学校的场景介绍。因此,人物是必不可少的,它们是黑色纤细的细长轮廓,

没有面目但充满活力,作为日常生活中使用的物体和国家典型的传统建筑,由木头,竹子和

锥形屋顶的稻草制成保护免受恶劣天气。我们必须记住与这个社区共同生活的动物,其中

包括长颈鹿和斑马。

所有场景都充满活力,色彩范围集中在暖色调上,如橙色,红色,但不会忘记冷色调,

如蓝色或绿色。

虽然没有视角,也没有背景可以将注意力集中在所代表的动作上,但是包含了增加更多

美感的细线。

欲了解更多信息,请联系或成为ONG Gam Tepeyac 的志愿者,其办公室位于Esc 的Plaza

de la Universidad 7。D,6ºP-Q – 47003 巴利亚多利德。电话是983440074,电子邮件是

gam@uva.es。网址:www.gamtepeyac.es

从2018 年7 月10 日到9 月9 日

时间表:周二至周六上午11 点至下午2 点,下午4:30 至晚上8 点

周日:上午11 点至下午2 点

Las dos figuras que se encuentran en las vitrinas “Miradas sobre África” son Fetiches africanos. En el contexto africano, la palabra fetiche fue designada en primer lugar por los portugueses y hace referencia a todos aquellos objetos o esculturas que tienen una utilidad relacionada con la magia, la superstición y las creencias religiosas.

A los objetos en sí no se les atribuye el valor, sino que son los hechiceros o sacerdotes quienes ejercen su poder a través de ellos. El fetiche es el soporte material mediante en el que se vuelca la energía a través de ritos y sustancias.

Por lo general los fetiches tienen formas antropomorfas (humanas) y en algunas ocasiones zoomorfas (animales). Para ejercer la magia simbólica, los fetiches se componen con sustancias vegetales, minerales o animales (cuernos, piel, hojas, cortezas, conchas…) a los que se les atribuyen poderes mágicos o sobrenaturales. Dentro de los fetiches se pueden encontrar elementos que contienen este poder.

La función de los fetiches es la protección de las personas, familias o sociedades frente a los malos espíritus o las adversidades. Aunque también pueden estar destinados a la magia negra.

Máscara fetiche Dan

Costa de Marfil

Principios S. XX

La cultura Dan es una de las culturas que coexisten en Costa de Marfil junto a otras como la cultura Akan, senufo, Baoulé, Akye, Anye o Aowin. Estas culturas mantienen su lengua y su tradiciones hoy en día. Los Dan se rigen por un consejo de ancianos en los que máscaras como esta participan del poder de la “gran” máscara que danza en las ceremonias públicas. Las máscaras fetiche Dan también son conocidas como máscaras pasaporte, ya que por su reducido tamaño pueden ser llevadas ocultas durante los viajes.

Fetiche Jano

República Democrática del Congo

Mediados S. XX

También se le denomina como Nkissi. Normalmente este tipo de figuras o fetiches tienen dos caras, una en la parte delantera y otra en la parte trasera, tienen una función protectora y adquieren esta fuerza a través de las sustancias extraídas de la naturaleza que llevan en su interior. Estas figuras al ser protectoras no representan ni la fuerza maligna ni benigna, son orientadas por el especialista para conseguir el efecto deseado en la persona que las encarga.

Podéis disfrutarla a partir del 12 de enero de 2018 en horario de sala, es decir, de martes a sábado de 11 a 14 h y de 16:30 a 19:30 h; domingos de 11 a 14 h.

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In this section you will find those exhibitions that reveal the collection not shown in our museum, and which are on display with a determined durability. With them, you will be able to enjoy unique moments, increasing your knowledge and curiosity about African art.The two figures exhibited in the cabinets “Glimpses over Africa” are African fetishes. In the African context, the concept fetish was designated first by the Portuguese and refers to those objects or sculptures that have a utility related to magic, superstition, and religious beliefs.

The objects themselves have not attributed the value, but are the sorcerers or priests who exercise their power through them. The fetish is the material support through which the energy is poured through rites and substances.

In general, fetishes are anthropomorphic (human) and sometimes zoomorphic (animal). To wield this symbolic magic, the fetishes are formed by plant, mineral or animal substances (horns, fur, leaves, tree barks, seashells…) that are attributed magical or supernatural powers. Within fetishes, we can find elements that contain this power.

The function of the fetishes is to protect people, families or societies against bad spirits or adversities. Although they can also be aimed for black magic.

Fetish mask Dan

Ivory Coast

Beginning XX century

Dan is one of the cultures that coexist in Ivory Coast together with others such as Akan, Senufo, Akye, Anye or Aowin cultures.These cultures keep their languages and traditions nowadays. Dan people are governed by a council of elders in which masks like this participate in the power of the “great” mask that dances in public ceremonies. Dan fetish masks are known as passport masks, because of the small size they can be carried hidden during the journeys.

Fetish Jano

Democratic Republic of the Congo

Middle XX c.Also called Nkissi. Usually, this kind of figures or fetishes have two faces, one in the front part and other in the back part, they have a protective role and they acquire this strength through the substances extracted from nature that they carry inside. These figures to be protective represent neither malignant nor benign force, are oriented by the specialist to get the desired effect on the person who orders them.

You can enjoy it from January 12, 2018, in room hours, that is, from Tuesday to Saturday from 11 am to 2 pm and from 4:30 pm to 7:30 pm; Sundays from 11 a.m. to 2 p.m.

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Afrikanische Fetische. Einblicke von Afrika. Saal der Rektoren. Seit dem 12.01.2018.

Die zwei in den Vitrinen “Miradas sobre Africa” ausgestellten Figuren, sind afrikanische Fetische. Das Wort Fetisch, wurde im afrikanischen Kontext vor allem von den Portugiesen bestimmt, und nimmt Bezug auf all jene Objekte, oder Skulpturen, die einen Butzen hinsichtlich der Magie, des Aberglaubens und des religiösen Glaubens haben.

Den Objekten an sich, wird kein Wert zugeschrieben, jedoch den Hexern oder Priestern, die ihre Macht durch die Objekte ausführen. Der Fetisch, ist die materielle Unterstützung, durch den die Energie sich, mittels Riten und Substanzen ergiesst.

Generell haben die Fetische antropomorphe (menschliche) Formen und in einigen Fällen zoomorphe (tierische). Um die symbolische Magie auszuüben, setzen sich die Fetische aus pflanzlichen, mineralischen oder animalischen (Hörner, Haut, Blätter, Muscheln..), denen man magische oder übernatürliche Kräfte zuspricht, zusammen. Innerhalb der Fetische können sich Elemente finden, die diese Macht enthalten.

Die Aufgabe/Funktion der Fetische, ist der Schutz der Personen, Familien oder Gesellschaften vor den schlechten Geistern oder Widrigkeiten. Auch wenn sie ebenfalls der schwarzen Magie zugewiesen sein können.

Fetisch-Maske Dan

Elfenbeinküste

Anfang 20. Jh.

Die Kultur Dan, ist eine der Kulturen, die neben anderen Kulturen wie die der Akan, Senufo, Baoulé, Akye, Anye oder Aowin an der Elfenbeinküste existieren. Diese Kulturen erhalten ihre Sprache und ihre Traditionen auch heutzutage aufrecht. Die Dan werden geleitet durch einen Rat der Alten, in dem Masken wie diese an der Macht der “gran” (grossen) Maske teilnehmen, die bei öffentlichen Veranstaltungen tanzt. Die Fetisch-Masken Dan, sind auch bekannt, als Reisepass-Masken, da sie durch ihre reduzierten Masse, versteckt auf Reisen mitgenommen werden können.

 

Fetisch Jano

Demokratische Republik des Kongo

Mitte 20. Jh.

Man nennt ihn/es auch Nkissi. Normalerweise, hat diese Art von Fetisch oder Figur zwei Gesichter, eins auf der Vor- und ein auf der Rückseite. Sie haben eine beschützende Funktion, und erlangen diese, durch die aus der Natur extrahierten Substanzen, die sie in ihrem Inneren tragen. Da diese Figuren als Beschützerinnen gelten, stellen weder bösartige, noch gutartige Kräfte dar, sie orientiernen sich nach dem Facharzt/Spezialisten, um den gewünschten Effekt in der der Person, die sie in Auftrag gibt, zu bewirken.

Ab dem 12.01.2018, könnt ihr sie dienstags bis samstags von 11:00-14:00 Uhr und von 16:30-19:30 Uhr und sonntags von 11:00-14:00 Uhr bewundern.

 


非洲的物神。纵观非洲。主展厅。截至2018 年1 月12 日

在“纵观非洲”的窗口中找到的两个人像是非洲的物神。在非洲语境中,“物神”一

词最初是由葡萄牙人指定的,指的是所有那些具有与魔法,迷信和宗教信仰有关的实用物品

或雕塑。

物品本身并不归因于价值,而是通过它们行使权力的巫师或牧师。物神是通过仪式和

物质注入能量的物质支撑。

一般来说,物神有拟人(人)或时而变形(动物)的形式。为了运用象征性的魔法,

物神一般由植物,矿物或动物物质(角,皮,叶,树皮,贝壳……)组成,神奇或超自然力

量归于这些物质。在迷信中你可以找到包含这种力量的元素。

物神的功能是保护人们,家庭或社会免受邪恶的迫害或防止逆境。虽然他们也可以注

入黑魔法。

物神面具丹(Máscara fetiche Dan)

科特迪瓦

原则二十世纪

丹文化是科特迪瓦与其他文化共存的文化之一,如Akan,Senufo,Baoulé,Akye,Anye

或Aowin 文化。这些文化在今天保持着他们的语言和传统。丹由一个长老理事会管理,

其中这样的面具参与了在公共仪式中跳舞的“伟大”面具的力量。Dan fetish 面具也被称为

护照面具,因为它们的小尺寸可以在旅行期间便于隐藏。

Jano Fetish(Fetiche Jano)

刚果民主共和国

20 世纪中叶

它也被称为Nkissi。通常这种类型的人物或物神有两个面,一个在前面,一个在后面,

具有保护功能,并通过从大自然中提取的物质获得这种能力力。这些保护性的雕塑既不代

表恶势力也不代表善良性,由专家指导,通过使用他们的人的命令他而达到预期的效果。

您可以在2018 年1 月12 日的营业时间内享受,即

二至周六上午11 点至下午2 点以

及下午4:30 至下午7:30; 周日上午11 点至下午2 点

Juliette Brinkmann vive y trabaja desde hace diez años en Sao Vicente de Mindelo (Cabo Verde). Con su cámara apunta a focos sociales, tomando a las personas como motivo principal.

Desde 2012, su fotografía se concentra e retratar la escena de homosexuales y transexuales, aunque los primeros trabajos se remontan a la movida alternativa berlinesa de los años 90.

Su exposición Musas de Cabo Verde, se compone de una serie de fotografías, en blanco y negro, de varias de las participantes en la primera marcha del Orgullo de África, celebrada en Cabo Verde en 2013, con el objetivo de llamar la atención sobre la igualdad de derechos.

“Me he centrado en su belleza individual, la cual se enfrenta al contexto de la propia vida, marcado por las circunstancias sociales adversas”. Hay que tener en cuenta que en Cabo Verde es una referencia en África por su estabilidad, democracia y crecimiento.

Sin embargo, sufre problemas sociales como la falta de educación, el sida, la prostitución forzada, el paro y la drogadicción. Brinkmann muestra en sus fotos este otro lado del desarrollo y el bienestar.

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In this section you will find those exhibitions that reveal the collection not shown in our museum, and which are on display with a determined durability. With them, you will be able to enjoy unique moments, increasing your knowledge and curiosity about African art.

Juliette Brinkmann has lived and worked for ten years in Sao Vicente Mindelo (Cabo Verde). With her camera she points social spots, taking people as the central subject.

Since 2012, her photography is focused in portraying the scenery of homosexuals and transsexuals, although her first works date back to 90s Berlin’s Rave Era.Her exposition Muses of Cabo Verde is formed by a set of photographs, in black and white, of several participants in the first parade of Pride of Africa, held in Cabo Verde in 2013,  with the purpose of calling the attention on equal rights.

“I’ve focused on their individual beauty, which faces the context of life itself, marked by adverse social circumstances”. We have to bear in mind that Cabo Verde is a reference in Africa because of its stability, democracy, and growth.

However, it suffers from social issues such as lack of education, AIDS, forced prostitution, unemployment and drug abuse. Brinkmann shows in her pictures this other side of development and welfare.

 


佛得角的缪斯。摄影:Juliette Brinkmann。圣安布罗西奥厅画廊。从2018 年6 月7 日到

7 月8 日

Juliette Brinkmann 在Sao Vicente de Mindelo(佛得角)生活和工作了十年。他用相机

记录社交焦点,以人为主要对象。

自2012 年以来,他的摄影专注于描绘同性恋和变性人,尽管第一部作品可以追溯到90

年代的柏林另类运动。

她的在佛得角的博物馆举行的展览,由一组黑白照片组成,第一部分参与者2013 年在

佛得角举行的非洲骄傲游行,目的是提请注意平等权利。

“我专注于他们的个人美,面对生活本身的背景,以不利的社会环境为标志”。我们必

须记住,佛得角是非洲的一个参考,因为它的稳定性,民主和增长。

但是,它受到诸如缺乏教育,艾滋病,强迫卖淫,失业和吸毒等社会问题的困扰。Juliette

Brinkmann 在她的照片中展示了发展福利的另一面。

Nuestras reproducciones han vuelto a viajar a Cabezón de Pisuerga. Ya se asentaron en el Bodegón El Ciervo y en el Monasterio de Santa María de Palazuelos. En esta ocasión ha ido otra vez acompañadas de las figuras vacceas del ceramista Carlos Jimeno, el cual posee su taller de creación en dicho lugar.


Además la gran novedad ha sido llevar una máscara original del Reino de Oku de Camerún, para que todos los habitantes de la localidad pudieran disfrutar de este tipo de arte sin salir de casa.

Al acto de inauguración acudieron Amelia Aguado Álvarez como directora del museo, Arturo Fernández como alcalde de Cabezón de Pisuerga, Carlos Jimeno Velasco como artista a la vez que comisario, así como Cristina Bayo Fernández como comisaria de la exposición.

¡Muchas gracias¡


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Allowed to touch, forced to feel. Cultural Centre of Cabezón de Pisuerga. April 19-29, 2018.

Our reproductions have returned to Cabezón de Pisuerga. They have already settled in Bodegón El Ciervo and Monastery of Santa María de Palazuelos. On this occasion, she has been accompanied again by the Vaccea figures of the ceramist Carlos Jimeno, who has his workshop of creation in this place.

In addition, the great novelty has been to wear an original mask of the Kingdom of Oku of Cameroon, so that all the inhabitants of the town could enjoy this type of art without leaving home.

The inauguration ceremony was attended by Amelia Aguado Álvarez as director of the museum, Arturo Fernández as mayor of Cabezón de Pisuerga, Carlos Jimeno Velasco as artist and curator, and Cristina Bayo Fernández as curator of the exhibition.

Thank you very much!

 


允许触摸,被迫感受。CabezóndePisuerga 文化之家。从2018 4 19 日至29

 

我们的复制品已归还给CabezóndePisuerga 。他们已经入驻BodegónElCiervo 和

SantaMaríadePalazuelos 修道院。在这个场合,他再次伴随着陶艺家卡洛斯·吉梅诺的人物

作品,他在那里创作了他的创作工作室。

此外,最大的新奇事物是佩戴喀麦隆奥库王国的原始面具,这样镇上的所有居民都可以

在不离开家的情况下享受这种艺术。

出席开幕式的有AmeliaAguadoÁlvarez 博物馆馆长, ArturoFernández 担任

CabezóndePisuerga 市长,Carlos Jimeno Velasco 担任艺术家和策展人,CristinaBayoFernández

担任展览策展人。

Desde el 24 de abril hasta el 3 de junio, podrá visitarse en nuestras salas una nueva exposición temporal.

Comisariada por Juan José Santos, la muestra AIETHOPIA está compuesta por tres cuadros de Blanca Gracia, junto con Mitos de Cthuluceno, serie fotográfica en postales de Adrien Missika. Este grupo de obras se expondrán en el Salón de Rectores y la Sala Renacimiento. Pero además, en la Sala de San Ambrosio, podrá disfrutarse de varias creaciones audiovisuales, realizadas por Andrés Pachón, Vasco Aráujo, Pilar Quinteros, Gerald Machona, Sanford Biggers, Terence Nance y Sun Ra.

AIETHOPIA es una designación imaginaria, una región inventada que dialoga con la colección permanente del Museo de Arte Africano Arellano Alonso de la UVa. Uniendo el lenguaje y la metodología provenientes de la paleontología, la antropología y la etnografía, así como los viajes de exploradores y el folclore popular, esta exposición pretende trazar un paralelo mágico, ritualístico y ficcionado con respecto a las obras que se exponen de la colección del Museo.

El objetivo es poner en diálogo obras de arte contemporáneo con las piezas tradicionales de África subsahariana, reactivando y disponiendo de nuevas formas de acercarse al acervo del arte africano, de manera creativa, novedosa y original. Captando nuevas audiencias y ofreciendo una relectura al visitante conocedor de la colección. Se plantea por tanto una lectura distinta, enriquecedora y refrescante, además de permitir una atención mediática de un alcance puntual.

El horario de visita el mismo que el de la colección permanente: de martes a sábados, de 11 a 14 h y de 16,30 a 19,30 horas; domingos de 11 a 14 horas.

Entrada libre y gratuita.

#PrimaveraAfricana

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AIETHOPIA. From 24 April to 3 June 2018

From April 24th to June 3rd, a new temporary exhibition will be open in our halls.

Curated by Juan José Santos, the exhibition AIETHOPIA consists of three paintings by Blanca Gracia, along with Myths of Cthuluceno, a photographic series on postcards by Adrien Missika. This group of works will be exhibited in the Rectors’ Hall and the Renaissance Hall. But in addition, in San Ambrosio’s Hall, you can enjoy several audiovisual creations by Andrés Pachón, Vasco Aráujo, Pilar Quinteros, Gerald Machona, Sanford Biggers, Terence Nance and Sun Ra.

AIETHOPIA is an imaginary designation, an invented region that dialogues with the permanent collection of the Arellano Alonso Museum of African Art at UVa. Bringing together the language and methodology of paleontology, anthropology, and ethnography, as well as the journeys of explorers and popular folklore, this exhibition aims to draw a magical, ritualistic and fictional parallel to the works on display in the Museum’s collection.

The aim is to bring contemporary works of art into dialogue with the traditional pieces of sub-Saharan Africa, reviving and providing new ways of approaching the heritage of African art in a creative, innovative and original way. Capturing new audiences and offering a re-reading to the knowledgeable visitor of the collection. Therefore, a different, enriching and refreshing reading are proposed, in addition to allowing a media attention of a punctual scope.

Visiting hours are the same as for the permanent collection: from Tuesday to Saturday, from 11 am to 2 pm and from 4.30 pm to 7.30 pm; Sundays from 11 am to 2 pm.

Admission free of charge.

#AfricanSpring

 


AIETHOPIA。从2018 年4 月24 日到6 月3 日

从4 月24 日到6 月3 日,我们的大厅可以参观一个新的临时展览。

由JuanJoséSantos 策划的AIETHOPIA 展览由Blanca Gracia 的三幅画作以及由Adrien

Missika 制作的明信片摄影系列Mitos de Cthuluceno 组成。这组作品将在主展厅和文艺复兴

展厅展出。此外,在圣安布罗西奥厅,您可以欣赏到由AndrésPachón,VascoAráujo,Pilar

Quinteros,Gerald Machona,Sanford Biggers,Terence Nance 和Sun Ra 制作的多种视听作品。

AIETHOPIA 是一个通过想象虚构出来的名称,是与非洲艺术博物馆Arellano Alonso de la

UVa 永久收藏品对话的虚构地区。该展览将古生物学,人类学和人种学以及探险家和流行

民间传说的旅程中的语言和方法结合起来,旨在绘制一个神奇的,仪式化的和虚构的平行关

于展览中展出的作品博物馆

目标是将当代艺术作品与撒哈拉以南非洲的传统作品对话,以创造性,原创性和新颖的

方式重新激活和安排亲近非洲艺术品的新方式。捕获新的受众群体的同时并向他们当中知

识渊博的访问者提供重读。因此,除了允许媒体报道特定范围之外,还提供了了不同的,

丰富的和及时更新的阅读刊物。

访问时间表与永久收藏品时间表相同:周二至周六,上午11 点至下午2 点,下午4 点

30 分至下午7 点30 分; 周日上午11 点至下午2 点

免费入场。

#非洲的春天

Desde el 9 de marzo hasta el 3 de junio, la intervención Raíces ancestrales de Amaya Bombín, podrá visitarse en nuestras tres salas ubicadas en el palacio de Santa Cruz (Salón de Rectores, Sala Renacimiento y Sala de San Ambrosio).

Este proyecto, que forma parte de la programación especial de la Fundación en torno al Dia Internacional de la Mujer, consta de varias instalaciones site-specific en las que la artista utiliza materiales sencillos muy característicos de la provincia de Valladolid y de sus paisajes: piedras y sarmientos. A ellos se suman los hilos de color rojo que unifican las obras y les dan un simbolismo especial, puesto que el rojo es el color que simboliza la madre tierra, lo terrenal, tanto en África (el eje de nuestra colección) como a nivel mundial. Todos estos elementos en sus obras intentan profundizar, echar raíces, buscarlas, encontrarlas y destaparlas.

En cuanto a las piedras, desde la Antigüedad, han sido un material que simboliza la permanencia, la unión a la tierra, la identificación con un lugar o consolidación de una identidad. Los hilos rojos a su vez, son símbolo de unión, de conexión entre personas y tradicionalmente vinculados a la tradición femenina.

Con la mezcla de materiales, la autora intenta enlazar tradición y modernidad, profundizando en la relación entre el hoy y la tradición africana donde la idea de continuidad de la vida, vinculada al poder reproductor de la mujer, está siempre presente.

El arte contemporáneo estra pues en nuestras salas y se mezcla con la tradición africana, generándose un interesante diálogo en el que surgen nuevas interpretaciones y significados para todas las piezas, y dan lugar a una manera diferente de ver las exposiciones permanentes de nuestras colecciones.

En cuanto a la artista, Amaya Bombín, nació en Valladolid en 1977. Se licenció en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca, especializándose en la Hertogenbosch Art School (Holanda). Además es Técnica Superior en Gráfica Publicitaria por la Escuela de Arte de Salamanca y ha trabajado en publicidad como directora de arte en Madrid y Lisboa. Ha participado en la Residencia de Artistas organizada por CreArt en Delft (Holanda) y ha obtenido importantes becas, la más reciente dentro de la convocatoria de las II Becas de Creación Artística de la Fundación Villalar-Castilla y León.

En la organización de esta exposición ha sido fundamental la colaboración de la Concejalía de Educación, Infancia e Igualdad del Ayuntamiento de Valladolid.

Actividad incluida en el programa de la Bienal Miradas de Mujeres 2018 organizada por MAV (Mujeres en las artes visuales).

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Ancestral Roots of Amaya Bombín.

From March 9 to June 3, 2018

From March 9 to June 3, Amaya Bombín’s Ancestral Roots intervention can be visited in our three rooms located in the palace of Santa Cruz (Rectors’ Hall, Renaissance Hall and San Ambrosio’s Hall).

This project, which forms part of the Foundation’s special program around International Women’s Day, features several site-specific installations in which the artist uses simple materials very characteristic of the province of Valladolid and its landscapes: stones and vine shoots. They are joined by the red threads that unify the works and give them a special symbolism, since red is the color that symbolizes mother earth, the earthly, both in Africa (the axis of our collection) and worldwide. All these elements in his works try to deepen, take root, look for them, find them and uncover them.

As for the stones, since Antiquity, they have been a material that symbolizes permanence, union with the earth, identification with a place or consolidation of an identity. The red threads in turn, are a symbol of union, of connection between people and traditionally linked to the female tradition.

With the mixture of materials, the author tries to link tradition and modernity, deepening the relationship between today and the African tradition where the idea of continuity of life, linked to the reproductive power of women, is always present.

Contemporary art is therefore in our rooms and blends with the African tradition, generating an interesting dialogue in which new interpretations and meanings emerge for all the pieces, and give rise to a different way of seeing the permanent exhibitions of our collections.

As for the artist, Amaya Bombín, was born in Valladolid in 1977. She graduated in Fine Arts from the University of Salamanca, specializing in the Hertogenbosch Art School (Holland). She is also a Higher Technician in Advertising Graphics from the Art School of Salamanca and has worked in advertising as an art director in Madrid and Lisbon. She has participated in the Artist Residence organized by CreArt in Delft (Holland) and has obtained important scholarships, the most recent of which is part of the II Artistic Creation Scholarships of the Fundación Villalar-Castilla y León.

The collaboration of the Department of Education, Childhood and Equality of the Valladolid City Council has been fundamental in the organization of this exhibition.

Activity included in the program of the Biennial Women’s Views 2018 organized by MAV (Women in the Visual Arts)


AmayaBombín 的祖传根……从2018 年3 月9 日到6 月3 日

从3 月9 日到6 月3 日,可以在位于圣克鲁斯宫的(主展厅,文艺复兴大厅和圣安布罗

斯大厅)的三个展厅内参观AmayaBombín 的祖传物品。

该项目是基金会国际妇女节特别节目的一部分,由几个特定地点的装置组成,艺术家使

用简单的材料,这些材料非常具有巴利亚多利德省及其景观的特征:石头和射击。对他们

来说,红色线条统一了作品并赋予它们特殊的象征意义,因为红色是象征着地球母亲,地球,

非洲(我们收藏的轴心)和全世界的颜色。他作品中的所有这些元素都试图深化,扎根,寻

找它们,找到它们并揭开它们。

至于石头,自古以来,它们就是一种象征着永恒,与土地的联合,与地方的认同或对身

份的巩固的物质。反过来,红线是人与人之间联系的象征,传统上与女性传统有关。

在材料混合的情况下,作者试图将传统与现代联系起来,深化今天与非洲传统之间的关

系,在这种关系中始终存在与妇女生殖力相关的生命连续性观念。

因此,当代艺术在我们的展厅里,与非洲传统相融合,产生了一次有趣的对话,其中所

有作品的新的诠释和意义出现,并产生了一种不同的方式来看待我们的收藏品的永久展览。

至于艺术家,AmayaBombín,1977 年出生于巴利亚多利德。她毕业于萨拉曼卡大学的

美术专业,专攻荷兰的Hertogenbosch 艺术学校。她还是萨拉曼卡艺术学院的广告图形高

级技师,并曾在马德里和里斯本担任艺术总监。她参加了由荷兰代尔夫特的CreArt 组织的

艺术家住宅,并获得了重要的奖学金,这是最近的一项是在Villalar-CastillayLeón 基金会的艺

术创作II 奖学金的召唤下。

在本次展览的组织中,巴利亚多利德市教育,儿童和平等部门的合作至关重要。

活动包括在由MAV(视觉艺术中的女性)组织的Miradas de Mujeres 双年展2018 年计

划中。

Desde el 7 de marzo (no desde el 6 como aparece en el cartel), hasta el 28 de abril podrá visitarse en al galería superior de la Sala de San Ambrosio la exposiciónMujeres en conflicto. Compuesta por fotografías de JM López, la muestra muestra como el sufrimiento de las guerras alcanzan de manera diferenciada a la población civil, y más en concreto a las mujeres.

Las imágenes presentan a madres que han perdido a sus hijos o, lo que es peor, que continúan desaparecidos; madres de familia que han visto sus hogares destruidos, quemados y saqueados; jóvenes que padecen estrés post traumático y que dificilmente van a recuperar la salud mental; poblaciones discriminadas por ser indígenas y condenadas a la pobreza y a la exclusión social; adolescentes vendidas como exclavas sexuales y víctimas de la violación como arma de guerra; chicas obligadas a vestir siguiendo los códigos dictados por la religión; o mujeres que decidieron tomar partido como combatientes por alguno de los bandos. En suma, un recorrido por 15 países que continúan en guerra o que todavía están sufriendo sus consecuencias.

En cuanto al autor, JM, López, es un fotógrafo independiente especializado en documentar conflictos e injusticias en el mundo. Trabajó 11 años en el diario La Crónica de León y, posteriormente, como freelance, ha cubierto las guerras en Siria, Irak, Sudán del Sur, Somalia y Ucrania para varias agencias de noticias. También ha recibido numerosos premios como el Fujifilm Euro Press Photo Awards en 2003, el UNICEF Photo of the Year Award y el ANI Pix Palace en 2011 o el International Photography Awards en 2013.

La iniciativa de la exposición parte de la Fundación Jesús Pereda, en colaboración con la Junta de Castilla y León y Caja Rural, además de la Fundación Arellano Alonso. La muestra forma parte de nuestra programación especial de diciembre en torno al Dia Internacional de la Mujer.

Podréis visitarla, de forma gratuita, durante el horario habitual de apertura de la salas. Es decir, de martes a sábados, de 11 a 14 h y de 16:30 a 19:30 horas; domingos de 11 a 14 horas.

 

Como complemento, se ha organizado un ciclo de conferencias en torno a las mujeres en los conflictos, tanto desde la perspectiva de mujeres que participan en dichos conflictos, como de las reporteras de guerra. Se ha realizado en colaboración con la propia Universidad de Valladolid y la Asociación de Periodistas Feministas de Castilla y León. Tendrá lugar los miércoles 20 y 27 de marzo y 3 de abril, a las 19:30  horas, en el Salón de Grados de la Facultad de Derecho. En las conferencias participarán Teresa Aranguren (escritora y periodista), Tamara Crespo (periodista y librera) y Olga Rodríguez (periodista y escritora).

La galería superior de la sala de San Ambrosio el palacio de Santa Cruz acoge la primera exposición pública del proyecto fotográfico LOCURAS/CORDURAS de la Fundación INTRAS.

El proyecto, iniciado en 2013, se ha convertido en una herramienta para luchar contra el estigma que afecta a las personas que sufren malestar psíquico. Consiste en realizar 4 fotografías a cada modelo voluntario, 3 en una pose previamente determinada (sentado, de brazos cruzados y con una pelota azul) y una cuarta en pose libre jugando con una regadera de color naranja. Todos los participantes van vestidos de color negro y el fondo es del mismo color. De esta manera las personas sólo se diferenciarán por aquello que constituye su singularidad: el rostro, el gesto, la forma de mirar, la sonrisa…, su individualidad. En el caso de la sesión realizada en la sala de San Ambrosio del palacio de Santa Cruz, coincidiendo con la celebración de la Noche de los Museos (el 20 de mayo de 2017), se escogió sin embargo un objeto africano, en relación con las colecciones que se exhiben habitualmente en la Colección de Arte Africano Arellano Alonso de la UVa.

Tres son los fotógrafos que, de manera desinteresada, han colaborado a lo largo de estos años: Gaetano Pappalardo, quien realizó las primeras fotos, siendo retomado el trabajo por Daniel González Rojo (preparador laboral del Centro de Día de Toro de Fundación INTRAS) y Eva Iglesias Vázquez (responsable del Departamento de Comunicación de Fundación INTRAS).

La exposición de algunas de las fotografías realizadas podrá visitarse en la galería superior de la Sala de San Ambrosio del palacio de Santa Cruz desde el jueves 1 de febrero hasta el domingo 1 de abril.

Horario: de martes a sábados, de 11 a 14 h y de 16:30 a 19:30 horas; domingos de 11 a 14 h.


Follies/Sanities. San Ambrosio’s Gallery. 1st February, to 1st April 2018

The upper gallery of the San Ambrosio hall in the Santa Cruz palace hosts the first public exhibition of the photographic project FOLLIES/SANITIES of the INTRAS Foundation.

The project, launched in 2013, has become a tool to combat stigma against people suffering from mental illness. It consists of taking 4 photographs of each volunteer model, 3 in a previously determined pose (sitting, arms crossed and with a blue ball) and a fourth in a free pose playing with an orange watering can. All participants are dressed in black and the background is the same color. In this way, people will only be differentiated by what constitutes their uniqueness: their face, their gesture, their way of looking, their smile…, their individuality. In the case of the session held in the San Ambrosio room of the Santa Cruz Palace, coinciding with the celebration of the Night of the Museums (May 20, 2017), an African object was chosen, however, in relation to the collections that are usually exhibited in the Arellano Alonso African Art Collection of the UVa.

There are three photographers who, in a disinterested way, have collaborated throughout these years: Gaetano Pappalardo, who took the first photos, being taken again the work by Daniel González Rojo (labor trainer of Centro de Día de Toro of INTRAS Foundation) and Eva Iglesias Vázquez (head of the Department of Communication of INTRAS Foundation).

The exhibition of some of the photographs taken will be on display in the upper gallery of San Ambrosio’s gallery in the Santa Cruz Palace from Thursday 1 February to Sunday 1 April.

Opening hours: Tuesday to Saturday, 11 am to 2 pm and 4.30 pm to 7.30 pm; Sunday, 11 am to 2 pm

 


疯狂/ 理智圣安布罗西奥厅。从2018 年2 月1 日到4 月1 日

位于圣克鲁斯宫殿的圣安布罗西大厅的上层画廊举办了INTRAS 基金会摄影项目疯狂/

理智的首次公开展览。

该项目于2013 年启动,已成为打击那些羞辱患有精神疾病的人的手段。它包括拍摄每

个志愿者模型的4 张照片,3 张先前确定的姿势(坐着,双臂交叉,蓝色球)和第四张自由

姿势,用橙色喷壶拍摄。所有参与者都穿着黑色,背景是相同的颜色。通过这种方式,人们

只会通过什么构成他们的独特性来区分:他们的面孔,他们的姿态,他们的外表,他们的笑

容……以及他们的个性。如果在圣克鲁斯宫的圣安布罗西奥厅举行会议,与博物馆之夜的庆

祝活动相一致(2017 年5 月20 日)的情况下,它通常在非洲艺术收藏品Arellano Alonso de

la UVa 展出的系列。

这些年来,有三位摄影师以无私的方式合作:拍摄第一张照片的Gaetano Pappalardo 再

次拍摄了DanielGonzálezRojo(INTRAS 基金会CentrodeDíadeToro 的劳动教练)和Eva 的作品。

IglesiasVázquez(INTRAS 基金会传播系主任)。

所拍摄的一些照片的展览将于2 月1 日星期四至4 月1 日星期日在Santa Cruz Palace 的

San Ambrosio 画廊的上层画廊展出。

开放时间:周二至周六,上午11 点至下午2 点,下午4 点30 分至7 点30 分; 周日,

上午11 点至下午2 点

El Grupo Bogolán Kasobane de Mali nació en 1978 en el I.N.A, el Instituto Nacional de Arte de Bamako, cuando los jóvenes estudiantes: Kandioura Coulibaly, Souleymane Goro, Baba Fallo Keita, Nené Thiam, Kletigui Dembelé y Boubacar Doumbia, se unieron para rescatar una técnica de pintura local al borde de la desaparición, utilizada desde antaño por las mujeres en las aldeas, con el fin de usarla por primera vez como técnica de expresión plástica para la creación de obras de arte contemporáneo.

Orgullosos de su cultura, aprendieron de sus maestras, para ello vivieron largo tiempo en las aldeas. Así fueron iniciados en los secretos de la técnica del “ate del barro” y de la simbología del lenguaje encriptado en los paños, que son auténticas pictografías o manuscritos hechos en tela.

En homenaje a sus madres, guardianas de la belleza, de la tradición y de la cohesión social, decidieron también obras de arte en grupo, por otra parte adoptando un lenguaje figurativo, para lanzar a la humanidad un mensaje artístico bajo el lema “Paz y Cultura”.

Sus obras se han expuesto en Francia, Japón y Estados Unidos.

Gracias a su intensa labor artística, investigadora y docente, el bogolan es una asignatura oficial en el I.N.A. y muchos jóvenes han aprendido en el Atelier Ndomo de Segou. Hoy Mali es “el pais del Bogolan”.

La exposición esta comisariada por la artista Irene López de Castro.


Bogolan Kasobane Group. The art of mud from Mali. 10 October to 10 December 2017. Rectors’ Hall and Ethnographic Gallery

The Bogolán Kasobane Group from Mali was born in 1978 at the N.A.I., the National Art Institute of Bamako, when young students: Kandioura Coulibaly, Souleymane Goro, Baba Fallo Keita, Nené Thiam, Kletigui Dembelé and Boubacar Doumbia, came together to rescue a local painting technique on the verge of disappearance, used since ancient times by women in the villages, in order to use it for the first time as a technique of plastic expression for the creation of contemporary works of art.

Proud of their culture, they learned from their teachers and lived in the villages for a long time. Thus they were initiated into the secrets of the technique of the “art of clay” and the symbolism of the language encrypted in the cloths, which are authentic pictographs or manuscripts made of cloth.

In homage to their mothers, guardians of beauty, tradition and social cohesion, they also decided to create works of art in groups, adopting a figurative language, in order to send out an artistic message to humanity under the motto “Peace and Culture”.

His works have been exhibited in France, Japan and the United States.

Thanks to his intense artistic, research and teaching work, bogolan is an official subject at the N.A.I. and many young people have learned at the Atelier Ndomo de Segou. Today Mali is “the country of the Bogolan”.

The exhibition is curated by the artist Irene López de Castro

 


Bogolan Kasobane 集团。来自马里的泥土艺术。2017 年10 月10 日至12 月10 日。主展

厅和民族画廊

来自马里的BogolánKasobane 集团于1978 年诞生于巴马科国家艺术学院NAI,当时年轻

的学生们有: Kandioura Coulibaly , Souleymane Goro , Baba Fallo Keita , NenéThiam ,

KletiguiDembelé和Boubacar Doumbia,他们齐聚一堂,共同营救当地人濒临消失的绘画技法,

以及那些自古以来一直被村里的女性所使用的技法,以便首次将它作为塑造表达技术用于创

作当代艺术作品。

他们为自己的文化感到骄傲,他们从老师那里学到了很长一段时间并在村里生活。因

此,他们发现了“粘土艺术”技术的秘密和在布料中加密的语言的象征意义,这是真实的象

形文字或由clo 制成的手稿

为了向他们的母亲,美女,传统和社会凝聚力的守护者致敬,他们还决定以团体形式创

作艺术作品,采用比喻性语言,以“和平与文化”的口号向人类发出艺术信息。

他的作品曾在法国,日本和美国展出。由于他丰富的艺术,研究和教学工作,bogolan

是N.A.I 的官方主题。许多年轻人在Atelier Ndomo de Segou 学习。今天马里是“波哥兰的

国家”。

该展览由艺术家IreneLópezdeCastro 策划

El Museo de Arte Africano Arellano Alonso de la Universidad de Valladolid, posee entre sus fondos africanos una colección abundante e interesantísima de Tablas Coránicas o Al Luha, y es que también en los países africanos se desarrolló ese método de enseñanza del Islam, entre ellos Nigeria, como la muestra que vemos a continuación.

Dicho aprendizaje se produce en las madrasas, escuelas religiosas islámicas, donde se difunden los valores religiosos, sociales, morales y culturales islámicos, y a los que acuden personas de todas las edades, tanto niños para aprender la doctrina como adultos que optan incluso al oficio de imán. A veces pueden funcionar como internados donde los pequeños sin recursos viven y toman sus clases.

La copia, recitación y memorización del Corán y los Suras, en árabe, será clave para entender la utilidad de estas tablas, ya que el texto sagrado, una vez estudiado pasará al siguiente, borrando la tinta y escribiendo, con un cálamo, el siguiente apartado. Este método además sirve para que los mas pequeños aprendan a leer y escribir en África, siendo esta, la única formación académica que reciben en muchos casos.

La parte superior de las Al Luha, es un mango de madera recubierto de cuero que sirve tanto para su mejor traslado como para facilitar su escritura y estudio apoyando el brazo sobre él. Y la parte inferior de la tabla, de forma ovalada nos muestra como el aprendiz sentado con las piernas cruzadas coloca entre sus piernas la tabla.

Hay que apuntar que los orígenes de las madrasas se remontan a las estancias de las mezquitas donde se discutía sobre religión y donde el creyente buscaba consejo a los entonces denominados jeques. Este lugar fue disgregándose de la mezquita con el tiempo, llegado a su forma actual.

La más antigua arquitectura es la Madrasa de Qarawiyyin en Fez, fundada en el 859, y ya a finales del Período Abbasí con el visir Nizam al-Maluk que además fundará la primera academia superior o Nizamiyya, y creó un sistema de madrasas públicas en varias ciudades. La confirmación y forma definitiva vendrá con los mamelucos, llegando a los países africanos subsaharianos como Nigeria.

The Arellano Alonso African Art Museum of the University of Valladolid possesses, among its African collection, an abundant and very interesting set of Quranic Slabs or Al-Luha. That Islamic teaching method was also developed in African countries, such as Nigeria, the case we see below.

That learning process takes place in the madrassas, Islamic religious schools, where religious, social, moral and cultural Islamic values are spread. These schools are frequented by people of all ages, both children to learn the doctrine and adults that aim to be imams.

Copying, reciting and memorizing the Quran and the surahs, in Arabic, will be the key in order to understand the usefulness of these slabs, since the sacred text, once it has been studied, will be passed to the next person, erasing the ink and writing with a reed pen the next chapter. This method is also used to teach children to read and write in Africa, being this one, in many cases, the only academic formation that they are given.

The upper part of the Al Luha is a wooden handle covered with leather, which makes it easier foe students to move the slab and to study and write on it; thus, the users can rest their arms on it. The oval-shaped lower part of the slab shows how the apprentice, sat with his legs crossed, places the slab between them.

It has to be noted that the origin of the madrassas dates back to the rooms of mosques where people discussed about religion and where the believer sought advice from the sheik. Throughout the ages, this place became separated from the mosque, until it turned into what we know nowadays.

The most ancient architecture is the Qarawiyyin Madrassa in Fez, established in 859, at the end of the Abbasid period with the vizier Nizam al-Maluk, who will also found the first higher education institution or Nizamiyya. He also created a system of public madrassas in several cities. Its confirmation and definitive form will come by the hand of Mamluks, reaching Sub-Saharan African countries like Nigeria.

 


古兰经或Al-Luha 表。纵观非洲。主展厅。2017 年1 月15 日至10 月10 日

巴利亚多利德大学的阿雷拉诺·阿隆索非洲艺术博物馆在其非洲藏品中拥有丰富而有趣

的Quranic Slabs 或Al-Luha。这种伊斯兰教学方法也是在尼日利亚等非洲国家发明的,我们

在下面看到这种情况。

这种学习过程发生在宗教,社会,道德和文化伊斯兰价值观的伊斯兰宗教学校。这些

学校是所有年龄段的人经常光顾的,无论是学习儿童的学生还是想成为伊玛目的成年人。

用阿拉伯语复制,朗诵和记忆古兰经和章节将是了解这些板块有用性的关键,因为一旦

经过研究,神圣的文本将被传递给下一个人,省略掉墨水,并用芦苇笔沾水写下一章。这

种方法也被用来教孩子们在非洲读书和写作,在很多情况下,这是他们唯一的学术形式。

Al Luha 的上部是一个用皮革覆盖的木制手柄,这使得学生更容易移动板坯并在其上书

写和书写;因此,使用者可以将手臂放在手柄上。平板的椭圆形下部则方便学徒双腿交叉坐

着并能将平板放置在双腿之间。

必须指出的是,伊斯兰学校的起源可以追溯到清真寺的房间,在那里人们讨论宗教信仰

以及信徒向酋长寻求建议的地方。这个地方多年来一直与清真寺相分开,直到它变成我们现

在所熟知的。

最古老的建筑是菲斯的Qarawiyyin Madrassa,建立于859 年,在阿拔斯王朝时期结束时

与最高级的Nizam al-Maluk 所一起建立,他们也建立了第一所高等教育机构或Nizamiyya。

他还在几个城市还建立了一个公共宗教学校系统。它最终在马穆鲁克人手中形成以及得到认

可,到达像尼日利亚这样的撒哈拉以南非洲国家。

En el grupo Valladolid DIBUJA convergen ilustradores, pintores, acuarelistas, arquitectos y aficionados en general al Dibujo, esa maravillosa vía de expresión común a todos ellos que, en los últimos tiempos, está recobrando el protagonismo que merece.Valladolid DIBUJA viene realizando desde febrero de 2010 los llamados Sketchcrawl (Maratón de Dibujo), una convocatoria internacional que se realiza cuatro veces al año y simultáneamente en ciudades de todo el mundo y en la que los participantes dibujan “in situ”, a cubierto o al aire libre, capturando directamente en sus cuadernos lo que observan, compartiendo después los resultados en diversas redes sociales.

Los miembros del grupo han dibujado en las calles, cafés, museos, estaciones y cementerios de la ciudad, entre otros espacios. También en eventos como el Teatro de Calle, la Semana Santa, la Valladolid Motor Vintage o la Feria del Libro de Salamanca (en esa ocasión de la mano de la Agencia Pencil ).

Por esta razón, hemos inaugurado esta nuevo exposición “Valladolid DIBUJA en el museo” donde se exhiben los trabajos realizados en dos sesiones del 54 Sketchcrawl celebrado en Enero de 2017 en nuestra Sala de San Ambrosio (Reino de Oku de Camerún).

En los trabajos de pequeño y mediano formato tenemos los apuntes del natural tomados en las salas con medios de lo más diverso, grafito, tinta, acuarela, lápices color, etc…

En los papeles de formato grande vemos una propuesta que se lanzó posteriormente al grupo consistente en:

Realizar un autorretrato en blanco y negro de la mitad de su cara con grafito, carboncillo etc, para posteriormente pasar su autorretrato al compañero de al lado y éste completar la cabeza con una máscara extraída de lo observado en las salas o totalmente imaginaria y en color, fundamentalmente ceras.

A través de la exposición disfrutaréis de los diversos puntos de vista que cada artistas a realizado de nuestras máscaras.

Si queréis más información sobre el colectivo y la exposición podéis entrar también en los siguientes enlaces:

Blog del colectivo: http://valladoliddibuja.blogspot.com.es/

Facebook: https://www.facebook.com/groups/273429146089588/?ref=bookmarks

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The group Valladolid DIBUJA gathers illustrators, painters, watercolorists, architects and drawing amateurs, who practice that marvelous form of expression common to all of them, and which, lately, is recovering the prominence it deserves.

From February 2010, Valladolid DIBUJA has been participating in the named Sketchcrawl, an international invitation that takes place four times per year, and simultaneously in cities of every part of the world. The participants draw “in situ”, indoors or outdoors, directly capturing in their sketchbooks what they observe, sharing the results on diverse social media afterwards.

The group members have been drawing in the streets, cafés, museums, stations and cemeteries of the town, among other places, as well as in events, such as the Teatro de Calle, the Holy Week, the Valladolid Motor Vintage or the Book Fair of Salamanca –on that occasion by the hand of the Pencil Agency.

That is the reason why we have opened this new exhibition “Valladolid DIBUJA en el museo” (“Valladolid DRAWS in the museum”), where there are works made in two sessions of the 54 Sketchcrawl, which took place in January 2017 in our San Ambrosio room (Kingdom of Oku of Cameroon).

In the works of small and medium size, we have the sketches the artists drew in the rooms with diverse tools, like graphite, ink, watercolor, colored pencils, etc.

In the papers of large format we see a proposal that was subsequently made to the group consisting on: creating a self-portrait in black and white of the half of their face with graphite, charcoal, etc., before passing it to their mate sat next to them, who completed the head with a mask extracted from which they observed in the rooms or totally imaginary and in color -basically crayons.

Throughout the exhibition you will enjoy the different viewpoints that each of the artists has created from our masks.

For further information about the collective and the exhibition, click on the following links:

Collective’s blog: http://valladoliddibuja.blogspot.com.es/

Facebook: https://www.facebook.com/groups/273429146089588/?ref=bookmarks

Contact person:

Joaquín Aragón.   Urban Sketcher Spain’s correspondent in Valladolid

artejoaquin68@hotmail.com

Commissioner: Cristina Bayo. Arellano Alonso African Art Museum. UVa.

Please bear in mind the opening hours: from Tuesday to Saturday, from 11 am to 2 pm and from 4.30 pm to 8 pm.

 


在博物馆里的巴利亚多利德DIBUJA。圣安布罗西奥厅画廊。2017 年6 月13 日至7 月17

巴利亚多利德DIBUJA 集团聚集了插图画家,画家,水彩画家,建筑师和绘画业余爱好

者,他们实践了所有人共同创作的奇妙表达形式,并且最近正在恢复它本应得的突出地位。

从2010 年2 月起,巴利亚多利德DIBUJA 参加了每年举办四次的名为Sketchcrawl 的国

际邀请并且同时在世界各地巡展。参与者在室内或室外“原位”绘制,直接在他们的速写

本中捕捉他们观察到的内容,然后在各种社交媒体上分享结果。

小组成员分散在城镇的街道,咖啡馆,博物馆,车站和墓地以及其他地方,此外还出现

在街头剧院,圣周,巴利亚多利德复古汽车或萨拉曼卡书展(当时由铅笔局)举办的活动中。

出于这个原因,我们在博物馆举办了这个新展览“巴利亚多利德DIBUJA”,为了在2017

年1 月庆祝第54 个Sketchcrawl 的两次会议,因此我们在圣安布罗西奥(喀麦隆王国)展出

了这些作品。

在中小型作品中,我们展览了艺术家在房间里画的草图,有各种工具,如石墨,墨水,

水彩,彩色铅笔等。

在大幅面文件中,我们看到一个提案,该提案后来被发布到以下组中:

用石墨,木炭等制作半张脸的黑白自画像,然后将他的自画像传递给他旁边的伴侣,并

用从房间中观察到的面具中提取的面具或完全想象和颜色完成头部,主要是蜡。

通过展览,您将欣赏到每个艺术家用我们的面具制作的不同观点。

如果您想了解有关团体和展览的更多信息,您还可以输入以下链接:

官方博客:http://valladoliddibuja.blogspot.com.es/

Facebook:https://www.facebook.com/groups/273429146089588/?ref = bookmarks

Desde el 4 de mayo al 4 de junio se podrá visitar en la galería superior de la Sala de San Ambrosio, una nueva exposición temporal. En este caso se trata de una instalación fotográfica, titulada “Tic Tac”, y que está formada por fotografías realizadas por la joven lucense Alii Dark (Alicia Castro Oroza).

La instalación se enmarca dentro de un proyecto, coordinado por MªCarmen Amigorena, cuyo objetivo es que a través del arte y la creación, jóvenes de entre 17 y 18 años, encuentren alguna alternativa de futuro frente a la formación estrictamente académica que les reulta frustrante y ajena. Por ello, no sólo resulta interesante esta instalación por si misma, sino sobre todo por lo que hay detrás: un proceso de empoderamiento, investigación, debate, intercambio y crecimiento personal de los jóvenes.

En esta ocasión Alicia Castro nos presenta una propuesta relacionada con la reivindicación-denuncia de las dificultades a las que las mujeres se enfrentan cotidianamente. En concreto, la doble jornada de trabajo que sufren muchas: en el ámbito laboral y el doméstico.

“A menudo la mujer se encuentra en la situación de tener que lidiar con esposos o compañeros no dispuestos a asumir su parte, considerando que dicha labor corresponde a las féminas , lo que provoca desgaste , tensión, estrés y enfermedades psicosomáticas en muchas mujeres. Esto a la larga produce un deterioro de la relación de pareja llegando, no en pocos casos, a la violencia machista cuando la mujer comienza a reclamar justamente la necesidad de su colaboración”.

La exposición consta de 8 fotos a color que aluden a las 8 horas que conforman la jornada laborar remunerada, mostrando  a diversas mujeres desempeñando distintas profesiones en el ámbito social. Estas imágenes se contraponen con otras 8 fotos en blanco y negro que reflejaran a las mujeres anteriores realizando las labores domésticas, actividades que llevan desarrollando tradicionalmente y tan necesarias para la vida humana pero precisamente eso, su invisibilidad, es lo que lo caracteriza. Sin embargo la magnitud y responsabilidad de esta actividad es la que regula la vida cotidiana y permite que el mundo siga funcionando.

Las fotos se disponen  adoptando la forma de la esfera de un reloj, reflejando así que durante años las mujeres han estado en un laberinto sin salida, trabajando todos los días del año, sin horarios. Utilizar la simbología del número 12 (número compuesto) que representa unidad, orden, perfección, extrapolándola a hombres y mujeres, somos una sola especie, la humana, cada uno con nuestra individualidad pero en igualdad de derecho y con la misión de perpetuar y perfeccionar nuestra especie en el tiempo. Ese tiempo que se mide en minutos, horas y que forman nuestro pasado, presente pero también el futuro. Por su parte el numero 7 significa transformación, y esa transformación consiste en educar a las nuevas generaciones en la igualdad, esa es la salida al laberinto. El reloj además de ser un instrumento para medir el tiempo, tiene otras funciones como activar una señal en cierta hora específica, el sonido de esa alarma hoy, es el grito de cada mujer víctima de la violencia de género, representadas en ese marco cerrado con un reloj parado.

“Queremos que esa alarma de nuestro reloj deje de sonar, que despertemos juntos mujeres y hombres, que visualicemos el problema y se asumamos que es tiempo de cambiar y que la educación comience a jugar un papel más importante ya que es la herramienta de cambio en la medida que nos muestra otro modelo de convivencia basado en la equidad y la cooperación. De lo que hagamos hoy dependerá nuestro tiempo futuro”.

Recordad que la entrada es gratuita y que el horario de visita coincide con el del resto de salas.

  • Esta actividad se integra dentro del proyecto “Museos+Sociales”.

Tic-Tac. Even a clock can tell the time. 4 May to 4 June 2017. Gallery of the San Ambrosio’s Hall

From 4 May to 4 June, a new temporary exhibition can be visited in the upper gallery of the Sala de San Ambrosio. In this case, it is a photographic installation, entitled “Tic Tac”, which is made up of photographs taken by the young Lugo native Alii Dark (Alicia Castro Oroza).

The installation is part of a project, coordinated by Mª Carmen Amigorena, whose aim is that, through art and creation, young people between 17 and 18 years of age, find some future alternative to the strictly academic training that is frustrating and alien to them. Therefore, not only is this installation interesting in itself but above all for what lies behind it: a process of empowerment, research, debate, exchange and personal growth of young people.

On this occasion, Alicia Castro presents us with a proposal related to the vindication-denunciation of the difficulties that women face on a daily basis. In particular, the double working day that many women suffer: at work and at home.

“Women often find themselves in the situation of having to deal with husbands or partners unwilling to assume their share, considering that such work corresponds to women, which causes wear and tear, tension, stress and psychosomatic illnesses in many women. In the long run, this leads to a deterioration of the couple’s relationship, and in many cases to male violence when women begin to demand the need for their collaboration”.

The exhibition consists of 8 color photos that allude to the 8 hours that make up the paid workday, showing various women working in different professions in the social field. These images are contrasted with 8 other black and white photos that reflect the previous women doing the housework, activities that they have traditionally carried out and so necessary for human life, but it is precisely this, their invisibility, that characterizes them. However, the magnitude and responsibility of this activity is what regulates daily life and allows the world to continue to function.

The photos are arranged in the shape of a clock face, reflecting the fact that for years the women have been in a maze with no way out, working every day of the year, without schedules. To use the symbolism of the number 12 (composite number) that represents unity, order, perfection, extrapolating it to men and women, we are one species, the human species, each one with our individuality but in equality of right and with the mission of perpetuating and perfecting our species in time. That time that is measured in minutes, hours and that form our past, present but also the future. For its part, the number 7 means transformation, and that transformation consists of educating the new generations in equality, that is the way out of the labyrinth. In addition to being an instrument to measure time, the clock has other functions such as activating a signal at a specific time, the sound of that alarm today is the cry of every woman victim of gender violence, represented in that closed frame with a stopped clock.

“We want that alarm in our clock to stop ringing, that we wake up together women and men, that we visualize the problem and assume that it is time to change and that education begins to play a more important role since it is the tool for change insofar as it shows us another model of coexistence based on equity and cooperation. What we do today will determine our future time.

Remember that admission is free and that the visiting hours coincide with those of the other rooms.

This activity is part of the “Museums+Social” project.

 


Tic-Ta 即使是时钟也可以设定时间。2017 年5 月4 日至6 月4 日.圣安布罗西奥厅画廊

从5 月4 日到6 月4 日,可以在圣安布罗西奥厅的上层画廊参观一个新的临时展览。在

这种情况下,它是一个名为“Tic Tac”的摄影装置,由年轻的Lugo Alii Dark(Alicia Castro Oroza)

拍摄的照片组成。

该装置是由MªCarmenAmigorena 实践项目的一部分,其目的是通过艺术创造,在年龄

17 至18 岁之间的年轻人,找到一些未来替代严格的学术培训的方法,但同时不会令他们感

到沮丧和陌生。。因此,这个装置不仅本身很有趣,而且最重要的是它背后的深刻含义:

一个赋予权力,研究,辩论,交流和年轻人个人成长的过程。

在这个场合,艾丽西亚·卡斯特罗向我们提出了一项有关辩护的建议- 谴责妇女每天

面临的困难。尤其是许多女性遭受的双重工作日:工作和家庭。

考虑到这些工作与女性相关,女性经常发现自己处于不愿与丈夫或伴侣相处的情况下,

这会导致对许多女性的造成伤害,使她们感到紧张,压力和从而导致身心疾病。从长远来看,

这会导致夫妇关系恶化,并且在很多情况下会导致男性暴力行为,而女性开始要求他们的合

作“。

展览展览了8 张彩色照片,暗示了构成付费工作日的8 小时,展示了在社会领域不同职

业中工作的各种女性。这些图像与其他8 张黑白照片形成鲜明对比,这些照片反映了以前的

女性做家务,传统上进行的活动以及人类生活所必需的活动,但正是这一点,他们的隐形性

才是他们的特征。然而,这项活动的大规模和责任是为了规范日常生活分工并在世界继续发

挥宣传作用的。

这些照片按照钟面的形状排列,反映了这样一个事实:多年来,女性一直处于迷宫中,

没有任何出路,一年四季都在工作,没有时间表。使用代表统一,有序,完美,将其外推到

男人和女人的数字12(复合数字)的象征意义,我们都是同一个物种–人类物种,每个物种

都具有我们的个性,同时享有权利平等和并且有相同的使命即及时延续发展我们的物种。那

个时间以分钟,小时为单位测量,形成了我们过去,现在和未来。就其本身而言,数字7

意味着转型,这种转变包括平等地教育新一代,即走出迷宫的道路。除了作为测量时间的工

具之外,时钟还具有其他功能,例如在特定时间发出警报声,今天这种警报的声音是每个女

性性暴力受害者的呼声,表示在已封闭的框架中时间静止。

“我们希望在我们的时钟中停止响铃,我们一起唤醒女性和男性,我们将问题可视化并假

设时候改变,教育开始发挥更重要的作用,因为它是工具改变,因为它向我们展示了基于

公平和合作的另一种共存模式。我们今天所做的将决定我们未来的时间。

请记住,入场是免费的,访问时间与其他房间的访问时间一致。

该活动是“博物馆+社交”项目的一部分。

De nuevo nuestras reproducciones viajan por nuestra provincia. Esta vez se dirigen al espectacular Monasterio de Santa María de Palazuelos (Cabezón de Pisuerga), uno de los principales monumentos cistercienses del siglo XII.

Pero las piezas no van solas, a nuestras habituales reproducciones hemos añadido dos obras nuevas:

  • “Recipiente funerario Qua”. Nigeria. Región de Calabar. Siglo X-XII.
  • “Arquero Han” de dicha dinastía china. 206 a.C.226 d.C.

De esta manera la familia crece. Ambas obras han sido realizadas por el ceramista vallisoletano Carlos Jimeno Velasco, el cual posee su taller en esta localidad.

Lo que se pretende con esta exposición es unir diferentes culturas de diferentes lugares del mundo pero que tienen un punto en común, la utilización de la terracota y la cerámica a lo largo de la Historia. De esta manera aparecerán reproducciones de culturas autóctonas como los vacceos, representaciones del continente africano y por último del asiático. Todo ello en un contenedor único, el propio monasterio cisterciense del siglo XII, una auténtica joya del Románico.

En el acto por el momento estarán presentes Amelia Aguado Álvarez como directora de la Fundación, Justino Díaz como director del Monasterio de Santa María de Palazuelos, Carlos Jimeno como artista creador de las reproducciones ademá de comisario y Cristina Bayo como comisaría. Estamos a la espera de saber si va a venir alguna institución mas como el gerente de la Ruta del Vino de Cigales o de la Diputación de Valladolid.


Allowed to touch, forced to feel. African art by the Jiménez-Arellano Foundation and ceramics by Carlos Jimeno in the Monastery of Santa Mª de Palazuelos. From 28 April to 24 May 2017

Once again our reproductions travel around our province. This time they go to the spectacular Monastery of Santa María de Palazuelos (Cabezón de Pisuerga), one of the main Cistercian monuments of the 12th century.

But the pieces do not go alone, to our usual reproductions we have added two new works:

“Qua Funeral Vessel.” Nigeria. Region of Calabar. X-XII Century.

“Han Archer” from that Chinese dynasty. 206 B.C.226 A.D.

In this way, the family grows. Both works have been made by the Valladolid ceramist Carlos Jimeno Velasco, who owns his workshop in this town.

The aim of this exhibition is to bring together different cultures from different parts of the world that have one thing in common: the use of terracotta and ceramics throughout history. In this way, reproductions of autochthonous cultures such as the Vacceos, representations of the African continent and finally of the Asian continent, will appear. All this in a single container, the 12th century Cistercian monastery itself, a true Romanesque jewel.

Amelia Aguado Álvarez as director of the Foundation, Justino Díaz as director of the Monastery of Santa María de Palazuelos, Carlos Jimeno as the artist who created the reproductions and Cristina Bayo as curator will be present at the event. We are waiting to know if any more institutions like the manager of the Cigales Wine Route or the Valladolid Provincial Council are coming.

 


允许触摸,被迫感受。阿雷拉诺·阿隆索基金会的非洲艺术和Carlos Jimeno 在SantaMª

dePalazuelos 修道院的陶瓷。2017 年4 月28 日至5 月24 日

 

我们的复制品再次在我省周围巡展。这次他们去了壮观的SantaMaríadePalazuelos 修道

院(CabezóndePisuerga),这是12 世纪Cistercian 的主要古迹之一。

但并不是只展览这一件作品的,对于我们通常展览的复制品,我们增加了两件新作品:

“Qua Funeral Vessel。”尼日利亚。卡拉巴尔地区。X-XII 世纪。

来自中国王朝的“汉族弓箭手”。206 B.C.226 A.D.

这两件作品都是由巴利亚多利德陶艺家Carlos Jimeno Velasco 制作的,他在这个城镇拥

有他自己的工作室。

本次展览的目的是汇集来自世界不同地区的不同文化,这些文化有一个共同点:都是使

用陶土和陶瓷制作艺术品。通过这种方式,将出现土著文化的复制品,如Vacceos,非洲大

陆的代表以及最后的亚洲大陆。所有这一切汇集在一个容器中,同时12 世纪的西多会修道

院本身,就是一个真正的罗马式宝石。

Amelia Aguado Álvarez 担任基金会主任,Justino Díaz 担任Santa María de Palazuelos 修道

院主任,Carlos Jimeno 担任创作复制品的艺术家,Cristina Bayo 担任策展人将出席此次活动。

我们正在等待知道是否有更多的机构,如Cigales 葡萄酒之路的经理或巴利亚多利德省议会。

La asociación universitaria Gam Tepeyac, el Museo de Arte Africano Arellano Alonso. Uva y el Vicerrectorado de Estudiantes y Extensión Universitaria de la misma presentan la exposición “Gam Tepeyac. 15 años en Mozambique”, en la Galería de San Ambrosio del Palacio de Santa Cruz.

Esta muestra celebra los mas de quince años de esta asociación dentro del ámbito de la Universidad de Valladolid, en la que se muestran a través de diversos paneles las obras sociales realizadas en Mozambique y una muestra de “capulanas” o telas utilizadas en la vida diaria del pueblo mozambiqueño donde el color y el simbolismo e historia que se unen en una sola tela.

Algunos ejemplos de sus actuaciones en el país africano son el apoyo alimenticio realizado en el Orfanato de San Roque en Matutuine (Maputo), el apoyo de personal sanitario del Hospital Central de Maputo, el apoyo a ancianos en el complejo de las Hermanitas de los Ancianos Desamparados, o finalmente la construcción o reconstrucción de edificios con fines sociales como el Centro Padre Usera de Mocuba. A todas estas actividades se unen la aportación de educación de adultos y niños.

Una exposición llena de solidaridad y colorido que no os podéis perder.


Gam Tepeyac. 15 years in Mozambique. Gallery of Art, Sala de San Ambrosio. From 15 February to 15 March 2017

The university association Gam Tepeyac, the Museum of African Art Arellano Alonso. Uva and the Vice-rectorate of Students and University Extension present the exhibition “Gam Tepeyac. 15 years in Mozambique”, at the Gallery of San Ambrosio in the Palace of Santa Cruz.

This exhibition celebrates more than fifteen years of this association within the scope of the University of Valladolid, in which the social works carried out in Mozambique and an exhibition of “capulanas” or canvases used in the daily life of the Mozambican people are shown through various panels where color and symbolism and history are united in a single canvas.

Some examples of their actions in the African country are the food support provided at the San Roque Orphanage in Matutuine (Maputo), the support of health personnel at the Maputo Central Hospital, the support for the elderly in the complex of the Little Sisters of the Homeless Elderly, or finally the construction or reconstruction of buildings for social purposes such as the Father Useera Centre in Mocuba. In addition to all these activities, there is the contribution of adult and children’s education.

An exhibition full of solidarity and color that you can’t miss.

 


Gam Tepeyac— 在莫桑比克的15 年。圣安布罗西奥画廊厅。2017 年2 月15 日至3 月15

大学协会Gam Tepeyac,非洲艺术博物馆阿雷拉诺·阿隆索,和巴亚多利德大学副校长

出席了主题为在莫桑比克15 年的“Gam Tepeyac 展览,展览地址“在圣克鲁斯宫的圣安布

罗西奥画廊。

本次展览在巴利亚多利德大学范围内庆祝该协会超过十五年,其中展览了莫桑比克开展

的社会工作以及莫桑比克人民日常生活中使用的“capulanas”也就是油布展览,即在一个画

布中将颜色,象征和历史结合在一起的面板。

他们在非洲国家采取行动的一些资源是Matutuine(马普托)圣罗克孤儿院提供的食品

支持,以及马普托中心医院卫生人员的医疗支持,以及小姐妹养老院中老年人的支持。为了

帮助无家可归的老人为社会目的建造或重建建筑物,例如Mocuba 的Father Useera 中心。除

了所有这些活动外,还有成人和儿童教育领域也有贡献。

一个充满团结和色彩的展览,你不能错过。

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Después de meses de ilusionado esfuerzo, ya están en España los originales de “Don Quijote en el río Níger”, una exposición que recoge cerca de 70 obras de ilustradores del Sahel y que se expone por primera vez en nuestro país. Se trata de una iniciativa cultural de las embajadas de España en Guinea, Malí y Níger, desarrollada dentro del Programa ACERCA de capacitación para el desarrollo en el sector cultural de la AECID y con la colaboración de la Fundación Internacional y para Iberoamérica de Admistración y Políticas Públicas (FIIAPP). El público español puede ahora abordar la figura del hidalgo más universal a través de una mirada africana.

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La conmemoración del IV Centenario de la muerte de Miguel de Cervantes ha sido un hito fundamental de la acción cultural de España en el exterior durante el año 2016. Desde las embajadas de Guinea, Malí y Níger (tres países unidos por el río Níger), han participado de los actos ligados a esta efemérides con una singular inicitava  que, a partir de una metodología pluridisciplinar adaptada al entorno de África occidental y del Sahel, sirviese para apoyar las capacidades del sector cultural local al tiempo que se daba a conocer en esas latitudes la figura universal de don Quijote de la Mancha.

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Los formadores españoles Ángel Domingo (Pencil Ilustradores) y Aitor Sarabia (ilustrador) han impartido talleres en las tres capitales de los citados países, permitiendo a artistas africanos interpretar al hidalgo más célebre de la Historia a la luz de la iconografía local. Los creadores se han formado en una manera distinta de hacer ilustración, contando sus propias historias a través de las enseñanzas del Quijote, africanizando, a partir de su aprendizaje la obra cervantina, al ilustre caballero. Pero estos artistas (muchos profesionales, otros en formación, algunos aficionados), han podido percibir el compromiso de la acción cultural española en el exterior, ampliando así su curriculo y facilitando su proyección profesional.

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El corolario de dichos talleres son las obras reproducidas en un catálogo junto a exposiciones de las ilustraciones en las tres capitales africanas, aís como una exposición intinerante en España cuya primera parada es el Museo de Arte Africano Arellano Alonso de la Universidad de Valladolid.

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La exposición, comisariada por Ángel Domingo (Pencil Ilustradores), se ubica en la galería superior de la Sala de San Ambrosio (entreplanta del palacio de Santa Cruz). Podrá ser visitada desde el 17 de enero hasta el 12 de febrero de 2017.


Don Quixote on the Niger River. Gallery of Art, Sala de San Ambrosio. From 17 January to 12 February 2017

After months of enthusiastic effort, the originals of “Don Quixote on the River Niger” are already in Spain, an exhibition that brings together nearly 70 works by illustrators from the Sahel and which is being exhibited for the first time in our country. This is a cultural initiative of the Spanish embassies in Guinea, Mali and Niger, developed within the ACERCA Program for training for development in the cultural sector of the AECID and with the collaboration of the International and Latin American Foundation for Administration and Public Policy (ILAFAPP). The Spanish public can now approach the figure of the most universal nobleman through an African perspective.

The commemoration of the IV Centenary of the death of Miguel de Cervantes was a fundamental milestone in Spain’s cultural action abroad during 2016. The embassies of Guinea, Mali and Niger (three countries united by the Niger River) have participated in the events linked to this event with a unique initiative that, based on a multidisciplinary methodology adapted to the environment of West Africa and the Sahel, served to support the capacities of the local cultural sector while at the same time making the universal figure of Don Quixote de la Mancha known in those latitudes.

The Spanish trainers Ángel Domingo (Pencil Illustrators) and Aitor Sarabia (illustrator) have given workshops in the three capitals of these countries, allowing African artists to interpret the most famous nobleman in history in the light of local iconography. The creators have been trained in a different way of doing illustration, telling their own stories through the teachings of Don Quixote, Africanizing, from their apprenticeship, the work of Cervantes, the illustrious gentleman. But these artists (many professionals, others in training, some amateurs), have been able to perceive the commitment of Spanish cultural action abroad, thus expanding their curriculum and facilitating their professional projection.

The corollary of these workshops are the works reproduced in a catalog together with exhibitions of the illustrations in the three African capitals, country as a traveling exhibition in Spain whose first stop is the Museum of African Art Arellano Alonso of the University of Valladolid.

The exhibition, curated by Ángel Domingo (Pencil Illustrators), is located in the upper gallery of San Ambrosio’s hall (mezzanine floor of the Santa Cruz Palace). It may be visited from 17 January to 12 February 2017.


尼日尔河上的唐吉诃德。圣安布罗西奥画廊室。2017 年1 月17 日至2 月12 日

 

经过几个月的不断努力,“尼日尔河上的堂吉诃德”的原作已经在西班牙举办展览,这

个展览汇集了来自萨赫勒的插图画家近70 件作品,并在我国首次展出。这是西班牙驻几内

亚,马里和尼日尔大使馆的一项文化倡议,在ACERCA 计划中制定,用于AECID 文化部门的

发展培训,并与国际和拉丁美洲行政和公共政策基金会合作(ILAFAPP) )。西班牙公众现

在可以通过非洲的角度来看待最普遍的贵族形象。

纪念米格尔·德塞万提斯逝世四百周年是西班牙2016 年海外文化行动的一个重要里程

碑。几内亚,马里和尼日尔(尼日尔河联合的三个国家)的大使馆参加了与此有关的活动。

具有独特倡议的活动,基于适应西非和萨赫勒环境的多学科方法,有助于支持当地文化部门

的工作实施,同时使唐吉诃德德拉曼查的全球形象在那些地方得到传扬。

西班牙培训师ÁngelDomingo(铅笔插画家)和Aitor Sarabia(插画家)在这些国家的三

个首都举办了研讨会,让非洲艺术家根据当地的肖像画解读历史上最着名的贵族。创作者

以不同的方式进行插图训练,通过堂吉诃德的教诲讲述自己的故事,从他们的学徒时期,非

洲化,杰出的绅士塞万提斯的作品。但是这些艺术家(许多专业人士,其他人在训练,一

些业余爱好者)已经能够认识到西班牙在国外的文化行动的承诺,从而扩大他们的课程和促

进他们的专业投射。

这些研讨会的必然结果是在目录中复制的作品以及三个非洲首都的插图展览,这个国家

作为西班牙的巡回展览,其第一站是巴利亚多利德大学的阿雷拉诺·阿隆索非洲艺术博物馆。

该展览由ÁngelDomingo(铅笔插画家)策划,位于San Ambrosio 大厅的上层画廊(Santa

Cruz Palace 的夹层楼)。

El colectivo Villa Riberole es un proyecto académico y se crea con el objetivo de comunicar valores cívicos a través del arte; despertar el interés y la curiosidad por la cultura desde la infancia, transmitir el respeto por la naturaleza y hacer una labor solidaria con los objetos que fuesen creados bajo estas premisas.

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Así nace Adopta un robot, los niños ayudan a los niños. En esta ocasión serán niños de entre 4 y 7 años que han trabajado con materiales reciclados; madera de palés rotos y madera de deriva, recuperada en las orillas de los ríos.

A ellas se les han propuesto cuatro temas: Adopta un robot, figuras fabricadas con tacos de madera de palés; juguemos al ajedrez, las piezas han sido fabricadas con madera de deriva; la libertad guiando al pueblo, se ha realizado una adaptación del cuadro de Delacroix con figuras de madera y, por último, el mundo marino; peces, animales fantásticos y corales hechos con trozos de árboles secos.

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En esta exposición se presenta al público el resultado de este trabajo. Los mas pequeños son los protagonistas de la sala, sus figuras elaboradas como juguetes, con el valor y el desparpajo de la infancia nos sirven para establecer un diálogo con las piezas que se encuentran en la sala y para jugar al teatro de la vida.

El relato será elaborado por cada visitante de la exposición engarzándolo con la tradición de la transmisión oral africana tan presente en la sala.

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Por último, nos gustaría hacer a estos niños no solo los protagonistas del museo, sino también los protagonistas de una labor solidaria encomiable; todas las figuras expuestas serán vendidas a 20 euros, un precio simbólico para su valor real. Todo el dinero recaudado será donado a Aldeas Infantiles. Con esto habremos conseguido que, adoptando un robot los niños ayuden a los niños.

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Adopt a robot. San Ambrosio Hall. From 12 January to 9 February 2017

The Villa Riberole collective is an academic project and was created with the aim of communicating civic values through art, awakening interest and curiosity for culture from childhood, transmitting respect for nature and working in solidarity with objects that were created under these premises.

That’s how Adopt a robot is born, children help children. This time it will be children between the ages of 4 and 7 who have worked with recycled materials; wood from broken pallets and driftwood, recovered from river banks.

Four themes have been proposed to them: Adopt a robot, figures made with wooden blocks from pallets; let’s play chess, the pieces have been made with driftwood; freedom guiding the people; an adaptation of Delacroix’s painting has been made with wooden figures and, finally, the marine world; fish, fantastic animals and corals made with pieces of dry trees.

In this exhibition, the result of this work is presented to the public. The little ones are the protagonists of the room, their figures elaborated as toys, with the courage and the boldness of childhood serve us to establish a dialogue with the pieces that are in the room and to play in the theater of life.

The story will be elaborated by each visitor to the exhibition and will be linked to the tradition of African oral transmission so present in the room.

Finally, we would like to make these children not only the protagonists of the museum but also the protagonists of a commendable work of solidarity; all the figures exhibited will be sold for 20 euros, a symbolic price for their real value. All the money raised will be donated to Children’s Villages. With this, we will have managed to get the children to help the children by adopting a robot.

 


机器人的采用圣安布罗西奥的大厅。2017 年1 月12 日至2 月9 日

Villa Riberole 的集合是一个学术项目,其目的是通过艺术来传播公民价值观,唤醒童年

对文化的兴趣和好奇心,传递对自然的尊重,并与在这些场所下创造的物品紧密结合。

这就是采用机器人诞生的方式,孩子们帮助孩子。这次是4 到7 岁的孩子,他们使用

再生材料; 从破损的托盘和浮木中取出的木材,从河岸中回收物料。

他们提出了四个主题:机器人的采用,用托盘上的木块制成的图形; 让我们下棋,这些

作品都是用浮木做成的; 自由引导人民; 德拉克洛瓦的绘画改编自木制人物,最后是海洋世

界; 用干枯的树木制成的鱼,奇妙的动物和珊瑚。

在这次展览中,这项工作的结果向公众展示。小家伙是房间的主角,他们的形象被阐

述为玩具,童年的勇气使的我们与房间里的作品建立沟通,并在生活中得到实践。

每个参观者都将详细阐述这个故事,并将与房间里出现的非洲口头传播的传统联系起

来。

最后,我们想让这些孩子不仅成为博物馆的主角,而且还是一个值得赞扬的团结工作的

主角; 展出的所有作品将以20 欧元的价格出售,这是其实是象征性价格。筹集的所有款项

将捐赠给儿童村。有了这个,我们将设法让孩子们通过采用机器人帮助孩子们。

Toda doctrina religiosa se sirve de ciertas frases “emblema” que activan el mecanismo de la fe. Que Dios te bendiga o Todas las cosas son posibles con Dios son ejemplos de mensajes directos al pensamiento del fiel. Sigmund Freud se refiere en su escrito Zur Psychopathologie des Alltagslebens al núcleo de la motivación religiosa como un elemento unido al complejo paterno y por tanto, a la protección. Podríamos decir que la necesidad religiosa tiene su cima en el desamparo.

En el África subsahariana la nueva conquista espiritual llevada a cabo en este siglo XXI, ha provocado que el veintidós por ciento de los cristianos se sitúe en este territorio. Dios es aquí la gran esperanza. La extensa cantera de fieles trabajan para Dios igual que sus antepasados trabajaron para el hombre blanco. Es el gran recurso del desgastado Occidente.

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En mi viaje por las las regiones altas de Kenya, encontré una sociedad cristiana conservadora donde la mujer tiene un papel reducido en la comunidad, aunque vital en la familia, ya que ella es la que saca adelante con su trabajo a todos los miembros. Normales son los malos tratos y las vejaciones, habituales los abusos sexuales en un lugar donde el virus del VIH afecta al sesenta por ciento de la población.

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La religión católica promueve aquí el matrimonio como vía de escape al sida, sin embargo, la fidelidad del matrimonio rara vez es respetada por el hombre.

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El movimiento feminista africano no consigue tener un peso en la política ya que, a pesar de ser más conservador que el feminismo blanco o el afroamericano, el STIWANISM (Social Transformation Including Women in África) pretende incluir a la mujer en la sociedad con un papel importante, no solo como madre sino como elemento activo de la colectividad.

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A pesar de ello, en lugares como Kabarnet (Kenya) se están conformando comunidades femeninas que tímidamente luchan por sus derechos ayudándose entre sí, creando micro economías sostenibles capaces de alimentar a muchas bocas hambrientas sin necesidad de tener que depender de un solo hombre. Este proyecto recoge los rostros de algunas de ellas.

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上帝保佑你.Ana Frechilla。我们博物馆的展览室。从2016 年12 月15 日到2017 年1 月15

每一种宗教教义都使用某些代表信仰的“象征”短语。愿上帝保佑你,或者上帝所有

可能的事物都是直接传达信徒思想的例子。西格蒙德·弗洛伊德在他的著作“祖先的精神

病理学”中提到了宗教动机的核心,这是与父系情结相关的一个因素,因此也就是保护。我

们可以说宗教的必然性在无助中达到顶峰。

在撒哈拉以南非洲地区,在21 世纪受到信仰的精神洗礼已使22%的基督徒位于这片领

土内。上帝在这里是伟大的希望的象征。正如他们的祖先为白人工作一样,为上帝忠诚工

作的巨大采石场。这是破旧西部的重要资源。

在我的肯尼亚高地的旅行中,我发现了一个保守的基督教社会,妇女在社区中扮演的角

色很小,虽然在家庭中起着至关重要的作用,因为她是一个将她的所有成员都带到她的工作

中的人。虐待和虐待是正常的,性虐待在这个被艾滋病病毒影响百分之六十的人口的地方

很常见。

天主教在这里促进婚姻作为艾滋病的逃避途径,然而,婚姻的忠诚却很少被人尊重。

非洲女权运动未能在政治上占有一席之地,因为尽管比白人或非裔美国女权主义更加保

守,但STIWANISM(包括非洲妇女在内的社会转型)旨在将妇女纳入社会的角色重要的是,

不仅作为母亲,而且作为社区的积极因素。

尽管如此,在像Kabarnet(肯尼亚)这样的社区,妇女社区正在形成,通过相互帮助,

创造可持续的微观经济,能够喂养许多饥饿的嘴巴,而不必依赖一个人,从而胆怯地争取自

己的权利。该项目收集其中一些人的面孔。

El Museo de Arte Africano Arellano-Alonso de la Universidad de Valladolid, posee entre sus fondos africanos, importantes textiles pertenecientes a la cultura Kuba. Dicha cultura, situada en las orillas del río Kasai, goza de gran prestigio debido a sus trabajos en rafia aplicados a faldas de baile, mandiles, esteras…realizados con telares, donde utilizan una amplia gama de técnicas textiles que incluyen el bordado, decoración con apliques, el corte cut-pile y es resiste-dying, técnicas que se han utilizado durante siglos, formando así parte de su artesanía tradicional.

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Es interesante destacar que los hombres Kuba tejen el material mientras que las mujeres bordan y añaden apliques.

Los principales usos de las telas de rafia, además de ser utilizados como vestiduras fueron monedas de cambio, por su carácter ligero, rico y portátil, por lo que ha sido un bien muy preciado tanto por los propios africanos como por el hombre occidental.

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Los hombres tejen la rafia en un telar elevado de una sola fila de lizos, en un ángulo de 45 grados, por lo que debe sentarse a la sombra para colocarlo encima y trabajar con él. Debido a la longitud limitada de las fibras de rafia la dimensión máxima suele ser de un metro cuadrado.

Como se puede observar, las formas geométricas son las predominantes en la decoración. De hecho cada una de esas formas se suelen coser uniendo unas con otras para finalizar la pieza.

Como la figura antropomorfa que observamos, podemos especificar que la falda de las mujeres del Bushoong (la aristocracia de los Kuba) se bordan en rafia teñida de negro formando diseños complejos. Estros trajes eran producidos y utilizados para ceremonias rituales de corte, uno de los mas suntuosos de toda África.

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Respecto a las telas rituales se utiliza la técnicas del patchwork, donde se incluyen cuadrados o rectángulos que se realizan también en otras partes del mundo. Los dobladillos no están cosidos hacia dentro sino hacia la superficie de la tela, proporcionándole una profundidad adicional.

En el pasado, la nobleza europea mostraba las telas en los gabinetes de curiosidades como uno de los principales ejemplos del arte africano. Pero vayamos más allá, pues estos estupendos diseños han servido como fuente de inspiración para artistas como Klee, Picasso y Braque. Matisse, gran admirador de estas piezas, las conservaba incluso en su estudio.

Texto: Cristina Bayo, Daniel Renedo y Maribel Monedero

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Kuba Textiles. Views on Africa. Rectors’ Hall. July to December 2016

The Museum of African Art Arellano-Alonso of the University of Valladolid, has among its African collections, important textiles belonging to the Kuba culture. This culture, located on the banks of the river Kasai, enjoys great prestige due to its work in raffia applied to dance skirts, aprons, mats… made with looms, where they use a wide range of textile techniques including embroidery, decoration with appliques, cut-pile and is resistant-dying, techniques that have been used for centuries, thus forming part of their traditional crafts.

It is interesting to note that the Kuba men weave the material while the women embroider and add appliques.

The main uses of raffia fabrics, in addition to being used as clothing, were change coins, for their light, rich and portable character, which has been a very valuable asset for both Africans and Westerners.

The men weave the raffia on a single-row overhead loom at a 45-degree angle, so they must sit in the shade to place it on top and work with it. Due to the limited length of the raffia fibers, the maximum dimension is usually one square meter.

As can be seen, the geometric shapes are the predominant ones in the decoration. In fact, each of these shapes is usually sewn together to finish the piece.

Like the anthropomorphic figure we observe, we can specify that the skirts of the Bushoong women (the aristocracy of the Kuba) are embroidered in black-dyed raffia forming complex designs. These costumes were produced and used for ritual court ceremonies, one of the most sumptuous in Africa.

With regard to ritual fabrics, the patchwork technique is used, which includes squares or rectangles that are also made in other parts of the world. The hems are not sewn inwards but towards the surface of the fabric, giving it additional depth.

In the past, European nobility used to show fabrics in curio cabinets as one of the main examples of African art. But let’s go further, as these great designs have served as a source of inspiration for artists such as Klee, Picasso, and Braque. Matisse, a great admirer of these pieces, kept them even in his studio.

Written by Cristina Bayo, Daniel Renedo, and Maribel Monedero

 


库巴纺织品.纵观非洲.主展厅.2016 年7 月至12 月

巴利亚多利德大学的阿雷拉诺·阿隆索非洲艺术博物馆在其非洲藏品中拥有属于库巴文

化的重要纺织品。这种文化位于Kasai 河畔,因其用拉菲草制作舞蹈裙,围裙,垫子的工

艺而享有很高的声望……它们都是用织布机制成,在那里他们使用各种纺织技术,包括刺绣,

装饰和贴花, 割桩等,这种技术已经使用了几个世纪,因此成为传统工艺的一部分。

有趣的是,库巴男人编织材料,而女人绣花和添加贴花。

除了用于制作衣服之外,酒椰纤维织物的主要用途是制作硬币,因为它具有轻盈,丰富

和便携的特点,这对非洲人和西方人来说都是非常宝贵的资产。

男人们以45 度的角度在单排架空织机上编织酒椰,因此他们必须坐在阴凉处将它放在

上方然后制作它。由于酒椰纤维的长度有限,最大尺寸面积通常为一平方米。

可以看出,几何形状是装饰中的主要形状。实际上,这些形状都是通过单个拼凑缝合

在一起以完成该部件。

就像我们观察到的拟人形象一样,我们可以指出,Bushoong 女性(库巴的贵族)的裙

子是用黑色的酒椰绣制而成,形成复杂的设计。这些服装被制作并用于仪式法庭仪式,这

是非洲最奢华的仪式之一。

关于仪式织物,通常是使用拼凑技术,其也包括在世界其他地方制造的正方形或矩形。

褶边不是向内缝制而是朝向织物表面,使其具有明显的深度褶痕。

在过去,欧洲贵族曾经将古董柜中的面料展示是非洲艺术中的主要例子之一。但是,

让我们回顾历史,这些伟大的设计已经成为Klee,Picasso 和Braque 等艺术家的灵感源泉,

并且在他们的艺术作品中能看见这些艺术元素的缩影。马蒂斯也是这些作品的崇拜者,甚

至能在他的工作室里发现这些艺术元素。

由Cristina Bayo,Daniel Renedo 和Maribel Monedero 撰写

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30 fotografías, 2 audiovisuales. Arte creado por personas con discapacidad visual, fotógrafos con alma, que han aprendido gracias a la Red Museística de Lugo, que todos tenemos acceso a la creación artística. Y ese proceso es el que nos acerca a esta muestra que podréis disfrutar a través de un recorrido fascinante por el aprendizaje y la pasión puesta por cada uno de los alumnos.

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Un exposición que hará recapacitar al visitante sobre los límites humanos, la ilusión y la convivencia igualitaria.

Desde el 28 de septiembre al 28 de octubre en la Galería San Ambrosio del Palacio de Santa Cruz.


Fotografía a cegas. Lugo’s Museum Network. San Ambrosio Gallery. From 28 September to 28 October 2016

30 photographs, 2 audiovisuals. Art created by people with visual disabilities, photographers with soul, who have learned thanks to the Museum Network of Lugo, that we all have access to artistic creation. And it is this process that brings us closer to this exhibition that you will be able to enjoy through a fascinating journey through the learning and the passion put into it by each of the students.

An exhibition that will make the visitor think about human limits, illusion and egalitarian coexistence.

From 28th September to 28th October in San Ambrosio’s Gallery of the Santa Cruz Palace.

 


盲人摄影.卢戈博物馆网.圣安布罗西奥画廊.从2016 年9 月28 日至10 月28 日

30 张照片,2 张视频。是由视觉残疾人士,且有灵魂的摄影师创作的艺术,感谢卢戈

博物馆网,让我们都可以获得艺术创作享受。正是这个过程使我们更接近这个展览,通过

每个学生的学习和激情,您将能够得到一段迷人的旅程享受。

一个能让游客思考人类的极限,幻想和平等的共存的展览。

从9 月28 日至10 月28 日,在圣安布罗西奥的圣克鲁斯宫画廊。

El Museo de Arte Africano Arellano Alonso. UVa ofrece en colaboración con el Ayuntamiento de Traspinedo (Valladolid) la muestra “Reproducciones del Museo de Arte Africano Arellano Alonso”, donde además de mostrar a las obras de ediciones pasadas conformadas por la “Jarra ritual Mangbetu”, “Cabeza Ifé”, “Cabeza de Benín” y “Cabeza Katsina”, se amplia la colección con la figura “Novia Han” realizada por Carlos Jimeno Velasco y que muestra la amplia gama de fondos que posee el museo.

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Si a esto unimos que dicho artista ha añadido algunas de sus mejores obras vacceas, destacando la “Princesita”, el resultado es un amalgama de culturas, desde la africana, pasando por la china y terminando por las vacceas que mostrarán como el ser humano ha utilizado el barro como un medio de expresividad artística desde los tiempos mas remotos.

Al acto de inauguración asistieron los representantes de la Alcaldía de Traspinedo, estando a la cabeza el alcalde de la localidad, D. Jesús Bazán Puertas, así como los concejales y por parte de la entidad museística, la directora Amelia Aguado Álvarez, junto con la comisaria de la exposición, Cristina Bayo Fernández.

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El contacto se produjo para celebrar la Feria anual del Pincho de Lechazo, por lo que podreis visitar la sala de exposiciones y después comer en uno de los importantes restaurantes de la localidad, famosa por su pincho de lechazo, mientras maridáis la carne con los mejores vinos de la zona, en una población bella y llena de encanto.

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Reproductions at the Town Hall of Traspinedo. 23 September-23 October 2016

The Arellano Alonso Museum of African Art. UVa offers in collaboration with the Town Council of Traspinedo (Valladolid) the exhibition “Reproductions of the Arellano Alonso Museum of African Art”, where, in addition to showing the works from past editions of the “Mangbetu ritual jug”, “Ifé Head”, “Head of Benin” and “Katsina Head”, the collection is extended with the figure “Han Bride” by Carlos Jimeno Velasco, which shows the wide range of collections in the museum.

If we add to this the fact that this artist has added some of his best vacceas works, highlighting the “little Princess”, the result is an amalgam of cultures, from the African, to the Chinese and ending with the vacceas that will show how the human being has used clay as a means of artistic expression since the most remote times.

The opening ceremony was attended by representatives of the Mayor’s Office of Traspinedo, led by the Mayor of the town, Mr. Jesús Bazán Puertas, as well as the councillors and the museum’s director, Amelia Aguado Álvarez, together with the curator of the exhibition, Cristina Bayo Fernández.

The contact took place to celebrate the annual Lamb skewer Fair, so you can visit the exhibition hall and then eat in one of the important restaurants in the town, famous for its lamb skewer, while you pair the meat with the best wines in the area, in a beautiful and charming town.

 


特拉斯皮内多市政厅的复制品。2016 年9 月23 日至10 月23 日

阿雷拉诺·阿隆索非洲艺术博物馆。UVa 与特拉斯皮内多市议会(巴利亚多利德)合

作举办了“阿雷拉诺·阿隆索非洲艺术博物馆的复制品”展览,此外还展示了由“Mangbetu

仪式壶”,“Ifé头领”,“Ifé头领”所展示的是过去展示过的作品。“Benín 头领”和“ Katsina

头领”系列则增加了Carlos Jimeno Velasco 制作的“Bride Han”字样,展示了博物馆拥有的

各种收藏。

如果我们补充一点,那就是这位艺术家添加了一些他最好的展览作品,突出了“小公主”,

而达到的效果是一种文化混合,从非洲到中国,最后是展示人类如何拥有的文化作品的历程。

从最偏远的时代开始,用粘土作为艺术表达的手段。

出席开幕式的有市镇市长Jesús Bazán Puertas 先生带领的特拉斯皮内多市长办公室的代

表,以及议员和博物馆馆长Amelia Aguado Álvarez 以及展览策展人,Cristina Bayo Fernández。

这次活动是为了庆祝一年一度的Lechazo Pincho Fair,所以你可以参观展览馆,然后在

镇上一家以羊肉串而闻名的有名餐厅用餐,同时将肉与最好葡萄酒相搭配搭配。值得一提的

是,该地区的葡萄酒,美味而充满魅力。

El jueves 14 de julio se inauguró nuestra nueva exposición temporal: “El arte como expresión en la discapacidad”, en colaboración con el Consejo Local de la Juventud de Valladolid.

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Hasta el próximo 31 de agosto podréis ver las obras que realizaron el 29 de junio un grupo de personas del Centro San Juan de Dios y de Autismo Valladolid. Un ejemplo de la “arteterapia” y de como el arte es un medio también de inclusión social. La mayor parte de las obras realizadas en vivos colores, usan la técnica de esmaltes, así como canicas…os sorprenderá.

Amelia Aguado, directora del museo y Estrella Delgado, presidenta del consejo

La exposición está ubicada en la galería superior de la Sala de San Ambrosio del palacio de Santa Cruz.


Art as an expression in disability. San Ambrosio’s Gallery. 14 July to 31 August 2016

On Thursday 14 July, our new temporary exhibition “Art as an expression of disability” was inaugurated in collaboration with the Local Youth Council of Valladolid.

Until next August 31st you will be able to see the works carried out on June 29th by a group of people from the Centro San Juan de Dios and Autism Valladolid. An example of “art therapy” and how art is also a means of social inclusion. Most of the works made in bright colors, use the technique of enamels, as well as marbles… you will be surprised.

Amelia Aguado, director of the museum and Estrella Delgado, president of the council

The exhibition is located in the upper gallery of the San Ambrosio’s gallery in the Santa Cruz Palace.

 


残疾人的艺术表现展览。圣安布罗西奥画廊。2016 年7 月14 日至8 月31 日

7 月14 日星期四,我们与巴利亚多利德青年地方委员会合作,开设了新的临时展览:

“残疾人的艺术表现的展览”。

直到明年8 月31 日,您才能看到6 月29 日圣胡安迪奥斯中心和巴利亚多利德自闭症的

一群人所作的作品。将“艺术疗法”作为一个例子以及艺术是如何成为社会包容的一种手

段。大多数作品都采用鲜艳的色彩,使用珐琅技术,以及大理石……这会使你感到惊讶。

博物馆馆长Amelia Aguado 和理事会主席Estrella Delgado

该展览位于圣克鲁斯宫殿的圣安布罗西奥的上层画廊。

GEMELOS IBEJI YORUBA

Los Yoruba son cultural y demográficamente la primeria etnia de Nigeria, que compartirán con los Ibo el protagonismo histórico de la región desde al menos el siglo
La pareja de esculturas denominadas ere-beji o ibeji se esculpían como conmemoración del nacimiento o muerte de hermanos gemelos, los cuales poseían un origen sobrenatural.
En la antigüedad, los Yoruba llegaron a sacrificar a gemelos recién nacidos, algo que actualmente no sucede pues son recibidos con gran alegría, realizando fiestas en la que participa toda la comunidad.
Los niños otorgan felicidad, salud y prosperidad a su familia, siendo su crianza mas permisiva que la de otros niños. Pero también pueden provocar desastres o enfermedades, por lo que deben ser tratados con respeto.
Comparten el mismo alma en dividida en dos cuerpos distintos. El primer gemelo que nace (indistintamente a que sea niño o niña) es denominado Taiwo que significa “El que viene a probar la vida”. Al segundo se le nombrará como Kehinde o “quien llega después del otro”. Aunque parezca extraño, Taiwo es el gemelo mas joven, que es enviado por su hermano a ser el primero en ver el mundo y le cuente lo que le espera. La señal de que todo esta bien se establece con su llanto, por lo que Kehinde ya esta preparado para salir.
Por esta razón Taiwo es mas curioso y aventurero, mientras que Kehinde es inteligente y reflexivo.
Al tercer día de nacer los bebés son llevados ante el sacerdote o Babalawo que les realizará un oráculo. Si fuera necesario sacará a los malos espíritus que pueden destruir su vida. Después se dará instrucciones a la madre sobre como tratar a los gemelos a lo largo de su vida.
Si uno de los infantes muere, la vida del otro estará en peligro porque su equilibrio, su alma, se ha roto. De esta manera hay que tallar una pieza de madera como sustituto simbólico del niño. Si mueren dos, se realizarán dos, que irán unidas.
De esta manera se da inmortalidad al difunto y la figura ibeji tendrá que se cuidada por los padres o por el gemelo superviviente, por esta razón tendrá que ser lavado, alimentado, vestido…
Concretamente, estos gemelos ibeji está realizados en madera con una fuerte pátina para finalizar el acabado perfecto, así como la utilización de los pigmentos, cuentas de pasta de vidrio y conchas de caurí. También se les dedica a dios Orisha Ibeji (de ahí el nombre de las obras), Dios de los gemelos.

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GEMELOS TIV

Figuras votivas de madera de pequeño tamaño, algo típico en esta tipología africana.
En este caso podemos observar dos figuras, una femenina y la masculina. La última sigue la tipología “Jano”, es decir, la representación de dos cuerpos en uno solo. Es el sentido de la dualidad, la cual, no puede vivir el uno sin el otro.
Dos almas que están unidas por la materia. La unión universal e inseparable.
La realización, puede haber sido elaborada por los propios propietarios, por ser objeto de culto familiar o por un sacerdote. En cualquier caso han sido tratadas ambas bajo instrucciones rituales para darlas el aliento de la vida.
Protectoras de la familia, reciben ofrendas a cambio de sus favores. Se guardan en los altares y santuarios familiares. Lo más lógico es que representen a algún antepasado, una deidad o algún ser en relación con la cosmogonía de la etnia.
Llama la atención las importantes y llamativas escarificaciones rituales en el abdomen y piernas, típicas de los Tiv.
Los órganos sexuales aparecen muy desarrollados en ambas figuras para mostrarnos el poder y de la importancia de la fertilidad y del paso de la vida adulta.
Los brazos totalmente pegados al cuerpo, la lejanía de la representación y el hieratismo, hacen de estas figuras, si a esto unimos el ombligo que sale hacia el exterior, de manera muy prominente, obtendremos dos figuras típicamente africanas.
Cristina Bayo Fernández

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The twins in Africa. January to June 2016 IBEJI YORUBA TWINS

The Yoruba are culturally and demographically the first ethnic group of Nigeria, who will share with the Ibo the historical protagonism of the region since at least the century.

The pair of sculptures called ere-beji or ibeji were sculpted to commemorate the birth or death of twin brothers, who had a supernatural origin.

In ancient times, the Yoruba even sacrificed newborn twins, something that does not happen nowadays because they are received with great joy, having parties in which the whole community participates.Children bring happiness, health, and prosperity to their families, their upbringing being more permissive than that of other children. But they can also cause disasters or illness, so they must be treated with respect.

They share the same soul in two separate bodies. The first twin that is born (regardless of whether it is a boy or a girl) is called Taiwo which means “He who comes to taste life”. The second will be called Kehinde or “who comes after the other”. Strangely enough, Taiwo is the youngest twin, sent by his brother to be the first to see the world and tell him what awaits him. The sign that all is well is set with her crying, so Kehinde is ready to go out.

For this reason, Taiwo is more curious and adventurous, while Kehinde is intelligent and thoughtful.On the third day after birth, the babies are taken to the priest or Babalawo who will perform an oracle for them. If necessary, it will remove the evil spirits that can destroy your life. The mother will then be instructed on how to treat the twins throughout her life.

If one of the infants dies, the other’s life will be in danger because of his balance, his soul has been broken. In this way, a piece of wood must be carved as a symbolic substitute for the child. If two die, two will be done, and they will go together.

In this way, the deceased is given immortality and the ibeji figure will have to be cared for by the parents or by the surviving twin, for this reason, it will have to be washed, fed, clothed…Specifically, these ibeji cufflinks are made of wood with a strong patina to finish off the perfect finish, as well as the use of pigments, glass paste beads, and cowrie shells. They are also dedicated to the god Orisha Ibeji (hence the name of the works), God of the twins.

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Small wooden votive figures, typical of this African typology.

In this case, we can observe two figures, one female, and one male. The latter follows the “Janus” typology, i.e. the representation of two bodies in one. It is the sense of duality, which cannot live without each other.

Two souls who are united by matter. The universal and inseparable union.

The realization may have been elaborated by the owners themselves, by being the object of family worship or by a priest. In any case, both have been treated under ritual instructions to give them the breath of life.Protectors of the family, they receive offerings in exchange for their favors. They are kept in family altars and shrines. The most logical thing is that they represent some ancestor, a deity or some being in relation to the cosmogony of the ethnic group.

The important and striking ritual scarifications on the abdomen and legs, typical of the Tiv, are striking.

The sexual organs appear very developed in both figures to show us the power and importance of fertility and the passage of adult life.

The arms totally attached to the body, the distance of the representation and the hieraticism, make these figures, if we add to this the navel that comes out towards the outside, in a very prominent way, we will obtain two typically African figures.

Cristina Bayo Fernández

 


非洲的双胞胎。2016 年1 月至6 月

约鲁巴人在文化和人口方面都是尼日利亚的第一个民族,他们将与Ibo 分享至少自本世

纪以来该地区的历史主角。

这对名为ere-beji 或ibeji 的雕塑雕刻是为了纪念具有超自然起源的双胞胎兄弟的出生或

死亡。

在远古时代,约鲁巴人甚至牺牲了新生双胞胎,这是现在不会发生的事情,因为他们非

常高兴地接受了整个社区参与的聚会。孩子们为他们的家庭带来幸福,健康和繁荣,他们的

成长更多宽容比其他孩子宽松。但它们也可能导致灾难或疾病,所以必须得到尊重。

他们在两个独立的机构中分享同一个灵魂。出生的第一个双胞胎(无论是男孩还是女孩)

被称为Taiwo,意思是“来品尝生活的人”。第二个将被称为Kehinde 或“谁来到另一个”。

奇怪的是,泰沃是最年轻的双胞胎,由他的兄弟送来,成为第一个看世界并告诉他等待他的

人。一切都很顺利的迹象是她的哭声,所以Kehinde 准备出世了。

出于这个原因,Taiwo 更加好奇和冒险,而Kehinde 聪明而有思想。在出生后的第三天,

婴儿被带到牧师或Babalawo,他们将为他们执行神谕。如有必要,它将消除可以摧毁你生

命的邪灵。然后,母亲将被告知如何在她的一生中对待这对双胞胎。

如果其中一个婴儿死亡,另一个人的生命将处于危险之中,因为他的平衡,他的灵魂已

被打破。通过这种方式,必须雕刻一块木头作为孩子的象征性替代品。如果两个人死了,两

个人就会完成,他们会一起去。

通过这种方式,死者获得了永生,并且必须由父母或幸存的双胞胎照顾ibeji 身材,因

此,它必须被洗涤,喂食,穿上……具体来说,这些ibeji 袖扣是制作的具有强烈光泽的木材,

以完成完美的饰面,以及颜料,玻璃膏珠和贝壳的使用。他们也献给神Orisha Ibeji(因此作

品名称),双胞胎之神。

TIV 双胞胎(GEMELOS TIV)

小木制的匾额,典型的非洲类型。

在这种情况下,我们可以观察到两个雕塑,一个是女性,一个是男性。后者遵循“Janus”

类型,即两个物体合二为一。这是二元性的感觉,它不能没有彼此。

两个因物质而团结的灵魂。普遍而不可分割的联盟。

这种认识可能是由造物主自己,家庭崇拜的对象或牧师所阐述的。在任何情况下,两

者都按照仪式指示进行治疗,以给予他们生命的气息。家庭的保护者,他们收到祭品以换取

他们的恩惠。它们被保存在家庭祭坛和神社中。最合乎逻辑的是,他们代表了一些祖先,

一个神或一些与族群的宇宙观有关的东西。

腹部和腿部的重要和引人注目的仪式划痕,典型的蒂夫,是惊人的。

两个人的性器官看起来非常发达,向我们展示了生育能力和成年生活的重要性。

完全贴在身体上的手臂,使得这些雕塑表现的距离感和神圣主义,如果我们以非常突出

的方式向外面出来的肚脐,我们将获得两个典型的非洲人物。

CristinaBayoFernández

A través de las diez imágenes que componen esta colección proponemos un viaje sensitivo por los cuatro elementos: fuego, aire, tierra y agua.; Todos ellos presentes en la vida cotidiana de los habitantes del continente africano.

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Cartel expositivo

El fuego que marca la etapa prehistórica y contemporánea de los bosquimanos habitantes de tierras namibias y botswanas, utilizado para ahuyentar a la fauna salvaje, peligro para los poblados y fuente vital para el preparado de los alimentos.

Aire que trae aromas a salvia, a peligro, a vida en estado puro.

Agua que nos lleva por el Okavango, el Chobe, marcando rutas y caminos por descubrir a través de las estaciones.

Tierra, polvo, siempre polvo, que cubre los pies, la ropa, la piel.

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Cristina Bayo comisaria de la exposición y Sara Pérez fotógrafa

 

La convivencia (in)tranquila entre personas y fauna, marca un ritmo pausado que nos aleja de nuestro tembloroso día a día y nos pone sobre aviso de que aquello es real, quizá mucho más de lo que es nuestra inestable vida.

Miradas retratadas que nos trasladan a una forma de entender el mundo sencilla, en la que la esencia humana rebosa por los poros de la piel, reflejándose a través de ojos llenos de sentimiento y luz, captada, sólo mínimamente a través de nuestro indiscreto objetivo.

Recortes de un viaje para sentir, compartir y vivir.

Sara Pérez López es licenciada en Historia del Arte, Museóloga y Doctora en Aplicaciones del Arte para la integración Social. Estudiante de Bellas Artes y apasionada de la fotografía, busca visibilizar, a través de esta técnica, pequeños y grandes detalles del mundo que le rodea.

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Sara Pérez fotógrafa junto con Amelia Aguado, directora del museo

Amante de África, su historia, culturas, paisaje y paisanaje, emprendió en 2012 un viaje por Zimbawe, Zambia, Namibia y Botswana del que nace esta colección.

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Caressing with your eyes. Photographs by Sara Pérez López. San Ambrosio Gallery. From 18 May to 10 July 2016

Through the ten images that make up this collection, we propose a sensitive journey through the four elements: fire, air, earth, and water; all of them present in the daily life of the inhabitants of the African continent.

The fire that marks the prehistoric and contemporary stage of the Bushmen living in Namibian and Botswanan lands, used to scare off wildlife, danger to villages and vital source of food preparation.

Air that brings aromas of sage, danger, and life in its purest form.

Water that takes us through the Okavango, the Chobe, marking routes and paths to discover through the stations.

Earth, dust, always dust, covering the feet, the clothes, the skin.

The (un)peaceful coexistence between people and fauna marks a slow pace that takes us away from our shaky daily life and puts us on notice that it is real, perhaps much more than our unstable life.

Portrait glances that take us to a way of understanding the simple world, in which the human essence overflows through the pores of the skin, reflecting through eyes full of feeling and light, captured only minimally through our indiscreet objective.

Snippets of a journey to feel, share and live.Sara Pérez López holds a degree in Art History, a Museologist, and a Ph.D. in Art Applications for Social Integration. A student of Fine Arts and passionate about photography, she seeks to make visible, through this technique, small and large details of the world around her.A lover of Africa, its history, cultures, landscape, and countryside, she embarked on a journey through Zimbabwe, Zambia,Namibia and Botswana in 2012, from which this collection was born.

 


爱抚的样子。摄影:SaraPérezLópez。圣安布罗西奥画廊。2016 年5 月18 日至7 月10 日

通过构成这个系列的十个图像,我们提出了一个敏感的旅程,通过四个元素:火,空气,

土和水; 所有这些都出现在非洲大陆居民的日常生活中。

火灾标志着生活在纳米比亚和博茨瓦纳土地上的布须曼人的史前和现代阶段,曾用于吓

跑那些危害村庄的野生动植物,也是准备重要的食物火源。

空气以最纯净的形式带来圣人和生命的芳香。

水带我们穿过Okavango,Chobe,标记着通过车站发现的路线和路径。

地球,灰尘,覆盖脚,衣服,皮肤。

人与动物之间的(非)和平共处标志着我们摆脱日常生活的缓慢步伐,让我们注意到它

是真实的,也许远远超过我们不稳定的生活

被描绘的外观让我们想到了一个理解简单世界的方式,在这个世界中,人类精华通过皮

肤的毛孔溢出,通过充满感觉和光线的眼睛反射,捕捉到最细微的光影。

感受,分享和生活旅程的片段.SaraPérezLópez 拥有艺术史学位,博物馆学家和博士学位。

在社会融合的艺术应用。作为一名美术学生,对摄影充满热情,她试图透过这种技巧,展

现她捕捉到的各种美景。同时她也是非洲的爱好者,为了感受那里的历史,文化,风景和乡

村生活,她开始了一段旅程。2012 年,通过津巴布韦,赞比亚,纳米比亚和博茨瓦纳,这

个系列作品诞生了。

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Situada en la Galería superior de la Sala de San Ambrosio.

Las obras de Cintia Martín y de Natasha Rosenberg nos muestran su propia interpretación de las máscaras africanas. En un caso más realistas y en otro con formas más geométricas, tienen en común el color y cierto aire naif. Tanto los mayores como los más pequeños disfrutaréis con ellas.

La Atómica ha colaborando en la organización de la muestra.

La exposición se enmarca dentro de las actividades organizadas desde el museo en torno al Día Europeo de la Creatividad, incluyéndose dentro del proyecto CreArt. Network of Cities for Artistic Creation


Masks of Cintia Martin and Natasha Rosenberg. From 1 March to 3 April 2016

Located in the upper gallery of San Ambrosio’s hall.

The works of Cintia Martin and Natasha Rosenberg show us their own interpretation of African masks. In a more realistic case and in another with more geometric shapes, they have in common the color and certain naive air. Both the older and the younger ones will enjoy them.

The Atómica has collaborated in the organization of the exhibition.

The exhibition is part of the activities organized by the museum around the European Creativity Day and is part of the project CreArt Network of Cities for Artistic Creation.

 


Cintia Martín 和Natasha Rosenberg 的面具。2016 年3 月1 日至4 月3 日

位于圣安布罗西奥厅的上层画廊。

CintiaMartín 和Natasha Rosenberg 的作品向我们展示了他们对非洲面具的解释。在更

客观现实的情况下更多的是运用几何图形元素,它们具有共同的颜色并且弥漫着天真烂漫的

味道。年轻人或是年长者都会喜欢它们。

Atomic 已经组织整理了各种样本。

该展览是博物馆围绕欧洲创意日组织的活动的一部分,包括在CreArt 项目内。艺术创

作城市网。

El Consejo Local de la Juventud de Valladolid presenta su “I Exposición de Dibujos Infantiles sobre los Derechos de la Infancia” que se expone en la Galería de San Ambrosio del Palacio de Santa Cruz con la colaboración del nuestro museo.

El motivo de la muestra es la organización del XI Certamen de Dibujos Infantiles sobre los derechos de la Infancia con una gran colaboración tanto de los colegios de la ciudad como de las asociaciones  miembro del consejo.

En esta ocasión el Consejo Provincial de la Juventud ha sido coorganizador del certamen.

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El Museo de Arte Africano siempre unido a los temas de tolerancia e igualdad tanto del continente africano como a nivel global. La infancia es el futuro y esta muestra nos indica como los mas pequeños no cierran los ojos a la actualidad y sus problemas.

Estas Navidades de dejes de visitarnos para reflexionar durante un momento sobre los derechos de la infancia.

¡ Os esperamos ¡

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I Exhibition of Children’s Drawings on the Rights of the Child. San Ambrosio Gallery. From 15 December 2015 to 31 January 2016

The Local Youth Council of Valladolid presents its “I Exhibition of Children’s Drawings on the Rights of the Child” which is exhibited in the San Ambrosio Gallery of the Santa Cruz Palace with the collaboration of our museum.

The reason for the exhibition is the organization of the 11th Children’s Drawing Competition on Children’s Rights, with great collaboration from both the city’s schools and the member associations of the council.

On this occasion, the Provincial Youth Council co-organised the event.

The Museum of African Art is always linked to the issues of tolerance and equality both on the African continent and globally. Childhood is the future, and this show shows us how the youngest children do not close their eyes to the present and their problems.

This Christmas, stop visiting us to reflect for a moment on children’s rights.

We´re waiting for you¡

 


儿童权利展览。圣安布罗西奥画廊。2015 年12 月15 日至2016 年1 月31 日

巴利亚多利德地方青年理事会在与我们博物馆的合作下,在圣克鲁斯宫的圣安布罗西奥

画廊展出了“以儿童权利为主题的儿童绘画展”。

展览的目的是组织第11 届呼吁儿童权利的儿童绘画比赛,并得到了该市学校和理事会

成员协会的大力支持。

在这个场合,省青年理事会共同组织了这次活动。

非洲艺术博物馆始终与非洲大陆和全球呼吁和平等问题联系在一起。童年是未来,这

个节目向我们展示了小孩们如何不关注现在和他们存在的问题。

今年圣诞节,请停止拜访我们,思考儿童的权利。

我们在等你!

Nuestras cuatro reproducciones siguen su paseo por nuestra provincia gracias a la Ruta del Vino Cigales y las jornadas “Entre piedras y lagares 2015”. Después de visitar la Bodega Alfredo Santamaría en Cubillas de Santa Marta, el Bodegón El Ciervo en Cabezón de Pisuerga, Bodega Hijos de Félix Salas y Bodega Museum, las obras se asientan en Bodega La Cueva (Mucientes) donde podréis disfrutar del mejor vino en un ambiete exclusivo mientras observais y tocais nuestras piezas africanas.

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cerrar los ojos, catar un buen vino y tocar una reproducción es una experiencia única para los sentidos. No podéis dejar escapar esta oportunidad.

Una visión diferente de dos culturas diferentes hacen de esta exposición una experiencia distinta.

Las reproducciones que podéis observar son la “Cabeza de Benin”, la “Jarra ritual Mangbetu”, la “Cabeza Ifé” y finalizamos con la última adquisición del museo con la “Cabeza Katsina” realizada por el conocido ceramista Carlos Jimeno Velasco (http://carlosjimeno.es/). El comisariado de la exposición ha sido realizada por Cristina Bayo del Museo de Arte Africano Arellano-Alonso.

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Para poder visitar las piezas y disfrutar de los vinos y gastronomía teneis que tener en cuenta contactar en el teléfono 983 58 77 84 o en el teléfono 665 183 419. También puedes escribir en el correo electrónico http://www.bodegalacueva.com/mucientes/

Disfruta de la mejor gastronomía vallisoletana en un ambiente navideño especial.

¡Os esperamos¡

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Reproductions from the Museum of African Art. La Cueva Winery (Mucientes, Valladolid). From 30 November to 11 January 2016

Our four reproductions continue their tour around our province thanks to the Cigales Wine Route and the “Between stones and presses 2015” days. After visiting Bodega Alfredo Santamaría in Cubillas de Santa Marta, Bodega El Ciervo in Cabezón de Pisuerga, Bodega Hijos de Félix Salas and Bodega Museum, the works are located in Bodega La Cueva (Mucientes) where you can enjoy the best wine in an exclusive atmosphere while watching and playing our African pieces.

Closing your eyes, tasting a good wine and touching a reproduction is a unique experience for the senses. You can’t let this opportunity pass you by.

A different view of two different cultures makes this exhibition a different experience.

The reproductions that you can see are the “Head of Benin”, the “Mangbetu ritual jug”, the “Head Ifé” and we finish with the last acquisition of the museum with the “Head Katsina” made by the well-known ceramist Carlos Jimeno Velasco (http://carlosjimeno.es/). The exhibition was curated by Cristina Bayo of the Museo de Arte Africano Arellano-Alonso.

To be able to visit the pieces and enjoy the wines and gastronomy you have to take into account to contact the telephone 983 58 77 84 or in the telephone 665 183 419. You can also write in the e-mail http://www.bodegalacueva.com/mucientes/

Enjoy the best gastronomy of Valladolid in a special Christmas atmosphere.

We’re waiting for you!

 


非洲艺术博物馆的复制品。Bodega La Cueva(Mucientes,Valladolid)。2016 年11 月30

日至1 月11 日

我们的四个复制品跟随您走遍我省,这要归功于Cigales 葡萄酒之路和“2015 年之间的

石头与葡萄酒酿造之日”。参观了Cubillas de Santa Marta 的AlfredoSantamaría 酒厂,

CabezóndePisuerga 的BodegónElCiervo,Bodega HijosdeFélixSalas 和Bodega Museum,这些作

品位于Bodega La Cueva(Mucientes),在那里您可以品尝到最好的葡萄酒。独特的氛围,

同时您可以观赏我们的非洲艺术品。

闭上眼睛,品尝美酒和欣赏复制品是一种独特的感官体验。你不能错过这个机会。

两种不同文化的融合与碰撞使这次展览成为一种不同的体验。

您可以看到的复制品是“Cabeza de Benin”,“Mangbetu 仪式壶”,“CabezaIfé”,我

们最近收购了博物馆,由着名陶艺家Carlos Jimeno Velasco 制作的“Katsina Head”(http:

//carlosjimeno.es/)。展览的策展人是由Arellano-Alonso 非洲艺术博物馆的Cristina Bayo 制

作的。

为了能够参观这些作品并享用葡萄酒和美食,您必须牢记在电话983 58 77 84 或电话665

183 419 中联系。您也可以写在电子邮件中http://www.bodegalacueva.com/ mucientes /

在特殊的圣诞气氛中享受最好的巴利亚多利德美食。

我们在等你!

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Victoria Bautista nos describe de su puño y letra este proyecto expositivo singular:

Un fenómeno solo puede ser colectivo siempre que sea común a todos los miembros de la sociedad, o, por lo menos, a la mayoría de ellos, y, por consiguiente, si es general. Émile Durkheim

“Fembiem. Bajo el Reino de Oku” es un proyecto sobre una relación de similitudes culturales según pautas conductuales en diferentes contextos. Un paralelismo entre dos culturas que no se tocan.

La idea de desarrollar este trabajo expositivo se apoya en la investigación antropológica unida a la sociología y combinada con el diseño. Se conjuga la interpretación de símbolos y rituales en un sentido operacional y una perspectiva posicional.

En el año 2012 queda inaugurada la exposición “El reino de Oku” en la Sala San Ambrosio situada en el Museo de Arte Africano Arellano Alonso de la UVa. La colección recoge una serie de piezas expositivas reflejando la estructura social, las tradiciones y el arte de uno de los reinos más importantes al oeste de Camerún.

En el Reino de Oku existen varias sociedades secretas cuyo máximo representante es el chamán, gurú, líder, personaje de poder. Dentro de estos colectivos, se encuentra una sociedad secreta llamada Fembiem.

La indumentaria utilizada como distintivo de la sociedad secreta, se compone de múltiples objetos personales de cada iniciado (cabello, conchas…), cosidos al traje símbolo de autoridad. Según sus creencias, estos elementos otorgan fuerza y poder para enfrentarse a sus enemigos potenciando el poder del chamán o líder del grupo y, por ende, el de la sociedad que representa. “la unión hace la fuerza”.

Inspirándome en esta peculiar vestimenta emerge una pieza expositiva con el objetivo de mostrar una interpretación de estas sociedades secretas y el concepto (mensaje) que encierra.

El diseño está compuesto por veintós objetos personales (veintitrés, contando con mi aportación) pertenecientes a veintitrés mujeres relacionadas con el arte y el sector cultural: gestoras culturales, comisarias, museólogas, artistas, galeristas, etc.

Todas ellas enriquecen día a día el sector cultural con su motivación y profesionalidad.

Son la fuerza y el poder de la cultura. Son las “Fembiem” -sin ser secretas- del presente y el futuro.

Victoria Bautista


FEMBIEM. An exhibition project by Victoria Bautista. San Ambrosio’s Hall. From 25 September to 11 January 2016

Victoria Bautista describes this unique exhibition project in her own handwriting:

A phenomenon can only be collective if it is common to all members of society, or at least to most of them, and therefore if it is general. Emile Durkheim

“Fembiem. Under the Kingdom of Oku” is a project on a relationship of cultural similarities according to behavioral patterns in different contexts. A parallel between two cultures that do not touch.

The idea of developing this exhibition work is based on anthropological research linked to sociology and combined with design. It combines the interpretation of symbols and rituals in an operational sense and a positional perspective.

In 2012, the exhibition “The Kingdom of Oku” was inaugurated in the San Ambrosio’s hall in the Museo de Arte Africano Arellano Alonso de la UVa. The collection includes a series of exhibits reflecting the social structure, traditions, and art of one of the most important kingdoms in western Cameroon.

In the Kingdom of Oku, there are several secret societies whose highest representative is the shaman, guru, leader, power figure. Within these groups is a secret society called Fembiem.

The clothing used as a distinctive feature of the secret society is composed of multiple personal objects of each initiate (hair, shells…), sewn to the suit symbol of authority. According to their beliefs, these elements provide strength and power to confront their enemies by empowering the power of the shaman or leader of the group and, therefore, of the society he represents. “unity is strength.”

Inspired by this peculiar costume, an exhibition piece emerges with the aim of showing an interpretation of these secret societies and the concept (message) they contain.

The design is made up of twenty-two personal objects (twenty-three, with my contribution) belonging to twenty-three women related to art and the cultural sector: cultural managers, curators, museologists, artists, gallery owners, etc.

All of them enrich the cultural sector every day with their motivation and professionalism.

They are the strength and power of culture. They are the “Fembiem” – without being secret – of the present and the future.

Victoria Bautista

 


FEMBIEM。Victoria Bautista 的展览项目。圣安布罗西奥厅。2016 年9 月25 日至1 月11

Victoria Bautista 用她自己的笔迹描述了这个独特的展览项目:

一种现象只能是社会团体的一种缩影,只要它对所有社会成员来说都是共同的,或者至

少对大多数成员来说是共同的,那么它是一般性的。ÉmileDurkheim

“Fembiem。在Oku 王国之下“是一个关于文化相似性关系的项目,根据不同背景下的

行为模式。两种不相互接触的文化之间的平行关系。

诞生这种说明性质工作的想法是基于与社会学相关的人类学研究并与设计相结合。符号

和仪式的解释在操作意义和位置视角中结合在一起。

2012 年,“奥库王国”展览在位于巴亚多利德大学的阿雷拉诺·阿隆索非洲艺术博物

馆的圣安布罗西奥厅落成。该系列包括一系列展品,反映了喀麦隆西部最重要的王国之一的

社会结构,传统和艺术。

在奥库王国,有几个秘密社团,其最大代表是萨满,大师,领袖,权力人物。在这些群

体中,有一个叫做Fembiem 的秘密社团。

作为秘密社会标志的服装,由每个发起者(头发,贝壳……)的多个个人物品组成,缝

在衣服的权威象征中。根据他们的信仰,这些元素通过增强萨满或团体领袖的力量,以及他

所代表的社会的力量,赋予他们面对敌人的力量和力量。“联盟有力量”。

灵感来自这件奇特的装扮,出现了一个说明性的作品,旨在展示对这些秘密社团及其所

包含的概念(信息)的解释。

该设计由22 个个人物品(23 个,依靠我的贡献)组成,属于与艺术和文化部门有关的

23 名妇女:文化管理者,策展人,博物馆学家,艺术家,画廊主等。

所有这些都以其动力和专业精神日益丰富了文化领域。

他们是文化的力量和力量。他们是现在和未来的“Fembiem” – 不是秘密。

维多利亚浸信会

La nueva exposición temporal situada en nuestro apartado “Miradas sobre África” en el Salón Rectores, se ha dedicado esta vez a dos máscaras de la República Democrática del Congo. Concretamente nos encontramos con una máscara Warega, de la cultura Lega Bwami que se fecha en el siglo XX y la máscara “Mbuya” de la cultura Pende fechada entre los siglos XIX y XX.

MÁSCARA WAREGA

 

Realizada en madera, siendo la barba o luzela de fibra de sisal o palmera (su rasgo más característico) y el resto de la  pasta de caolín. Es una escultura que pertenece a la sociedad Bwami. Los ojos prominentes no están perforados algo que sí sucede con la boca. La nariz está muy estilizada. De gran calidad en el pulido interior.

Su función es ritual, utilizándose en las ceremonias de iniciación a los cinco niveles de la vida por los hombres lega.

Cada cierto tiempo los lega se reúnen en bosques para impartir enseñanzas a los iniciados sobre la vida y el desarrollo moral del individuo.

A pesar de la simplicidad formal de la obra, su significado es complejo, pues la máscara bebe de las fuentes de antiguos proverbios y danzas ancestrarles. La superficie pulida y lisa evocan el carácter refinado y perfeccionista de los Bwami.

Warega es el nombre que los primeros colonialistas europeos dieron a los lega que habitaban en el Este del antiguo Zaire, actual República Democrática del Congo.

Podemos encontrar piezas similares en importantes museos de Berlín, París o Bruselas.

MÁSCARA MBUYA

Esta máscara realizada en madera, posee como elemento más llamativo una gran cabellera de pelo, que se complementa con una frente abombada, ojos almendrados, nariz achatada, boca en la que se pueden ver perfectamente los dientes, los párpados pesados y la línea de las cejas continúan la forma de la frente, donde aparecen escarificaciones basadas en puntos que dan lugar a un círculo.

En la parte trasera lleva rafia para que el portador pueda ponérsela en la cabeza.

Por todo ello el resultado final es una expresión sombría y taciturna, que no tiene nada que ver con la realidad, pues su función es la de divertir al público, comediando las desviaciones de los ideales de la vida, por eso es tan realista y expresiva.

A veces puede aparecer al final de los ritos de circuncisión, donde al final de la fiesta del paso a la vida adulta, los jóvenes circuncisos se reúnen en el bosque para desvelar la máscara, teniendo ya derecho a poder tocarla junto con el resto de objetos rituales.

Su función es ritual y su creación sólo ha podido realizarse por un escultor que transmite su conocimiento generación tras generación.

El nombre de “Mbuya” significa “máscara de poblado”, pues este tipo de creaciones nos muestran los diversos tipos humanos del clan, como el jefe o el adivino.

Estas obras nos hablan de la propia historia de los Pende, los cuales llegaron hace unos 500 años a la zona situada entre la costa Atlántica y el río Kwanza, en la actual Angola.

Hacia 1620, cuando el imperio Lunda se expande, serán forzados a abandonar estas tierras y emigrar hasta su actual territorio, en la República Democrática del Congo, dividiéndose en unos sesenta reinos, como los Kwilu (al que pertenece esta máscara) y los Kasai.

Ya en 1885, serán sometidos por el pueblo Tchokwe, hecho que finalizará con la llegada del colonialismo belga.

Principalmente agricultores, centrados en el cultivo del mijo, maíz, plátano y cacachuete, serán las mujeres las que hagan el trabajo de campo y la comercialización de los productos recogidos en los mercados locales.

El trabajo de los hombres se basará en la limpieza de los campos y la ocasional caza y pesca.

Socialmente, se basan en el sistema de linajes, no habiendo un poder político central reconocido, e incluso los jefes locales no ejercen autoridad muy grande. Será el tío materno de más edad en un familia el que se configure como cabeza del linaje, velando por el bienestar del núcleo y la atención de los espíritus de sus antepasados (mvumbi), que son aplacados a través de rituales y ofrendas, para no generar desgracias, ya que estos espíritus pueden ser benefactores o no, dependiendo de la manera en que murieron.

Texto: Cristina Bayo Fernández


Masks of the Democratic Republic of Congo. Rectors’ Hall. From 01 July 2015 to 12 January 2016

The new temporary exhibition in our “Views on Africa” section in the Rectors’ Lounge has this time been dedicated to two masks of the Democratic Republic of Congo. Specifically, there is a Warega mask from the Lega Bwami culture dating from the 20th century and the “Mbuya” mask from the Pende culture dating from the 19th to 20th centuries.

WAREGA MASK

Made of wood, with the beard or luzela being sisal or palm fiber (its most characteristic feature) and the rest of the kaolin paste. It is a sculpture that belongs to the Bwami society. Prominent eyes are not pierced by something that does happen with the mouth. The nose is very stylized. High-quality interior polishing.

Its function is ritual, being used in the ceremonies of initiation to the five levels of life by laymen.

From time to time the Lega gather in forests to teach the initiates about the life and moral development of the individual.

Despite the formal simplicity of the work, its meaning is complex, as the mask draws on the sources of ancient proverbs and dances to ancestor them. The polished and smooth surface evokes the refined and perfectionist character of the Bwami.

Warega is the name given by the first European colonialists to the Lega who lived in the east of former Zaire, now the Democratic Republic of Congo.

Similar pieces can be found in important museums in Berlin, Paris or Brussels.

MBUYA MASK

This mask made of wood, has as its most striking element a large hair scalp, which is complemented by a curved forehead, almond eyes, flattened nose, mouth in which you can see perfectly the teeth, heavy eyelids and eyebrows line continue the shape of the forehead, where scarifications appear based on points that give rise to a circle.

On the back, it has raffia so that the wearer can put it on his head.

For all these reasons, the final result is a gloomy and taciturn expression, which has nothing to do with reality, since its function is to entertain the public, comedy the deviations from the ideals of life, which is why it is so realistic and expressive.

Sometimes it can appear at the end of circumcision rites, where at the end of the party of the passage to adulthood, young circumcised men gather in the forest to unveil the mask and have the right to touch it together with other ritual objects.

 

Its function is ritualistic and its creation has only been possible by a sculptor who transmits his knowledge generation after generation.

The name “Mbuya” means “village mask”, as this type of creations shows us the various human types of the clan, such as the chief or the fortune-teller.

These works tell us about the history of the Pende, who arrived some 500 years ago in the area between the Atlantic coast and the Kwanza River in what is now Angola.

By 1620, when the Lunda empire expanded, they were forced to abandon these lands and emigrate to their present territory, in the Democratic Republic of Congo, dividing into some sixty kingdoms, such as the Kwilu (to which this mask belongs) and the Kasai.

 

Already in 1885, they were submitted by the Tchokwe people, a fact that ended with the arrival of Belgian colonialism.

Mainly farmers focused on the cultivation of millet, corn, bananas, and peanuts, it will be women who will do the fieldwork and marketing of the products collected from local markets.

The men’s work will be based on cleaning the fields and occasional hunting and fishing.

Socially, they are based on the lineage system, with no recognized central political power, and even local chiefs do not exercise very large authority. It will be the oldest maternal uncle in a family who is configured as the head of the lineage, looking after the welfare of the nucleus and the attention of the spirits of their ancestors (mvumbi), who are appeased through rituals and offerings, so as not to generate misfortunes, since these spirits may be benefactors or not, depending on the way they died.

 

Texto: Cristina Bayo Fernández

 


来自刚果民主共和国的面具。主展厅。从2015

新的临时展览位于主展厅的“纵观非洲”部分,这次是专门为刚果民主共和国制作的两

个面具。具体来说,我们发现了一个Warega 面具,来自20 世纪的Lega Bwami 文化和Pende

文化中的“Mbuya”面具,可追溯到19 世纪和20 世纪之间。

Warega 面具

由木材制成,胡须是剑麻纤维或棕榈树(其最具特色的特征)所制作而成,以及其余部

分则是由高岭土糊。这是一个属于Bwami 社会的雕塑。突出的眼睛,宽厚的嘴巴,鼻子非

常风格化。内饰抛光质量很高。

它的功能是仪式性的,用于由外行人开始五级生活的仪式。

他们不时在森林里相遇,向同修讲授个人的生活和道德发展

尽管工作形式简单,但其含义很复杂,因为面具从古代祖先谚语和舞蹈的来源中饮用。

抛光和光滑的表面唤起了Bwami 的精致和完美主义特征。

瓦尔加是第一批欧洲殖民主义者给居住在扎伊尔东部,现在刚果民主共和国的法塔的名

字。

我们可以在柏林,巴黎或布鲁塞尔的重要博物馆找到类似的作品。

“Mbuya”面具

这个面具用木头做的,作为其最引人注目的元素的头发有很大的鬃毛,这是由一个鼓鼓

的额头补充,杏仁状的眼睛,扁平的鼻子,嘴可以看到完美的牙齿,厚重的眼皮和眉毛延续

前额的形状,根据产生圆形的点出现划痕。

在后面它有拉菲草,以便佩戴者可以把它放在他的头上。

因此,最终的结果是无关现实,因为它的功能是娱乐大众,但是由于生活的理念偏差,

所以它也是如此真实的表现了一种忧郁的表情。

有时候,它可以在割礼仪式出现,并且一直存在于成年的盛宴结束,年轻的割礼年轻人

出现聚集在树林里,露出面具,并且允许其他人触碰它。

它的功能是仪式,它的创作只能由一代又一代传播他的知识的雕塑家完成。

“Mbuya”这个名字的意思是“城镇的面具”,因为这种类型的创作向我们展示了不同的

人类类型,如老板或算命先生。

这些作品告诉我们关于攀的历史,其中追溯到约500 年前,大西洋和今天宽扎河在安哥

拉之间的区域。

到1620 年,当隆达帝国的扩大,他们将被迫放弃土地并且迁移到刚果民主共和国的他

们目前的领土,分为左右两个王国,像Kwilu(它属于这个面具)和开赛。

早在1885 年,他们被Tchokwe 人民制服,这一事实将以比利时殖民主义的到来而告终。

主要是农民,专注于小米,玉米,大蕉和cacachuete 的种植,将是在当地市场进行实

地工作和产品营销的妇女。

这些人的工作将基于田地的清洁和偶尔的狩猎和捕鱼。

在社交方面,他们是基于宗族制度,没有公认的中央政治权力,甚至当地酋长也没有行

使很大的权力。这是被舅舅设置的旧的行头,保证了核心的福利则通过仪式和祭祀来安抚他

们的祖先(Mvumbi)的精神所关注家庭,保佑他们不产生不幸。这些灵魂是否独立,则取

决于他们的死亡方式。

Nuestras cuatro reproducciones siguieron su paseo por nuestra provincia gracias a la colaboración de la Ruta del Vino Cigales y las Jornadas “Entre piedras y lagares 2015”. Después de visitar la Bodega Alfredo Santamaría en Cubillos de Santa Marta, el Bodegón El Ciervo en Cabezón de Pisuerga, y la Bodega Hijos de Félix Salas en Corcos del Valle, las obras se asentaron en la Bodega Museum donde los visitantes pudieron disfrutar del mejor vino en un ambiente exclusivo mientras observaban y tocaban nuestras piezas africanas.

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Cerrar los ojos, catar un buen vino y tocar una reproducción es una experiencia única para los sentidos. Los asistentes pudieron tener una visión diferente de dos culturas diferentes.

Las reproducciones que se pudieron observar fueron la “Cabeza de Benín”, la “Jarra ritual Mangbetu”, la “Cabeza Ifé”, finalizando con la última adquisición del museo con la “Cabeza Katrina” realizada por el conocido ceramista Carlos Jimeno Velasco (http://carlosjimeno.es/). El comisariado de la exposición fue realizado por Cristina Bayo del Museo de Arte Africano Arellano-Alonso.

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Exhibition Reproductions of the Museum of African Art Arellano Alonso at the Bodega Museum. 30 October to 30 November 2015

Our four reproductions continued their tour around our province thanks to the collaboration of the Cigales Wine Route and the “Between Stones and Presses 2015” Conference. After visiting the Alfredo Santamaría Winery in Cubillos de Santa Marta, the El Ciervo winery in Cabezón de Pisuerga, and the Hijos de Félix Salas Winery in Corcos del Valle, the works settled in the Bodega Museum where visitors could enjoy the best wine in an exclusive atmosphere while observing and feeling our African pieces.

Closing your eyes, tasting a good wine and touching a reproduction is a unique experience for the senses. Attendees were able to have a different view of two different cultures.

The reproductions that could be observed were the “Head of Benin”, the “Mangbetu ritual jug”, the “Head Ifé”, ending with the last acquisition of the museum with the ” Katsina Head” made by the well-known ceramist Carlos Jimeno Velasco (http://carlosjimeno.es/). The exhibition was curated by Cristina Bayo of the Museum of African Art Arellano Alonso.

 


在博物馆酒庄的阿雷拉诺·阿隆索非洲艺术博物馆展览复制。2015 年10 月30 日至11 月

30 日

由于Cigales 葡萄酒之路和“2015 年之间的石头与酿酒厂”的合作,我们的四个复制品

跟随他走遍了我省。在参观了Cubillos de Santa Marta 的AlfredoSantamaría 酒厂,

CabezóndePisuerga 的BodegónElCiervo 和Corcos del Valle 的HijosdeFélixSalas 酒厂之后,这些

作品落户博物馆酒庄,游客们可以品尝到最好的葡萄酒。在独特的环境中观看和观赏我们

的非洲作品。

闭上眼睛,品尝美酒和欣赏复制品是一种独特的感官体验。你不能错过这个机会。

两种不同文化的融合与碰撞使这次展览成为一种不同的体验。

您可以看到的复制品是“Cabeza de Benin”,“Mangbetu 仪式壶”,“Cabeza de Ifé”,

还有我们最近收购的,由着名陶艺家Carlos Jimeno Velasco 制作的“Katsina Head”(http:

//carlosjimeno.es/)。展览的策展人是由Arellano-Alonso 非洲艺术博物馆的Cristina Bayo 制

作的。

 

Nuestras cuatro reproducciones siguieron su camino por nuestra provincia gracias a la Ruta del Vino de Cigales y las Jornadas “Entre piedras y lagares 2015”. Después de visitar la Bodega Alfredo Santamaría y el Bodegón El Ciervo, las obras pararon en la Bodega Hijos de Félix Salas.

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Los asistentes a la bodega pudieron disfrutar de nuestras reproducciones mientras disfrutaban de un buen vino.

Una visión diferente de dos culturas diferentes que hicieron de ésta, una experiencia única.

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Las reproducciones que se pudieron observar fueron la “Cabeza de Benín”, la “Jarra ritual Mangbetu”, la “Cabeza Ifé” y finalizamos con la última adquisición del museo con la “Cabeza Katsina” realizada por el ceramista Carlos Jimeno Velasco http://carlosjimeno.es/. El comisariado de la exposición realizada por Cristina Bayo del Museo de Arte Africano Arellano-Alonso de la UVa.

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Exhibition Reproductions of the Museum of African Art Arellano Alonso in the Bodega Hijos de Félix Salas. 30 September to 30 October 2015

Our four reproductions continued their journey through our province thanks to the Cigales Wine Route and the “Between Stones and Presses 2015” Conference. After visiting Bodega Alfredo Santamaría and Bodega El Ciervo, the works stopped at Bodega Hijos de Félix Salas.

Those attending the winery were able to enjoy our reproductions while enjoying a good wine.

A different vision of two different cultures that made from this a unique experience.

The reproductions that could be seen were the “Head of Benin”, the “Mangbetu ritual jug”, the “Head Ifé” and we finished with the last acquisition of the museum, the “Katsina Head” made by the ceramist Carlos Jimeno Velasco http://carlosjimeno.es/ . The exhibition curated by Cristina Bayo of the Arellano-Alonso Museum of African Art at UVa.

 


在Hijos de Félix Salas 酒庄的阿雷拉诺·阿隆索非洲艺术博物馆的展览复制品。2015 年9

月30 日至10 月30 日

由于Cigales 葡萄酒之路和“2015 年之间的石头和酿酒厂”,我们的四个复制品持续环

绕我省。在参观了BodegaAlfredoSantamaría 和ElCiervoBodegón 之后,这些作品停留在

HijosdeFélixSalasWinery 酒庄。

参加酿酒厂的人们可以在享用美酒的同时享受我们的复制品。两种不同文化的交融与碰

撞使这成为一次独特的体验。

您可以看到的复制品是“Cabeza de Benin”,“Mangbetu 仪式壶”,“Cabeza de Ifé”,

还有我们最近收购的,由着名陶艺家Carlos Jimeno Velasco 制作的“Katsina Head”(http:

//carlosjimeno.es/)。展览的策展人是由Arellano-Alonso 非洲艺术博物馆的Cristina Bayo 制

作的。

沿着Verónica Alcázar del Río 的非洲步行展览。圣安布罗西奥画廊。2015 年7 月11 日至9

月13 日(Exposición África camina de Verónica Alcázer del Río. Galería San Ambrosio. Del 11 de

julio al 13 de septiembre de 2015)

这个由圣克鲁斯宫圣安布罗西奥画廊的艺术家VeronicaAlcácerdelRío“LaNiñaVero”献给

非洲的展览向我们展示了她在圣多美岛完成的20 张水彩画的灵感,她曾在那里旅行过三次

在国际合作促进发展领域。

展览包括肖像,风景和日常生活场景,根据游客的经历,这将使保留西方凝视的游客感

到惊讶。

 

Esta exposición dedicada a África de la artista Verónica Alcácer del Río “La Niña Vero” en la Galería de San Ambrosio del Palacio de Santa Cruz, nos muestra una veintena de acuarelas inspiradas en su estancia en la Isla de Santo Tomé, donde ha viajado en tres ocasiones en el ámbito de la Cooperación Internacional para el Desarrollo.

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En la muestra se incluyen retratos, paisajes y escenas de la vida cotidiana, basadas en la propia experiencia y que sorprenderán al visitante que conserva su mirada occidental.


Exhibition Africa walks by Veronica Alcázer del Río. San Ambrosio Gallery. 11 July to 13 September 2015

This exhibition dedicated to Africa by the artist Veronica Alcácer del Río “La Niña Vero” at the Gallery of San Ambrosio in the Palace of Santa Cruz, shows us some twenty watercolors inspired by her stay on the Island of Santo Tomé, where she has travelled three times in the field of International Cooperation for Development.

The exhibition includes portraits, landscapes, and scenes from everyday life, based on the visitor’s own experience and which will surprise the visitor who retains his or her western gaze.

 


沿着Verónica Alcázar del Río 的非洲步行展览。圣安布罗西奥画廊。2015 年7 月11 日至9

月13 日

这个由圣克鲁斯宫圣安布罗西奥画廊的艺术家VeronicaAlcácerdelRío“LaNiñaVero”献给

非洲的展览向我们展示了她在圣多美岛完成的20 张水彩画的灵感,她曾在那里旅行过三次

在国际合作促进发展领域。

展览包括肖像,风景和日常生活场景,根据游客的经历,这将使保留西方凝视的游客感

到惊讶。

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Nuestras cuatro reproducciones que habitualmente exponemos en el Salón de Rectores del nuestro museo, se trasladaron a las Bodegas Alfredo Santamaría en Cubillas de Santa Marte (Valladolid).

La colaboración realizada con la Ruta del Vino Cigales, cono motivo de las jornadas “Entre piedras y lagares” y el Museo Arellano Alonso de la Universidad de Valladolid, muestra estas obras que están fabricadas para ser tocadas por el visitante.

El ambiente único, situado en el Hotel Rural Pago de Trascasas (perteneciente a la bodega), con elementos tradicionales relacionados con el vino junto con la unión de la cultura africana, dan lugar a un ambiente especial y único, donde el visitante podrá disfrutar del enoturismo, el arte y la naturaleza.

Las reproducciones que se muestran son la “Cabeza de Benín”, la “Jarra ritual Mangbetu”, la “Cabeza Ifé” y la por último la última adquisición del museo como es la “Cabeza Katsina” realizada por el ceramista Carlos Jimeno Velasco. La exposición está comisariada por Cristina Bayo Fernández.


Reproductions of the Arellano Alonso Museum. Alfredo Santamaría Winery. From 1 to 29 July 2015

Our four reproductions, which we usually exhibit in the Rectors’ Hall of our museum, were transferred to the Alfredo Santamaría Winery in Cubillas de Santa Marte (Valladolid).

The collaboration with the Cigales Wine Route, as the reason for the conference “Between Stones and Presses” and the Arellano Alonso Museum of the University of Valladolid, shows these works that are made to be touched by the visitor.

The unique atmosphere, located in the Hotel Rural Pago de Trascasas (belonging to the winery), with traditional elements related to wine together with the union of African culture, give rise to a special and unique atmosphere, where visitors can enjoy wine tourism, art, and nature.

The reproductions shown are the “Head of Benin”, the “Mangbetu ritual jug”, the “Head of Ife” and the last one is the last acquisition of the museum, the “Head of Katsina” made by the ceramist Carlos Jimeno Velasco. The exhibition is curated by Cristina Bayo Fernández.


阿雷拉诺·阿隆索博物馆的复制品。AlfredoSantamaría 酒厂。2015 年7 月1 日至7 月29

我们通常在博物馆的主展厅展出的四幅复制品被移送到Cubillas de Santa Marte(巴利亚

多利德)的AlfredoSantamaría 酒厂。

巴利亚多利德大学阿雷拉诺·阿隆索博物馆与Cigales 葡萄酒之路的合作,在“石头与

压力机之间”会议上,展示了这些作品,让参观者感到震撼。

该活动位于Hotel Rural Pago de Trascasas 酒店(属于酒庄),我们将葡萄酒相关的传统

元素以及非洲文化的结合,营造出独特奇妙的氛围,游客可以在这里享受葡萄酒的美味之旅,

在大自然中感受艺术的美好。

您可以看到的复制品是“Cabeza de Benin”,“Mangbetu 仪式壶”,“Cabeza de Ifé”,

还有我们最近收购的,由着名陶艺家Carlos Jimeno Velasco 制作的“Katsina Head”(http:

//carlosjimeno.es/)。展览的策展人是由Arellano-Alonso 非洲艺术博物馆的Cristina Bayo 制

作的。

El reino Edo (Bini en plural) o Antiguo Reino de Benín, se convertirá en una de las más importantes sociedades del África occidental. Influenciados artísticamente por los Ifé, realizarán un arte cortesano desde el siglo XIII hasta nuestros días, siendo su época dorada entre los siglos XVI y XVII.

En esta exposición podremos disfrutar de una máscara fechada entre los siglos XIX y XX realizada en madera  y que conserva los restos de policromía. Por otro lado, la inigualable máscara pectoral de leopardo en metal, fechada en el siglo XVIII y realizada en bronce, donde observaremos la gran perfección técnica a la que llegaron los Edo.

Los Edo, situados al sur de Nigeria, en la zona pantanosa del Delta del Níger, al oeste limitan con los Yoruba (de los que tomarán su religión) y al oeste con los Ibo o los Jukun.

La propia población original del Antiguo Reino de Benín, se denomina a sí misma y a su lengua con el nombre de Edo.

Sabemos que en los orígenes vivían en clanes autóctonos, con una producción artística propia, basada en la madera y el metal, y que desarrollaban el animismo basado en el culto a los antepasados, donde es posible que realizaran sacrificios humanos en honor al Oba (el rey).

Los primeros contactos con la población occidental se producirán con la llegada de los portugueses en 1472, estableciéndose importantes relaciones comerciales basadas en telas, pimienta, marfiles…y un gran número de objetos curiosos. Pero será con la llegada de los franceses, holandeses e ingleses cuando se descubra su arte al resto del mundo.

Tras el saqueo de la ciudad de Benín en 1897 y de la confiscación de más de 3.000 objetos provenientes del palacio real del Oba, se arte comenzará a tener una importancia única.

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The Edo Kingdom (Bini in plural) or the Old Kingdom of Benin will become one of the most important societies in West Africa. Influenced artistically by the Ife, they made a courtly art from the thirteenth century to the present day, being their golden age between the sixteenth and seventeenth centuries.

In this exhibition, we can enjoy a mask dated between the 19th and 20th centuries made of wood and which preserves the remains of polychrome. On the other hand, the unequaled leopard pectoral mask in metal, dated in the 18th century and made in bronze, where we can observe the great technical perfection to which the Edo arrived.

The Edo, located in southern Nigeria, in the swampy area of the Niger Delta, border on the west with the Yoruba (of whom they will take their religion) and on the west with the Ibo or Jukun.

The original population of the Ancient Kingdom of Benin calls itself and its language Edo.

We know that in the origins they lived in native clans, with their own artistic production, based on wood and metal, and that they developed animism based on the cult of their ancestors, where it is possible that they made human sacrifices in honor of the Oba (the king).

The first contacts with the western population will occur with the arrival of the Portuguese in 1472, establishing important commercial relationships based on fabrics, pepper, ivory… and a large number of curious objects. But it was with the arrival of the French, Dutch and English that his art was discovered in the rest of the world.

After the looting of the city of Benin in 1897 and the confiscation of more than 3,000 objects from the royal palace of the Oba, art began to have a unique importance.

 


EDO 的王国。在主展厅的“纵观非洲”主题。从2014 年6 月1 日到2015 年6 月30 日

EDO 王国(复数的比尼)或贝宁旧王国将成为西非最重要的社会之一。受到Ife 的艺术

影响,他们从十三世纪到现在都在做宫廷艺术品,是他们在十六世纪到十七世纪之间的黄金

时代。

在这个展览中,我们可以享受19 世纪到20 世纪由木头制成的面具,并保留了多彩的遗

骸。另一方面,无与伦比的豹纹胸襟采用金属制成,其历史可以追溯到18 世纪,用青铜制

成,在那里我们可以观察到EDO 达到的完美技术。

EDO,位于尼日利亚南部,位于尼日尔三角洲的沼泽地区,西与约鲁巴(他们将接受他

们的宗教信仰)接壤,西部与伊博或Jukun 接壤。

贝宁古代王国的原始人口称自己为EDO 人,并且称他们的语言为EDO 语。

我们知道,他们的起源是生活在原始部落,他们以木材和金属为基础来制作自己的艺术

生产品,他们发展了基于他们的祖先崇拜的万物有灵论,他们有可能为了纪念他们牺牲的奥

巴(国王)。

与西方人口的第一次接触发生在1472 年葡萄牙人的到来,建立了基于面料,胡椒,象

牙……和大量商品的重要商业关系。但随着法国人,荷兰人和英国人的到来,他的艺术品在

世界其他地方被发现。

在1897 年贝宁市被抢劫并从奥巴皇宫被没收了3000 多件物品之后,艺术开始具有独特

的重要性。

Pincha en el siguiente enlace para conocer un poco más esta interesante exposición:

Exposición “Luz de cera”

Os presentamos la interesante e impactante exposición “Luces de Cera”, donde encontraréis figuras de diversos tamaños y temáticas realizadas por la empresa también llamada “Luces de Cera”, la cual utiliza cera virgen para realizar su labor artesanal.

Situada en la Sala de San Ambrosio del Palacio de Santa Cruz (Reino de Oku) del Museo de Arte Africano Arellano Alonso, disfrutaréis visual pero también olfativamente debido al interesante olor que desprende este material.

Un mundo en el que aparecen duendes, ranas, flores o calaveras, realizados con una gran pericia técnica y delicadeza a base de modelados.

LIGHT OF WAX, Room of San Ambrosio in the Palace of Santa Cruz. From 5 to 19 May 2015

Click on the following link to learn more about this interesting exhibition:

“Wax Light” exhibition

We present to you the interesting and impressive exhibition “Wax Lights”, where you will find figures of different sizes and themes made by the company also called “Wax Lights”, which uses virgin wax to make its craftwork.

Located in the San Ambrosio Gallery of the Palace of Santa Cruz (Kingdom of Oku) of the Arellano Alonso Museum of African Art, you will enjoy both visually and aromatically due to the interesting smell of this material.

A world in which goblins, frogs, flowers or skulls appear, made with great technical expertise and delicacy based on modeling.

 


蜡烛灯。圣克鲁斯宫圣安布罗西奥展厅。2015 年5 月5 日至19 日

点击以下链接,了解有关这个有趣展览的更多信息:

“蜡烛灯”展览

我们为您呈现有趣且令人印象深刻的“蜡灯”展览,在那里您可以找到由公司制作的不

同尺寸和主题的图形,也称为“蜡灯”,它使用原生蜡来制作工艺品。

位于阿雷拉诺·阿隆索非洲艺术博物馆的圣克鲁斯宫(奥克王国)的圣安布罗西奥画廊,

由于这种材料的迷人气味,您将享受视觉和嗅觉带来的双重冲击。

这是一个以小精灵,青蛙,花朵或头骨为主题的世界,以精湛的技术和精美的造型为基

础。

Pincha en el siguiente enlace para ver nuestro video de la exposición:

Exposición Temporal África en Femenino

El día 8 de marzo se celebra el Día Mundial de la Mujer, por eso el Museo de Arte Africano Arellano Alonso os ofrece la posibilidad de conocer más de cerca la increíble cultura africana, pero esta vez, desde el punto de vista femenino. En esta exposición observaremos la variedad iconográfica femenina de los fondos de la Fundación Arellano Alonso, a través de maternidades, muñecas rituales, diosas o reinas. Uno de los ejemplos mas representativos es la “Maternidad Nomoli”.

La exposición se centra en las siguientes áreas museográficas. En el  Salón Rectores, donde nos muestran algunas de las obras que duermen de manera habitual en nuestro almacén, por no estar expuestas de manera permanente al público o bien el resto, que a través de la Sala Renacimiento y la Sala San Ambrosio se indicarán en cada pieza, qué esculturas representan a la mujer en África. Algunos ejemplos representativos son nuestra Mami Wata o las figuras antropomorfas de iniciación Paré.


FEMALE AFRICA. Arellano Alonso Museum of African Art. 1 March to 3 May 2015

Click on the following link to see our video of the exhibition:

Temporary Exhibition Female Africa

The 8th of March is World Women’s Day, so the Arellano Alonso Museum of African Art offers you the chance to get to know the incredible African culture better, but this time, from a woman’s point of view. In this exhibition, we will observe the female iconographic variety of the Arellano Alonso Foundation’s collection, through maternities, ritual dolls, goddesses or queens. One of the most representative examples is the “Nomoli Maternity Hospital”.

The exhibition focuses on the following museum areas. In the Rectors’ Hall, where they show us some of the works that regularly sleep in our warehouse, as they are not permanently exhibited to the public or the rest, which through the Renaissance Hall and the Saint Ambrosio’s Hall will be indicated in each piece, which sculptures represent women in Africa. Some representative examples are our Mami Wata or the anthropomorphic figures of Paré initiation.

 


非洲女性。

阿雷拉诺·阿隆索非洲艺术博物馆。2015 年3 月1 日至5 月3 日

点击以下链接查看我们的展览视频:

非洲女性的临时展览

3 月8 日是世界妇女节,因此阿雷拉诺·阿隆索非洲艺术博物馆让您有机会更好地了解

非洲令人叹为观止的文化,但这一次,从女性的角度来看。在这个展览中,我们将通过

maternities,仪式娃娃,女神或女王,这些收藏在阿雷拉诺·阿隆索基金会的女性图像。其

中一个最具代表性的例子是“Nomoli 妇产医院”。

展览重点关注以下博物馆区域。在主展厅,他们向我们展示了我们收藏在仓库中这些沉

睡的一些作品,因为它们不会永久地向公众或其他人展示,通过文艺复兴展厅和圣安布罗西

奥展厅所展示的这些雕塑代表了非洲的女性。一些有代表性的例子是我们的Mami Wata 或

Paré萌生的拟人形象。

AUGA DOCE. CANDO A AUGA É ARTE.

Puedes visitar en el Museo Centro Gaiás de la Cidade de Cultura de Galicia, en Santiago de Compostela, la exposición “Agua dulce”. que ha sido concebida como una exposición multidisciplinar que nos invita a contemplar a través de la mirada prestada de los artistas y redescubrir la belleza infinita y universal del agua.

Pinturas, esculturas, fotografías, vídeos e instalación van de la mano de ingenios científicos, avances tecnológicos u objetos etnográficos. Un total de 700 obras que sumergirán al visitante en una intensa experiencia estética a través de grandes nombres de la creación contemporánea como David Hockney, Gerhard Richter, Mario Merz, Louise Bourgoise, Martín Chirino o Chema Madoz y de maestros clásicos de la talla de Piranesi, John Constable, Henry Lewis o Audubon.

Para esta muestra, la Fundación Arellano Alonso ha prestado tres terracotas africanas que por su temática están relacionadas con el agua. En concreto una escultura de una serpiente y una figura masculina, ambas de la cultura Djenné (Malí) y una jarra antropomorfa femenina de la cultura Mangbetu (República Democrática del Congo.

Más información: https://www.cidadedacultura.org/es/evento/auga-doce y en Twitter @CidadedaCultura


AUGA DOCE. CANDO A AUGA É ARTE. Museo Centro Gaiás de Santiago de Compostela from 21 March-14 September 2014

You can visit the exhibition “Agua dulce” at the Museo Centro Gaiás de la Cidade de Cultura de Galicia, in Santiago de Compostela, which has been conceived as a multidisciplinary exhibition that invites us to contemplate through the eyes of the artists and rediscover the infinite and universal beauty of water.

Paintings, sculptures, photographs, videos, and installation go together with scientific ingenuity, technological advances or ethnographic objects. A total of 700 works that will immerse the visitor in an intense aesthetic experience through great names of contemporary creation such as David Hockney, Gerhard Richter, Mario Merz, Louise Bourgoise, Martín Chirino or Chema Madoz and classic masters such as Piranesi, John Constable, Henry Lewis or Audubon.

For this exhibition, the Arellano Alonso Foundation has lent three African terracottas related to water. Specifically, a sculpture of a snake and a male figure, both from the Djenné culture (Mali) and a female anthropomorphic jug from the Mangbetu culture (Democratic Republic of Congo).

For further information:  https://www.cidadedacultura.org/es/evento/auga-doce or follow @CidadedaCultura in twitter

 


当水成为艺术。

2014 年3 月21 日至9 月14 日,圣地亚哥德孔波斯特拉市中心Gaiás 博物馆

 

您可以参观圣地亚哥德孔波斯特拉的加利西亚文化中心博物馆“Agua dulce”展览,该

展览被认为是一个多学科展览,使我们通过艺术家的眼睛思考并重新发现水之美。

绘画,雕塑,照片,视频和装置与科学的独创性,技术进步或人种学对象相结合。通过

大卫·霍克尼,格哈德·里希特,马里奥·梅尔兹,路易斯·布尔吉斯,马丁·奇里诺或切

玛·马多兹等经典大师以及皮拉内西,约翰·康斯特布尔,亨利刘易斯或奥杜邦等经典大师,

共有700 件作品将让参观者沉浸在审美体验中。

在这次展览中,阿雷拉诺·阿隆索基金会借给了三个与水有关的非洲赤陶收藏品。具体

来说,一个蛇和一个男性人物的雕塑,来自Djenné文化(马里)和来自Mangbetu 文化(刚

果民主共和国)的女性拟人水罐。

欲了解更多信息,请访问:https://www.cidadedacultura.org/es/evento/auga-doce 或在

Twitter 上关注@CidadedaCultura

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La Fundación Arellano Alonso de la Universidad de Valladolid, se dedica especialmente, desde el año 2009, a la conservación, exhibición y difusión del arte africano. Sin embargo, en nuestros fondos contamos con otras colecciones muy diversas habitualmente no expuestas por falta de espacio. Gracias a la colaboración con instituciones o centros de otras ciudades esas obras se pueden dar a conocer. Y casualmente han coincidido en el tiempo la exhibición de éstas en dos ciudades de Galicia: Lugo y  Santiago de Compostela.

969876_751092628257469_1234453222_nEl Museo Provincial de Lugo acoge  desde el 19 de marzo hasta el 30 de mayo, la exposición “Lo cotidiano en el arte contemporáneo”. Comisariada por Mª Teresa Alario, la muestra recoge parte de los fondos de arte contemporáneo de la Fundación, compuestos por pinturas y esculturas realizados por algunos de los grandes nombres de las vanguardias españolas del siglo XX, como: Picasso, Miró, Daniel Vázquez Díaz, Eduardo Chillida, Saura, Manolo Millares, Rafael Canogar, Pablo Palazuelo, Adolfo Schlosser, Esteban Vicente o Moisés Villélia. Destacan además un conjunto de artistas que se sitúan en el tránsito del siglo XX al siglo XXI, muchas de ellas mujeres, como Carmen Calvo, Teresa Lanceta, Mar Solís, Esther Pizarro, Blanca Muñoz o Marina Núñez, junto a Dis Berlin, David Israel e Isidro Blasco.

1957807_751092504924148_264935130_oLas posibilidades de lectura de esta colección son muchas, pero se ha elegido como eje narrativo la presencia de lo cotidiano en el arte contemporáneo. Objetos que nos rodean habitualmente: desde los tangibles (como son objetos o materiales) a los intangibles (sensaciones o sentimientos) que nos son tan familiares.

Desmontaje O cotidian

IMG_9479————————————————————————————–

O COTIDIAN NA ARTE CONTEMPORANEA.

Lugo, from 19 March to 30 May 2014

Since 2009, the Arellano Alonso Foundation of the University of Valladolid has been especially dedicated to the conservation, exhibition and dissemination of African art. However, in our collections we have other very diverse collections that are not usually exhibited due to lack of space. Thanks to the collaboration with institutions or centers in other cities, these works can be made known. And coincidentally they have coincided in time the exhibition of these in two cities of Galicia: Lugo and Santiago de Compostela.

From the 19th of March to the 30th of May, the Provincial Museum of Lugo is hosting the exhibition “The everyday in contemporary art”. Curated by Mª Teresa Alario, the exhibition includes part of the Foundation’s contemporary art collection, made up of paintings and sculptures by some of the great names of the Spanish avant-garde of the 20th century, such as: Picasso, Miró, Daniel Vázquez Díaz, Eduardo Chillida, Saura, Manolo Millares, Rafael Canogar, Pablo Palazuelo, Adolfo Schlosser, Esteban Vicente and Moisés Villélia. There is also a group of artists that stand out in the transition from the 20th to the 21st century, many of them women, such as Carmen Calvo, Teresa Lanceta, Mar Solís, Esther Pizarro, Blanca Muñoz and Marina Núñez, along with Dis Berlin, David Israel, and Isidro Blasco.

The possibilities of reading this collection are many, but the presence of the everyday in contemporary art has been chosen as the narrative axis. Objects that usually surround us: from the tangible ones (such as objects or materials) to the intangible ones (sensations or feelings) that are so familiar to us.

 


或COTIDIANO NA 当代艺术。卢戈,2014 年3 月19 日至5 月30 日

卢戈,2014 年3 月19 日至5 月30 日

自2009 年以来,巴利亚多利德大学的阿雷拉诺·阿隆索基金会一直致力于非洲艺术的

保护,展览和传播。然而,在我们的系列中,我们还有其他非常多样化的系列,由于空间不

足通常不会展出。由于与其他城市的机构或中心合作,这些作品可以在那里被展览。巧合的

是,他们恰好在加利西亚的两个城市展出了这些展览:卢戈和圣地亚哥德孔波斯特拉。

从3 月19 日到5 月30 日,卢戈省博物馆举办了“当代艺术的日常生活”展览。该展览

由MªTeresaAlario 策划,包括基金会当代艺术收藏品的一部分,由20 世纪西班牙先锋派的

一些伟大名人的绘画和雕塑组成,如:毕加索,米罗,丹尼尔·巴斯克斯·迪亚兹,Eduardo

Chillida,Saura,Manolo Millares,Rafael Canogar,Pablo Palazuelo,Adolfo Schlosser,Esteban

Vicente 和MoisésVillélia。还有一群艺术家在20 世纪到21 世纪的过渡中脱颖而出,其中许

多是女性,如Carmen Calvo ,Teresa Lanceta,MarSolís,Esther Pizarro,BlancaMuñoz 和

MarinaNúñez,以及Dis Berlin ,大卫以色列和伊西德罗布拉斯科。

阅读这个系列的可能性很多,但是当代艺术中每天的存在被选为叙事轴。通常围绕着我

们的物体:从有形的物体(如物体或物质)到我们非常熟悉的无形物体(感觉或感觉)。

Folleto exposición "Lo cotidiano en el arte contemporáneo"

Folleto Lo cotidiano en el arte contemporáneo 2

La Casa Junco de Palencia acogerá la exposición “Lo cotidiano en el arte contemporáneo” desde el día 22 de noviembre hasta el 24 de enero.

En esta exposición se podrán disfrutar obras pertenecientes a la coleccón de arte contemporáneo de la Fundación. Os dejamos el tríptico elaborado por Mª Teresa Alario,  comisaria de la exposición y patrona de la Fundación Alberto Jiménez-Arellano Alonso.

Lo cotidiano 1

 

Lo cotidiano 2—————————————————————————————————————-

THE EVERYDAY IN CONTEMPORARY ART. Palencia, from March 19 to May 30, 2014

The Casa Junco in Palencia will host the exhibition “The everyday in contemporary art” from 22nd November to 24th January.

In this exhibition you can enjoy works from the Foundation’s contemporary art collection. Here is the triptych by Mª Teresa Alario, curator of the exhibition and patron of the Alberto Jiménez-Arellano Alonso Foundation.

 


当代艺术的日常生活。

帕伦西亚,2014 年3 月19 日至5 月30 日

帕伦西亚的Casa Junco 将于11 月22 日至1 月24 日举办“当代艺术的日常生活”展览。

在这个展览中,您可以欣赏基金会当代艺术收藏品的作品。以下是MªTeresaAlario 的

三联画,该展览的策展人和AlbertoJiménez-Arellano Alonso 基金会的赞助