El apartado "Histórico" recopila las exposiciones que se han realizado durante estos años por parte de la Fundación. De esta manera podemos conocer el gran número de muestras de nuestros fondos y su variada colección.

Gam Tepeyac nos presenta la exposición Batiks de Mozambique, una exclusiva, original, étnica y muy vistosa muestra de estas fantásticas telas que la asociación ha ido recopilando a lo largo de los años, después de todo su trabajo de colaboración y actuación humanitaria en este país africano, basado en el voluntariado y sensibilización social, así como labores de Cooperación al Desarrollo

Pero…¿qué es un Batik? Podemos definir a este objeto que proviene de la palabra malaya “ambatik” (tela de gotas), como una tela de algodón de vistosos colores pintada a mano utilizando tintes naturales.

¿Cuál es su técnica? La labor del teñido es muy elaborada, siendo un proceso que necesita tiempo y dedicación, dando como resultado un trabajo de gran calidad. Se basa en el uso de cera de abeja en una proporción del 30% y parafina en un 70%, para aplicar caliente sobre la tela en aquellos sitios que se quieren pintar. Después de la aplicación de la cera es cuando se tiñe el tejido y una vez seco se repiten los pasos anteriores, es decir, se tapa con la cera los colores a conservar ya que el resto del tejido seguirá recogiendo color del tinte que se aplique.

¿Qué representa? Las pinturas originales del Batik representan una forma de arte popular animada, que expresa, a través de colores deslumbrantes, escenas de la vida cotidiana de los mozambiqueños, donde se introducen bailes, música, pero también labores de trabajo, como machacar el grano, sacar agua de los pozos, realizar o transportar la comida o incluso una escena de escuela. Por lo tanto las figuras humanas son imprescindibles, las cuales son negras finas siluetas alargadas, sin rostro pero llenas de dinamismo como los objetos utilizados en su día a día y de las arquitecturas tradicionales típicas del país, realizadas a base de madera, bambú y techumbres cónicas a base de paja que protegen de las inclemencias climáticas. No podemos olvidar a los animales que conviven con la población, entre los que se encuentran jirafas o cebras.

El gran dinamismo se da en todas las escenas y con una gama cromática centrada tanto en colores cálidos como anarajados, rojos, pero sin olvidar tonalidades frías como azules o verdes.

Aunque no hay perspectiva y no existen los fondos para centrar de esta manera la atención en la acción representada, se incluyen finas líneas que dan un mayor sentido estético.

Si quieres saber mas, contactar o ser voluntario de la Asociación de Gam Tepeyac, su sede esta en la Plaza de la Universidad 7, Esc. D, 6º P-Q – 47003 Valladolid. El teléfono es el 983440074 y el correo electrónico es el gam@uva.es . Web: www.gamtepeyac.es

Del 10 de julio al 9 de septiembre de 2018

Horario: De martes a sábado de 11 a 14 h y de 16:30 a 20 h

                   Domingo: 11 a 14 h

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Gam Tepeyac presents the exhibition Batiks of Mozambique, an exclusive, original, ethnic and eye-catching of these wonderful fabrics that the organization has collected through the years, after all its collaborative venture and humanitarian performance in this African country, based in voluntary work and social awareness, as well as Development Cooperation work.

But first of all… what’s a Batik? We may define this object that comes from the Malayan word “ambatik” (cloth of drops), as a cotton cloth of vibrant colors hand-painted using natural dyes.

Which is its technique? The task of the dyeing is very sophisticated, as this process needs time and dedication, resulting in pieces of great quality. It is based in the use of bee wax, in a 30%, and paraffin, in a 70%, it is applied hot all over the cloth in those places that want to be painted. After the wax has been applied the cloth is dyed and once it is dry the previous steps are repeated, that is to say, the colors to be preserved are covered with wax, as the rest of the fabric will continue to collect the color of the dye applied.

What does it represent? The original Batik paintings represent a form of popular art animated, that expresses, through dazzling colors, Mozambican everyday scenes, where dances, music, but also work tasks, such as smashing grain, drawing water from wells, making or transporting food or even a scene in a school are introduced. Therefore, human figures are essential, they are black slim elongated silhouettes, faceless but full of dynamism as the objects used in their everyday life and in the typical traditional architecture of the country, made out of wood, bamboo and cone-shaped roofing of straw that protect from inclement weather. We have to keep in mind the animals that live together with this community, among them, we find giraffes and zebras.

There is plenty of dynamism in all the scenes with a color range focused on warm colors such as orange, red, but without forgetting cooler tones such as blue or green.

Although there is no perspective and there are no backgrounds where to focus attention on the represented action, fine lines that add a greater aesthetic sense are included.

For further information, contact or becoming a volunteer at the ONG Gam Tepeyac, its office is located in Plaza de la Universidad 7, Esc. D, 6º P-Q – 47003 Valladolid. The telephone is 983440074 and the e-mail gam@uva.es . Web: www.gamtepeyac.es

From 10th of July to 9th of September of 2018

Schedule: From Tuesday to Saturday from 11 am to 2 pm and from 4:30 pm to 8 pm

Sunday: from 11am to 2pm

Las dos figuras que se encuentran en las vitrinas “Miradas sobre África” son Fetiches africanos. En el contexto africano, la palabra fetiche fue designada en primer lugar por los portugueses y hace referencia a todos aquellos objetos o esculturas que tienen una utilidad relacionada con la magia, la superstición y las creencias religiosas.

A los objetos en sí no se les atribuye el valor, sino que son los hechiceros o sacerdotes quienes ejercen su poder a través de ellos. El fetiche es el soporte material mediante en el que se vuelca la energía a través de ritos y sustancias.

Por lo general los fetiches tienen formas antropomorfas (humanas) y en algunas ocasiones zoomorfas (animales). Para ejercer la magia simbólica, los fetiches se componen con sustancias vegetales, minerales o animales (cuernos, piel, hojas, cortezas, conchas…) a los que se les atribuyen poderes mágicos o sobrenaturales. Dentro de los fetiches se pueden encontrar elementos que contienen este poder.

La función de los fetiches es la protección de las personas, familias o sociedades frente a los malos espíritus o las adversidades. Aunque también pueden estar destinados a la magia negra.

Máscara fetiche Dan

Costa de Marfil

Principios S. XX

La cultura Dan es una de las culturas que coexisten en Costa de Marfil junto a otras como la cultura Akan, senufo, Baoulé, Akye, Anye o Aowin. Estas culturas mantienen su lengua y su tradiciones hoy en día. Los Dan se rigen por un consejo de ancianos en los que máscaras como esta participan del poder de la “gran” máscara que danza en las ceremonias públicas. Las máscaras fetiche Dan también son conocidas como máscaras pasaporte, ya que por su reducido tamaño pueden ser llevadas ocultas durante los viajes.

Fetiche Jano

República Democrática del Congo

Mediados S. XX

También se le denomina como Nkissi. Normalmente este tipo de figuras o fetiches tienen dos caras, una en la parte delantera y otra en la parte trasera, tienen una función protectora y adquieren esta fuerza a través de las sustancias extraídas de la naturaleza que llevan en su interior. Estas figuras al ser protectoras no representan ni la fuerza maligna ni benigna, son orientadas por el especialista para conseguir el efecto deseado en la persona que las encarga.

Podéis disfrutarla a partir del 12 de enero de 2018 en horario de sala, es decir, de martes a sábado de 11 a 14 h y de 16:30 a 19:30 h; domingos de 11 a 14 h.

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In this section you will find those exhibitions that reveal the collection not shown in our museum, and which are on display with a determined durability. With them, you will be able to enjoy unique moments, increasing your knowledge and curiosity about African art.The two figures exhibited in the cabinets “Glimpses over Africa” are African fetishes. In the African context, the concept fetish was designated first by the Portuguese and refers to those objects or sculptures that have a utility related to magic, superstition, and religious beliefs.

The objects themselves have not attributed the value, but are the sorcerers or priests who exercise their power through them. The fetish is the material support through which the energy is poured through rites and substances.

In general, fetishes are anthropomorphic (human) and sometimes zoomorphic (animal). To wield this symbolic magic, the fetishes are formed by plant, mineral or animal substances (horns, fur, leaves, tree barks, seashells…) that are attributed magical or supernatural powers. Within fetishes, we can find elements that contain this power.

The function of the fetishes is to protect people, families or societies against bad spirits or adversities. Although they can also be aimed for black magic.

Fetish mask Dan

Ivory Coast

Beginning XX century

Dan is one of the cultures that coexist in Ivory Coast together with others such as Akan, Senufo, Akye, Anye or Aowin cultures.These cultures keep their languages and traditions nowadays. Dan people are governed by a council of elders in which masks like this participate in the power of the “great” mask that dances in public ceremonies. Dan fetish masks are known as passport masks, because of the small size they can be carried hidden during the journeys.

Fetish Jano

Democratic Republic of the Congo

Middle XX c.Also called Nkissi. Usually, this kind of figures or fetishes have two faces, one in the front part and other in the back part, they have a protective role and they acquire this strength through the substances extracted from nature that they carry inside. These figures to be protective represent neither malignant nor benign force, are oriented by the specialist to get the desired effect on the person who orders them.

You can enjoy it from January 12, 2018, in room hours, that is, from Tuesday to Saturday from 11 am to 2 pm and from 4:30 pm to 7:30 pm; Sundays from 11 a.m. to 2 p.m.

Juliette Brinkmann vive y trabaja desde hace diez años en Sao Vicente de Mindelo (Cabo Verde). Con su cámara apunta a focos sociales, tomando a las personas como motivo principal.

Desde 2012, su fotografía se concentra e retratar la escena de homosexuales y transexuales, aunque los primeros trabajos se remontan a la movida alternativa berlinesa de los años 90.

Su exposición Musas de Cabo Verde, se compone de una serie de fotografías, en blanco y negro, de varias de las participantes en la primera marcha del Orgullo de África, celebrada en Cabo Verde en 2013, con el objetivo de llamar la atención sobre la igualdad de derechos.

“Me he centrado en su belleza individual, la cual se enfrenta al contexto de la propia vida, marcado por las circunstancias sociales adversas”. Hay que tener en cuenta que en Cabo Verde es una referencia en África por su estabilidad, democracia y crecimiento.

Sin embargo, sufre problemas sociales como la falta de educación, el sida, la prostitución forzada, el paro y la drogadicción. Brinkmann muestra en sus fotos este otro lado del desarrollo y el bienestar.

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In this section you will find those exhibitions that reveal the collection not shown in our museum, and which are on display with a determined durability. With them, you will be able to enjoy unique moments, increasing your knowledge and curiosity about African art.

Juliette Brinkmann has lived and worked for ten years in Sao Vicente Mindelo (Cabo Verde). With her camera she points social spots, taking people as the central subject.

Since 2012, her photography is focused in portraying the scenery of homosexuals and transsexuals, although her first works date back to 90s Berlin’s Rave Era.Her exposition Muses of Cabo Verde is formed by a set of photographs, in black and white, of several participants in the first parade of Pride of Africa, held in Cabo Verde in 2013,  with the purpose of calling the attention on equal rights.

“I’ve focused on their individual beauty, which faces the context of life itself, marked by adverse social circumstances”. We have to bear in mind that Cabo Verde is a reference in Africa because of its stability, democracy, and growth.

However, it suffers from social issues such as lack of education, AIDS, forced prostitution, unemployment and drug abuse. Brinkmann shows in her pictures this other side of development and welfare.

Nuestras reproducciones han vuelto a viajar a Cabezón de Pisuerga. Ya se asentaron en el Bodegón El Ciervo y en el Monasterio de Santa María de Palazuelos. En esta ocasión ha ido otra vez acompañadas de las figuras vacceas del ceramista Carlos Jimeno, el cual posee su taller de creación en dicho lugar.


Además la gran novedad ha sido llevar una máscara original del Reino de Oku de Camerún, para que todos los habitantes de la localidad pudieran disfrutar de este tipo de arte sin salir de casa.

Al acto de inauguración acudieron Amelia Aguado Álvarez como directora del museo, Arturo Fernández como alcalde de Cabezón de Pisuerga, Carlos Jimeno Velasco como artista a la vez que comisario, así como Cristina Bayo Fernández como comisaria de la exposición.

¡Muchas gracias¡


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Allowed to touch, forced to feel. Cultural Centre of Cabezón de Pisuerga. April 19-29, 2018.

Our reproductions have returned to Cabezón de Pisuerga. They have already settled in Bodegón El Ciervo and Monastery of Santa María de Palazuelos. On this occasion, she has been accompanied again by the Vaccea figures of the ceramist Carlos Jimeno, who has his workshop of creation in this place.

In addition, the great novelty has been to wear an original mask of the Kingdom of Oku of Cameroon, so that all the inhabitants of the town could enjoy this type of art without leaving home.

The inauguration ceremony was attended by Amelia Aguado Álvarez as director of the museum, Arturo Fernández as mayor of Cabezón de Pisuerga, Carlos Jimeno Velasco as artist and curator, and Cristina Bayo Fernández as curator of the exhibition.

Thank you very much!

Desde el 24 de abril hasta el 3 de junio, podrá visitarse en nuestras salas una nueva exposición temporal.

Comisariada por Juan José Santos, la muestra AIETHOPIA está compuesta por tres cuadros de Blanca Gracia, junto con Mitos de Cthuluceno, serie fotográfica en postales de Adrien Missika. Este grupo de obras se expondrán en el Salón de Rectores y la Sala Renacimiento. Pero además, en la Sala de San Ambrosio, podrá disfrutarse de varias creaciones audiovisuales, realizadas por Andrés Pachón, Vasco Aráujo, Pilar Quinteros, Gerald Machona, Sanford Biggers, Terence Nance y Sun Ra.

AIETHOPIA es una designación imaginaria, una región inventada que dialoga con la colección permanente del Museo de Arte Africano Arellano Alonso de la UVa. Uniendo el lenguaje y la metodología provenientes de la paleontología, la antropología y la etnografía, así como los viajes de exploradores y el folclore popular, esta exposición pretende trazar un paralelo mágico, ritualístico y ficcionado con respecto a las obras que se exponen de la colección del Museo.

El objetivo es poner en diálogo obras de arte contemporáneo con las piezas tradicionales de África subsahariana, reactivando y disponiendo de nuevas formas de acercarse al acervo del arte africano, de manera creativa, novedosa y original. Captando nuevas audiencias y ofreciendo una relectura al visitante conocedor de la colección. Se plantea por tanto una lectura distinta, enriquecedora y refrescante, además de permitir una atención mediática de un alcance puntual.

El horario de visita el mismo que el de la colección permanente: de martes a sábados, de 11 a 14 h y de 16,30 a 19,30 horas; domingos de 11 a 14 horas.

Entrada libre y gratuita.

#PrimaveraAfricana

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AIETHOPIA. From 24 April to 3 June 2018

From April 24th to June 3rd, a new temporary exhibition will be open in our halls.

Curated by Juan José Santos, the exhibition AIETHOPIA consists of three paintings by Blanca Gracia, along with Myths of Cthuluceno, a photographic series on postcards by Adrien Missika. This group of works will be exhibited in the Rectors’ Hall and the Renaissance Hall. But in addition, in San Ambrosio’s Hall, you can enjoy several audiovisual creations by Andrés Pachón, Vasco Aráujo, Pilar Quinteros, Gerald Machona, Sanford Biggers, Terence Nance and Sun Ra.

AIETHOPIA is an imaginary designation, an invented region that dialogues with the permanent collection of the Arellano Alonso Museum of African Art at UVa. Bringing together the language and methodology of paleontology, anthropology, and ethnography, as well as the journeys of explorers and popular folklore, this exhibition aims to draw a magical, ritualistic and fictional parallel to the works on display in the Museum’s collection.

The aim is to bring contemporary works of art into dialogue with the traditional pieces of sub-Saharan Africa, reviving and providing new ways of approaching the heritage of African art in a creative, innovative and original way. Capturing new audiences and offering a re-reading to the knowledgeable visitor of the collection. Therefore, a different, enriching and refreshing reading are proposed, in addition to allowing a media attention of a punctual scope.

Visiting hours are the same as for the permanent collection: from Tuesday to Saturday, from 11 am to 2 pm and from 4.30 pm to 7.30 pm; Sundays from 11 am to 2 pm.

Admission free of charge.

#AfricanSpring

Desde el 9 de marzo hasta el 3 de junio, la intervención Raíces ancestrales de Amaya Bombín, podrá visitarse en nuestras tres salas ubicadas en el palacio de Santa Cruz (Salón de Rectores, Sala Renacimiento y Sala de San Ambrosio).

Este proyecto, que forma parte de la programación especial de la Fundación en torno al Dia Internacional de la Mujer, consta de varias instalaciones site-specific en las que la artista utiliza materiales sencillos muy característicos de la provincia de Valladolid y de sus paisajes: piedras y sarmientos. A ellos se suman los hilos de color rojo que unifican las obras y les dan un simbolismo especial, puesto que el rojo es el color que simboliza la madre tierra, lo terrenal, tanto en África (el eje de nuestra colección) como a nivel mundial. Todos estos elementos en sus obras intentan profundizar, echar raíces, buscarlas, encontrarlas y destaparlas.

En cuanto a las piedras, desde la Antigüedad, han sido un material que simboliza la permanencia, la unión a la tierra, la identificación con un lugar o consolidación de una identidad. Los hilos rojos a su vez, son símbolo de unión, de conexión entre personas y tradicionalmente vinculados a la tradición femenina.

Con la mezcla de materiales, la autora intenta enlazar tradición y modernidad, profundizando en la relación entre el hoy y la tradición africana donde la idea de continuidad de la vida, vinculada al poder reproductor de la mujer, está siempre presente.

El arte contemporáneo estra pues en nuestras salas y se mezcla con la tradición africana, generándose un interesante diálogo en el que surgen nuevas interpretaciones y significados para todas las piezas, y dan lugar a una manera diferente de ver las exposiciones permanentes de nuestras colecciones.

En cuanto a la artista, Amaya Bombín, nació en Valladolid en 1977. Se licenció en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca, especializándose en la Hertogenbosch Art School (Holanda). Además es Técnica Superior en Gráfica Publicitaria por la Escuela de Arte de Salamanca y ha trabajado en publicidad como directora de arte en Madrid y Lisboa. Ha participado en la Residencia de Artistas organizada por CreArt en Delft (Holanda) y ha obtenido importantes becas, la más reciente dentro de la convocatoria de las II Becas de Creación Artística de la Fundación Villalar-Castilla y León.

En la organización de esta exposición ha sido fundamental la colaboración de la Concejalía de Educación, Infancia e Igualdad del Ayuntamiento de Valladolid.

Actividad incluida en el programa de la Bienal Miradas de Mujeres 2018 organizada por MAV (Mujeres en las artes visuales).

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Ancestral Roots of Amaya Bombín.

From March 9 to June 3, 2018

From March 9 to June 3, Amaya Bombín’s Ancestral Roots intervention can be visited in our three rooms located in the palace of Santa Cruz (Rectors’ Hall, Renaissance Hall and San Ambrosio’s Hall).

This project, which forms part of the Foundation’s special program around International Women’s Day, features several site-specific installations in which the artist uses simple materials very characteristic of the province of Valladolid and its landscapes: stones and vine shoots. They are joined by the red threads that unify the works and give them a special symbolism, since red is the color that symbolizes mother earth, the earthly, both in Africa (the axis of our collection) and worldwide. All these elements in his works try to deepen, take root, look for them, find them and uncover them.

As for the stones, since Antiquity, they have been a material that symbolizes permanence, union with the earth, identification with a place or consolidation of an identity. The red threads in turn, are a symbol of union, of connection between people and traditionally linked to the female tradition.

With the mixture of materials, the author tries to link tradition and modernity, deepening the relationship between today and the African tradition where the idea of continuity of life, linked to the reproductive power of women, is always present.

Contemporary art is therefore in our rooms and blends with the African tradition, generating an interesting dialogue in which new interpretations and meanings emerge for all the pieces, and give rise to a different way of seeing the permanent exhibitions of our collections.

As for the artist, Amaya Bombín, was born in Valladolid in 1977. She graduated in Fine Arts from the University of Salamanca, specializing in the Hertogenbosch Art School (Holland). She is also a Higher Technician in Advertising Graphics from the Art School of Salamanca and has worked in advertising as an art director in Madrid and Lisbon. She has participated in the Artist Residence organized by CreArt in Delft (Holland) and has obtained important scholarships, the most recent of which is part of the II Artistic Creation Scholarships of the Fundación Villalar-Castilla y León.

The collaboration of the Department of Education, Childhood and Equality of the Valladolid City Council has been fundamental in the organization of this exhibition.

Activity included in the program of the Biennial Women’s Views 2018 organized by MAV (Women in the Visual Arts)

La galería superior de la sala de San Ambrosio el palacio de Santa Cruz acoge la primera exposición pública del proyecto fotográfico LOCURAS/CORDURAS de la Fundación INTRAS.

El proyecto, iniciado en 2013, se ha convertido en una herramienta para luchar contra el estigma que afecta a las personas que sufren malestar psíquico. Consiste en realizar 4 fotografías a cada modelo voluntario, 3 en una pose previamente determinada (sentado, de brazos cruzados y con una pelota azul) y una cuarta en pose libre jugando con una regadera de color naranja. Todos los participantes van vestidos de color negro y el fondo es del mismo color. De esta manera las personas sólo se diferenciarán por aquello que constituye su singularidad: el rostro, el gesto, la forma de mirar, la sonrisa…, su individualidad. En el caso de la sesión realizada en la sala de San Ambrosio del palacio de Santa Cruz, coincidiendo con la celebración de la Noche de los Museos (el 20 de mayo de 2017), se escogió sin embargo un objeto africano, en relación con las colecciones que se exhiben habitualmente en la Colección de Arte Africano Arellano Alonso de la UVa.

Tres son los fotógrafos que, de manera desinteresada, han colaborado a lo largo de estos años: Gaetano Pappalardo, quien realizó las primeras fotos, siendo retomado el trabajo por Daniel González Rojo (preparador laboral del Centro de Día de Toro de Fundación INTRAS) y Eva Iglesias Vázquez (responsable del Departamento de Comunicación de Fundación INTRAS).

La exposición de algunas de las fotografías realizadas podrá visitarse en la galería superior de la Sala de San Ambrosio del palacio de Santa Cruz desde el jueves 1 de febrero hasta el domingo 1 de abril.

Horario: de martes a sábados, de 11 a 14 h y de 16:30 a 19:30 horas; domingos de 11 a 14 h.


Follies/Sanities. San Ambrosio’s Gallery. 1st February, to 1st April 2018

The upper gallery of the San Ambrosio hall in the Santa Cruz palace hosts the first public exhibition of the photographic project FOLLIES/SANITIES of the INTRAS Foundation.

The project, launched in 2013, has become a tool to combat stigma against people suffering from mental illness. It consists of taking 4 photographs of each volunteer model, 3 in a previously determined pose (sitting, arms crossed and with a blue ball) and a fourth in a free pose playing with an orange watering can. All participants are dressed in black and the background is the same color. In this way, people will only be differentiated by what constitutes their uniqueness: their face, their gesture, their way of looking, their smile…, their individuality. In the case of the session held in the San Ambrosio room of the Santa Cruz Palace, coinciding with the celebration of the Night of the Museums (May 20, 2017), an African object was chosen, however, in relation to the collections that are usually exhibited in the Arellano Alonso African Art Collection of the UVa.

There are three photographers who, in a disinterested way, have collaborated throughout these years: Gaetano Pappalardo, who took the first photos, being taken again the work by Daniel González Rojo (labor trainer of Centro de Día de Toro of INTRAS Foundation) and Eva Iglesias Vázquez (head of the Department of Communication of INTRAS Foundation).

The exhibition of some of the photographs taken will be on display in the upper gallery of San Ambrosio’s gallery in the Santa Cruz Palace from Thursday 1 February to Sunday 1 April.

Opening hours: Tuesday to Saturday, 11 am to 2 pm and 4.30 pm to 7.30 pm; Sunday, 11 am to 2 pm

El Grupo Bogolán Kasobane de Mali nació en 1978 en el I.N.A, el Instituto Nacional de Arte de Bamako, cuando los jóvenes estudiantes: Kandioura Coulibaly, Souleymane Goro, Baba Fallo Keita, Nené Thiam, Kletigui Dembelé y Boubacar Doumbia, se unieron para rescatar una técnica de pintura local al borde de la desaparición, utilizada desde antaño por las mujeres en las aldeas, con el fin de usarla por primera vez como técnica de expresión plástica para la creación de obras de arte contemporáneo.

Orgullosos de su cultura, aprendieron de sus maestras, para ello vivieron largo tiempo en las aldeas. Así fueron iniciados en los secretos de la técnica del “ate del barro” y de la simbología del lenguaje encriptado en los paños, que son auténticas pictografías o manuscritos hechos en tela.

En homenaje a sus madres, guardianas de la belleza, de la tradición y de la cohesión social, decidieron también obras de arte en grupo, por otra parte adoptando un lenguaje figurativo, para lanzar a la humanidad un mensaje artístico bajo el lema “Paz y Cultura”.

Sus obras se han expuesto en Francia, Japón y Estados Unidos.

Gracias a su intensa labor artística, investigadora y docente, el bogolan es una asignatura oficial en el I.N.A. y muchos jóvenes han aprendido en el Atelier Ndomo de Segou. Hoy Mali es “el pais del Bogolan”.

La exposición esta comisariada por la artista Irene López de Castro.


Bogolan Kasobane Group. The art of mud from Mali. 10 October to 10 December 2017. Rectors’ Hall and Ethnographic Gallery

The Bogolán Kasobane Group from Mali was born in 1978 at the N.A.I., the National Art Institute of Bamako, when young students: Kandioura Coulibaly, Souleymane Goro, Baba Fallo Keita, Nené Thiam, Kletigui Dembelé and Boubacar Doumbia, came together to rescue a local painting technique on the verge of disappearance, used since ancient times by women in the villages, in order to use it for the first time as a technique of plastic expression for the creation of contemporary works of art.

Proud of their culture, they learned from their teachers and lived in the villages for a long time. Thus they were initiated into the secrets of the technique of the “art of clay” and the symbolism of the language encrypted in the cloths, which are authentic pictographs or manuscripts made of cloth.

In homage to their mothers, guardians of beauty, tradition and social cohesion, they also decided to create works of art in groups, adopting a figurative language, in order to send out an artistic message to humanity under the motto “Peace and Culture”.

His works have been exhibited in France, Japan and the United States.

Thanks to his intense artistic, research and teaching work, bogolan is an official subject at the N.A.I. and many young people have learned at the Atelier Ndomo de Segou. Today Mali is “the country of the Bogolan”.

The exhibition is curated by the artist Irene López de Castro

El Museo de Arte Africano Arellano Alonso de la Universidad de Valladolid, posee entre sus fondos africanos una colección abundante e interesantísima de Tablas Coránicas o Al Luha, y es que también en los países africanos se desarrolló ese método de enseñanza del Islam, entre ellos Nigeria, como la muestra que vemos a continuación.

Dicho aprendizaje se produce en las madrasas, escuelas religiosas islámicas, donde se difunden los valores religiosos, sociales, morales y culturales islámicos, y a los que acuden personas de todas las edades, tanto niños para aprender la doctrina como adultos que optan incluso al oficio de imán. A veces pueden funcionar como internados donde los pequeños sin recursos viven y toman sus clases.

La copia, recitación y memorización del Corán y los Suras, en árabe, será clave para entender la utilidad de estas tablas, ya que el texto sagrado, una vez estudiado pasará al siguiente, borrando la tinta y escribiendo, con un cálamo, el siguiente apartado. Este método además sirve para que los mas pequeños aprendan a leer y escribir en África, siendo esta, la única formación académica que reciben en muchos casos.

La parte superior de las Al Luha, es un mango de madera recubierto de cuero que sirve tanto para su mejor traslado como para facilitar su escritura y estudio apoyando el brazo sobre él. Y la parte inferior de la tabla, de forma ovalada nos muestra como el aprendiz sentado con las piernas cruzadas coloca entre sus piernas la tabla.

Hay que apuntar que los orígenes de las madrasas se remontan a las estancias de las mezquitas donde se discutía sobre religión y donde el creyente buscaba consejo a los entonces denominados jeques. Este lugar fue disgregándose de la mezquita con el tiempo, llegado a su forma actual.

La más antigua arquitectura es la Madrasa de Qarawiyyin en Fez, fundada en el 859, y ya a finales del Período Abbasí con el visir Nizam al-Maluk que además fundará la primera academia superior o Nizamiyya, y creó un sistema de madrasas públicas en varias ciudades. La confirmación y forma definitiva vendrá con los mamelucos, llegando a los países africanos subsaharianos como Nigeria.

The Arellano Alonso African Art Museum of the University of Valladolid possesses, among its African collection, an abundant and very interesting set of Quranic Slabs or Al-Luha. That Islamic teaching method was also developed in African countries, such as Nigeria, the case we see below.

That learning process takes place in the madrassas, Islamic religious schools, where religious, social, moral and cultural Islamic values are spread. These schools are frequented by people of all ages, both children to learn the doctrine and adults that aim to be imams.

Copying, reciting and memorizing the Quran and the surahs, in Arabic, will be the key in order to understand the usefulness of these slabs, since the sacred text, once it has been studied, will be passed to the next person, erasing the ink and writing with a reed pen the next chapter. This method is also used to teach children to read and write in Africa, being this one, in many cases, the only academic formation that they are given.

The upper part of the Al Luha is a wooden handle covered with leather, which makes it easier foe students to move the slab and to study and write on it; thus, the users can rest their arms on it. The oval-shaped lower part of the slab shows how the apprentice, sat with his legs crossed, places the slab between them.

It has to be noted that the origin of the madrassas dates back to the rooms of mosques where people discussed about religion and where the believer sought advice from the sheik. Throughout the ages, this place became separated from the mosque, until it turned into what we know nowadays.

The most ancient architecture is the Qarawiyyin Madrassa in Fez, established in 859, at the end of the Abbasid period with the vizier Nizam al-Maluk, who will also found the first higher education institution or Nizamiyya. He also created a system of public madrassas in several cities. Its confirmation and definitive form will come by the hand of Mamluks, reaching Sub-Saharan African countries like Nigeria.

En el grupo Valladolid DIBUJA convergen ilustradores, pintores, acuarelistas, arquitectos y aficionados en general al Dibujo, esa maravillosa vía de expresión común a todos ellos que, en los últimos tiempos, está recobrando el protagonismo que merece.Valladolid DIBUJA viene realizando desde febrero de 2010 los llamados Sketchcrawl (Maratón de Dibujo), una convocatoria internacional que se realiza cuatro veces al año y simultáneamente en ciudades de todo el mundo y en la que los participantes dibujan “in situ”, a cubierto o al aire libre, capturando directamente en sus cuadernos lo que observan, compartiendo después los resultados en diversas redes sociales.

Los miembros del grupo han dibujado en las calles, cafés, museos, estaciones y cementerios de la ciudad, entre otros espacios. También en eventos como el Teatro de Calle, la Semana Santa, la Valladolid Motor Vintage o la Feria del Libro de Salamanca (en esa ocasión de la mano de la Agencia Pencil ).

Por esta razón, hemos inaugurado esta nuevo exposición “Valladolid DIBUJA en el museo” donde se exhiben los trabajos realizados en dos sesiones del 54 Sketchcrawl celebrado en Enero de 2017 en nuestra Sala de San Ambrosio (Reino de Oku de Camerún).

En los trabajos de pequeño y mediano formato tenemos los apuntes del natural tomados en las salas con medios de lo más diverso, grafito, tinta, acuarela, lápices color, etc…

En los papeles de formato grande vemos una propuesta que se lanzó posteriormente al grupo consistente en:

Realizar un autorretrato en blanco y negro de la mitad de su cara con grafito, carboncillo etc, para posteriormente pasar su autorretrato al compañero de al lado y éste completar la cabeza con una máscara extraída de lo observado en las salas o totalmente imaginaria y en color, fundamentalmente ceras.

A través de la exposición disfrutaréis de los diversos puntos de vista que cada artistas a realizado de nuestras máscaras.

Si queréis más información sobre el colectivo y la exposición podéis entrar también en los siguientes enlaces:

Blog del colectivo: http://valladoliddibuja.blogspot.com.es/

Facebook: https://www.facebook.com/groups/273429146089588/?ref=bookmarks

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The group Valladolid DIBUJA gathers illustrators, painters, watercolorists, architects and drawing amateurs, who practice that marvelous form of expression common to all of them, and which, lately, is recovering the prominence it deserves.

From February 2010, Valladolid DIBUJA has been participating in the named Sketchcrawl, an international invitation that takes place four times per year, and simultaneously in cities of every part of the world. The participants draw “in situ”, indoors or outdoors, directly capturing in their sketchbooks what they observe, sharing the results on diverse social media afterwards.

The group members have been drawing in the streets, cafés, museums, stations and cemeteries of the town, among other places, as well as in events, such as the Teatro de Calle, the Holy Week, the Valladolid Motor Vintage or the Book Fair of Salamanca –on that occasion by the hand of the Pencil Agency.

That is the reason why we have opened this new exhibition “Valladolid DIBUJA en el museo” (“Valladolid DRAWS in the museum”), where there are works made in two sessions of the 54 Sketchcrawl, which took place in January 2017 in our San Ambrosio room (Kingdom of Oku of Cameroon).

In the works of small and medium size, we have the sketches the artists drew in the rooms with diverse tools, like graphite, ink, watercolor, colored pencils, etc.

In the papers of large format we see a proposal that was subsequently made to the group consisting on: creating a self-portrait in black and white of the half of their face with graphite, charcoal, etc., before passing it to their mate sat next to them, who completed the head with a mask extracted from which they observed in the rooms or totally imaginary and in color -basically crayons.

Throughout the exhibition you will enjoy the different viewpoints that each of the artists has created from our masks.

For further information about the collective and the exhibition, click on the following links:

Collective’s blog: http://valladoliddibuja.blogspot.com.es/

Facebook: https://www.facebook.com/groups/273429146089588/?ref=bookmarks

Contact person:

Joaquín Aragón.   Urban Sketcher Spain’s correspondent in Valladolid

artejoaquin68@hotmail.com

Commissioner: Cristina Bayo. Arellano Alonso African Art Museum. UVa.

Please bear in mind the opening hours: from Tuesday to Saturday, from 11 am to 2 pm and from 4.30 pm to 8 pm.

Desde el 4 de mayo al 4 de junio se podrá visitar en la galería superior de la Sala de San Ambrosio, una nueva exposición temporal. En este caso se trata de una instalación fotográfica, titulada “Tic Tac”, y que está formada por fotografías realizadas por la joven lucense Alii Dark (Alicia Castro Oroza).

La instalación se enmarca dentro de un proyecto, coordinado por MªCarmen Amigorena, cuyo objetivo es que a través del arte y la creación, jóvenes de entre 17 y 18 años, encuentren alguna alternativa de futuro frente a la formación estrictamente académica que les reulta frustrante y ajena. Por ello, no sólo resulta interesante esta instalación por si misma, sino sobre todo por lo que hay detrás: un proceso de empoderamiento, investigación, debate, intercambio y crecimiento personal de los jóvenes.

En esta ocasión Alicia Castro nos presenta una propuesta relacionada con la reivindicación-denuncia de las dificultades a las que las mujeres se enfrentan cotidianamente. En concreto, la doble jornada de trabajo que sufren muchas: en el ámbito laboral y el doméstico.

“A menudo la mujer se encuentra en la situación de tener que lidiar con esposos o compañeros no dispuestos a asumir su parte, considerando que dicha labor corresponde a las féminas , lo que provoca desgaste , tensión, estrés y enfermedades psicosomáticas en muchas mujeres. Esto a la larga produce un deterioro de la relación de pareja llegando, no en pocos casos, a la violencia machista cuando la mujer comienza a reclamar justamente la necesidad de su colaboración”.

La exposición consta de 8 fotos a color que aluden a las 8 horas que conforman la jornada laborar remunerada, mostrando  a diversas mujeres desempeñando distintas profesiones en el ámbito social. Estas imágenes se contraponen con otras 8 fotos en blanco y negro que reflejaran a las mujeres anteriores realizando las labores domésticas, actividades que llevan desarrollando tradicionalmente y tan necesarias para la vida humana pero precisamente eso, su invisibilidad, es lo que lo caracteriza. Sin embargo la magnitud y responsabilidad de esta actividad es la que regula la vida cotidiana y permite que el mundo siga funcionando.

Las fotos se disponen  adoptando la forma de la esfera de un reloj, reflejando así que durante años las mujeres han estado en un laberinto sin salida, trabajando todos los días del año, sin horarios. Utilizar la simbología del número 12 (número compuesto) que representa unidad, orden, perfección, extrapolándola a hombres y mujeres, somos una sola especie, la humana, cada uno con nuestra individualidad pero en igualdad de derecho y con la misión de perpetuar y perfeccionar nuestra especie en el tiempo. Ese tiempo que se mide en minutos, horas y que forman nuestro pasado, presente pero también el futuro. Por su parte el numero 7 significa transformación, y esa transformación consiste en educar a las nuevas generaciones en la igualdad, esa es la salida al laberinto. El reloj además de ser un instrumento para medir el tiempo, tiene otras funciones como activar una señal en cierta hora específica, el sonido de esa alarma hoy, es el grito de cada mujer víctima de la violencia de género, representadas en ese marco cerrado con un reloj parado.

“Queremos que esa alarma de nuestro reloj deje de sonar, que despertemos juntos mujeres y hombres, que visualicemos el problema y se asumamos que es tiempo de cambiar y que la educación comience a jugar un papel más importante ya que es la herramienta de cambio en la medida que nos muestra otro modelo de convivencia basado en la equidad y la cooperación. De lo que hagamos hoy dependerá nuestro tiempo futuro”.

Recordad que la entrada es gratuita y que el horario de visita coincide con el del resto de salas.

  • Esta actividad se integra dentro del proyecto “Museos+Sociales”.

Tic-Tac. Even a clock can tell the time. 4 May to 4 June 2017. Gallery of the San Ambrosio’s Hall

From 4 May to 4 June, a new temporary exhibition can be visited in the upper gallery of the Sala de San Ambrosio. In this case, it is a photographic installation, entitled “Tic Tac”, which is made up of photographs taken by the young Lugo native Alii Dark (Alicia Castro Oroza).

The installation is part of a project, coordinated by Mª Carmen Amigorena, whose aim is that, through art and creation, young people between 17 and 18 years of age, find some future alternative to the strictly academic training that is frustrating and alien to them. Therefore, not only is this installation interesting in itself but above all for what lies behind it: a process of empowerment, research, debate, exchange and personal growth of young people.

On this occasion, Alicia Castro presents us with a proposal related to the vindication-denunciation of the difficulties that women face on a daily basis. In particular, the double working day that many women suffer: at work and at home.

“Women often find themselves in the situation of having to deal with husbands or partners unwilling to assume their share, considering that such work corresponds to women, which causes wear and tear, tension, stress and psychosomatic illnesses in many women. In the long run, this leads to a deterioration of the couple’s relationship, and in many cases to male violence when women begin to demand the need for their collaboration”.

The exhibition consists of 8 color photos that allude to the 8 hours that make up the paid workday, showing various women working in different professions in the social field. These images are contrasted with 8 other black and white photos that reflect the previous women doing the housework, activities that they have traditionally carried out and so necessary for human life, but it is precisely this, their invisibility, that characterizes them. However, the magnitude and responsibility of this activity is what regulates daily life and allows the world to continue to function.

The photos are arranged in the shape of a clock face, reflecting the fact that for years the women have been in a maze with no way out, working every day of the year, without schedules. To use the symbolism of the number 12 (composite number) that represents unity, order, perfection, extrapolating it to men and women, we are one species, the human species, each one with our individuality but in equality of right and with the mission of perpetuating and perfecting our species in time. That time that is measured in minutes, hours and that form our past, present but also the future. For its part, the number 7 means transformation, and that transformation consists of educating the new generations in equality, that is the way out of the labyrinth. In addition to being an instrument to measure time, the clock has other functions such as activating a signal at a specific time, the sound of that alarm today is the cry of every woman victim of gender violence, represented in that closed frame with a stopped clock.

“We want that alarm in our clock to stop ringing, that we wake up together women and men, that we visualize the problem and assume that it is time to change and that education begins to play a more important role since it is the tool for change insofar as it shows us another model of coexistence based on equity and cooperation. What we do today will determine our future time.

Remember that admission is free and that the visiting hours coincide with those of the other rooms.

This activity is part of the “Museums+Social” project.

De nuevo nuestras reproducciones viajan por nuestra provincia. Esta vez se dirigen al espectacular Monasterio de Santa María de Palazuelos (Cabezón de Pisuerga), uno de los principales monumentos cistercienses del siglo XII.

Pero las piezas no van solas, a nuestras habituales reproducciones hemos añadido dos obras nuevas:

  • “Recipiente funerario Qua”. Nigeria. Región de Calabar. Siglo X-XII.
  • “Arquero Han” de dicha dinastía china. 206 a.C.226 d.C.

De esta manera la familia crece. Ambas obras han sido realizadas por el ceramista vallisoletano Carlos Jimeno Velasco, el cual posee su taller en esta localidad.

Lo que se pretende con esta exposición es unir diferentes culturas de diferentes lugares del mundo pero que tienen un punto en común, la utilización de la terracota y la cerámica a lo largo de la Historia. De esta manera aparecerán reproducciones de culturas autóctonas como los vacceos, representaciones del continente africano y por último del asiático. Todo ello en un contenedor único, el propio monasterio cisterciense del siglo XII, una auténtica joya del Románico.

En el acto por el momento estarán presentes Amelia Aguado Álvarez como directora de la Fundación, Justino Díaz como director del Monasterio de Santa María de Palazuelos, Carlos Jimeno como artista creador de las reproducciones ademá de comisario y Cristina Bayo como comisaría. Estamos a la espera de saber si va a venir alguna institución mas como el gerente de la Ruta del Vino de Cigales o de la Diputación de Valladolid.


Allowed to touch, forced to feel. African art by the Jiménez-Arellano Foundation and ceramics by Carlos Jimeno in the Monastery of Santa Mª de Palazuelos. From 28 April to 24 May 2017

Once again our reproductions travel around our province. This time they go to the spectacular Monastery of Santa María de Palazuelos (Cabezón de Pisuerga), one of the main Cistercian monuments of the 12th century.

But the pieces do not go alone, to our usual reproductions we have added two new works:

“Qua Funeral Vessel.” Nigeria. Region of Calabar. X-XII Century.

“Han Archer” from that Chinese dynasty. 206 B.C.226 A.D.

In this way, the family grows. Both works have been made by the Valladolid ceramist Carlos Jimeno Velasco, who owns his workshop in this town.

The aim of this exhibition is to bring together different cultures from different parts of the world that have one thing in common: the use of terracotta and ceramics throughout history. In this way, reproductions of autochthonous cultures such as the Vacceos, representations of the African continent and finally of the Asian continent, will appear. All this in a single container, the 12th century Cistercian monastery itself, a true Romanesque jewel.

Amelia Aguado Álvarez as director of the Foundation, Justino Díaz as director of the Monastery of Santa María de Palazuelos, Carlos Jimeno as the artist who created the reproductions and Cristina Bayo as curator will be present at the event. We are waiting to know if any more institutions like the manager of the Cigales Wine Route or the Valladolid Provincial Council are coming.

La asociación universitaria Gam Tepeyac, el Museo de Arte Africano Arellano Alonso. Uva y el Vicerrectorado de Estudiantes y Extensión Universitaria de la misma presentan la exposición “Gam Tepeyac. 15 años en Mozambique”, en la Galería de San Ambrosio del Palacio de Santa Cruz.

Esta muestra celebra los mas de quince años de esta asociación dentro del ámbito de la Universidad de Valladolid, en la que se muestran a través de diversos paneles las obras sociales realizadas en Mozambique y una muestra de “capulanas” o telas utilizadas en la vida diaria del pueblo mozambiqueño donde el color y el simbolismo e historia que se unen en una sola tela.

Algunos ejemplos de sus actuaciones en el país africano son el apoyo alimenticio realizado en el Orfanato de San Roque en Matutuine (Maputo), el apoyo de personal sanitario del Hospital Central de Maputo, el apoyo a ancianos en el complejo de las Hermanitas de los Ancianos Desamparados, o finalmente la construcción o reconstrucción de edificios con fines sociales como el Centro Padre Usera de Mocuba. A todas estas actividades se unen la aportación de educación de adultos y niños.

Una exposición llena de solidaridad y colorido que no os podéis perder.


Gam Tepeyac. 15 years in Mozambique. Gallery of Art, Sala de San Ambrosio. From 15 February to 15 March 2017

The university association Gam Tepeyac, the Museum of African Art Arellano Alonso. Uva and the Vice-rectorate of Students and University Extension present the exhibition “Gam Tepeyac. 15 years in Mozambique”, at the Gallery of San Ambrosio in the Palace of Santa Cruz.

This exhibition celebrates more than fifteen years of this association within the scope of the University of Valladolid, in which the social works carried out in Mozambique and an exhibition of “capulanas” or canvases used in the daily life of the Mozambican people are shown through various panels where color and symbolism and history are united in a single canvas.

Some examples of their actions in the African country are the food support provided at the San Roque Orphanage in Matutuine (Maputo), the support of health personnel at the Maputo Central Hospital, the support for the elderly in the complex of the Little Sisters of the Homeless Elderly, or finally the construction or reconstruction of buildings for social purposes such as the Father Useera Centre in Mocuba. In addition to all these activities, there is the contribution of adult and children’s education.

An exhibition full of solidarity and color that you can’t miss.

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Después de meses de ilusionado esfuerzo, ya están en España los originales de “Don Quijote en el río Níger”, una exposición que recoge cerca de 70 obras de ilustradores del Sahel y que se expone por primera vez en nuestro país. Se trata de una iniciativa cultural de las embajadas de España en Guinea, Malí y Níger, desarrollada dentro del Programa ACERCA de capacitación para el desarrollo en el sector cultural de la AECID y con la colaboración de la Fundación Internacional y para Iberoamérica de Admistración y Políticas Públicas (FIIAPP). El público español puede ahora abordar la figura del hidalgo más universal a través de una mirada africana.

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La conmemoración del IV Centenario de la muerte de Miguel de Cervantes ha sido un hito fundamental de la acción cultural de España en el exterior durante el año 2016. Desde las embajadas de Guinea, Malí y Níger (tres países unidos por el río Níger), han participado de los actos ligados a esta efemérides con una singular inicitava  que, a partir de una metodología pluridisciplinar adaptada al entorno de África occidental y del Sahel, sirviese para apoyar las capacidades del sector cultural local al tiempo que se daba a conocer en esas latitudes la figura universal de don Quijote de la Mancha.

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Los formadores españoles Ángel Domingo (Pencil Ilustradores) y Aitor Sarabia (ilustrador) han impartido talleres en las tres capitales de los citados países, permitiendo a artistas africanos interpretar al hidalgo más célebre de la Historia a la luz de la iconografía local. Los creadores se han formado en una manera distinta de hacer ilustración, contando sus propias historias a través de las enseñanzas del Quijote, africanizando, a partir de su aprendizaje la obra cervantina, al ilustre caballero. Pero estos artistas (muchos profesionales, otros en formación, algunos aficionados), han podido percibir el compromiso de la acción cultural española en el exterior, ampliando así su curriculo y facilitando su proyección profesional.

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El corolario de dichos talleres son las obras reproducidas en un catálogo junto a exposiciones de las ilustraciones en las tres capitales africanas, aís como una exposición intinerante en España cuya primera parada es el Museo de Arte Africano Arellano Alonso de la Universidad de Valladolid.

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La exposición, comisariada por Ángel Domingo (Pencil Ilustradores), se ubica en la galería superior de la Sala de San Ambrosio (entreplanta del palacio de Santa Cruz). Podrá ser visitada desde el 17 de enero hasta el 12 de febrero de 2017.


Don Quixote on the Niger River. Gallery of Art, Sala de San Ambrosio. From 17 January to 12 February 2017

After months of enthusiastic effort, the originals of “Don Quixote on the River Niger” are already in Spain, an exhibition that brings together nearly 70 works by illustrators from the Sahel and which is being exhibited for the first time in our country. This is a cultural initiative of the Spanish embassies in Guinea, Mali and Niger, developed within the ACERCA Program for training for development in the cultural sector of the AECID and with the collaboration of the International and Latin American Foundation for Administration and Public Policy (ILAFAPP). The Spanish public can now approach the figure of the most universal nobleman through an African perspective.

The commemoration of the IV Centenary of the death of Miguel de Cervantes was a fundamental milestone in Spain’s cultural action abroad during 2016. The embassies of Guinea, Mali and Niger (three countries united by the Niger River) have participated in the events linked to this event with a unique initiative that, based on a multidisciplinary methodology adapted to the environment of West Africa and the Sahel, served to support the capacities of the local cultural sector while at the same time making the universal figure of Don Quixote de la Mancha known in those latitudes.

The Spanish trainers Ángel Domingo (Pencil Illustrators) and Aitor Sarabia (illustrator) have given workshops in the three capitals of these countries, allowing African artists to interpret the most famous nobleman in history in the light of local iconography. The creators have been trained in a different way of doing illustration, telling their own stories through the teachings of Don Quixote, Africanizing, from their apprenticeship, the work of Cervantes, the illustrious gentleman. But these artists (many professionals, others in training, some amateurs), have been able to perceive the commitment of Spanish cultural action abroad, thus expanding their curriculum and facilitating their professional projection.

The corollary of these workshops are the works reproduced in a catalog together with exhibitions of the illustrations in the three African capitals, country as a traveling exhibition in Spain whose first stop is the Museum of African Art Arellano Alonso of the University of Valladolid.

The exhibition, curated by Ángel Domingo (Pencil Illustrators), is located in the upper gallery of San Ambrosio’s hall (mezzanine floor of the Santa Cruz Palace). It may be visited from 17 January to 12 February 2017.

El colectivo Villa Riberole es un proyecto académico y se crea con el objetivo de comunicar valores cívicos a través del arte; despertar el interés y la curiosidad por la cultura desde la infancia, transmitir el respeto por la naturaleza y hacer una labor solidaria con los objetos que fuesen creados bajo estas premisas.

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Así nace Adopta un robot, los niños ayudan a los niños. En esta ocasión serán niños de entre 4 y 7 años que han trabajado con materiales reciclados; madera de palés rotos y madera de deriva, recuperada en las orillas de los ríos.

A ellas se les han propuesto cuatro temas: Adopta un robot, figuras fabricadas con tacos de madera de palés; juguemos al ajedrez, las piezas han sido fabricadas con madera de deriva; la libertad guiando al pueblo, se ha realizado una adaptación del cuadro de Delacroix con figuras de madera y, por último, el mundo marino; peces, animales fantásticos y corales hechos con trozos de árboles secos.

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En esta exposición se presenta al público el resultado de este trabajo. Los mas pequeños son los protagonistas de la sala, sus figuras elaboradas como juguetes, con el valor y el desparpajo de la infancia nos sirven para establecer un diálogo con las piezas que se encuentran en la sala y para jugar al teatro de la vida.

El relato será elaborado por cada visitante de la exposición engarzándolo con la tradición de la transmisión oral africana tan presente en la sala.

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Por último, nos gustaría hacer a estos niños no solo los protagonistas del museo, sino también los protagonistas de una labor solidaria encomiable; todas las figuras expuestas serán vendidas a 20 euros, un precio simbólico para su valor real. Todo el dinero recaudado será donado a Aldeas Infantiles. Con esto habremos conseguido que, adoptando un robot los niños ayuden a los niños.

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Adopt a robot. San Ambrosio Hall. From 12 January to 9 February 2017

The Villa Riberole collective is an academic project and was created with the aim of communicating civic values through art, awakening interest and curiosity for culture from childhood, transmitting respect for nature and working in solidarity with objects that were created under these premises.

That’s how Adopt a robot is born, children help children. This time it will be children between the ages of 4 and 7 who have worked with recycled materials; wood from broken pallets and driftwood, recovered from river banks.

Four themes have been proposed to them: Adopt a robot, figures made with wooden blocks from pallets; let’s play chess, the pieces have been made with driftwood; freedom guiding the people; an adaptation of Delacroix’s painting has been made with wooden figures and, finally, the marine world; fish, fantastic animals and corals made with pieces of dry trees.

In this exhibition, the result of this work is presented to the public. The little ones are the protagonists of the room, their figures elaborated as toys, with the courage and the boldness of childhood serve us to establish a dialogue with the pieces that are in the room and to play in the theater of life.

The story will be elaborated by each visitor to the exhibition and will be linked to the tradition of African oral transmission so present in the room.

Finally, we would like to make these children not only the protagonists of the museum but also the protagonists of a commendable work of solidarity; all the figures exhibited will be sold for 20 euros, a symbolic price for their real value. All the money raised will be donated to Children’s Villages. With this, we will have managed to get the children to help the children by adopting a robot.

Toda doctrina religiosa se sirve de ciertas frases “emblema” que activan el mecanismo de la fe. Que Dios te bendiga o Todas las cosas son posibles con Dios son ejemplos de mensajes directos al pensamiento del fiel. Sigmund Freud se refiere en su escrito Zur Psychopathologie des Alltagslebens al núcleo de la motivación religiosa como un elemento unido al complejo paterno y por tanto, a la protección. Podríamos decir que la necesidad religiosa tiene su cima en el desamparo.

En el África subsahariana la nueva conquista espiritual llevada a cabo en este siglo XXI, ha provocado que el veintidós por ciento de los cristianos se sitúe en este territorio. Dios es aquí la gran esperanza. La extensa cantera de fieles trabajan para Dios igual que sus antepasados trabajaron para el hombre blanco. Es el gran recurso del desgastado Occidente.

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En mi viaje por las las regiones altas de Kenya, encontré una sociedad cristiana conservadora donde la mujer tiene un papel reducido en la comunidad, aunque vital en la familia, ya que ella es la que saca adelante con su trabajo a todos los miembros. Normales son los malos tratos y las vejaciones, habituales los abusos sexuales en un lugar donde el virus del VIH afecta al sesenta por ciento de la población.

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La religión católica promueve aquí el matrimonio como vía de escape al sida, sin embargo, la fidelidad del matrimonio rara vez es respetada por el hombre.

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El movimiento feminista africano no consigue tener un peso en la política ya que, a pesar de ser más conservador que el feminismo blanco o el afroamericano, el STIWANISM (Social Transformation Including Women in África) pretende incluir a la mujer en la sociedad con un papel importante, no solo como madre sino como elemento activo de la colectividad.

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A pesar de ello, en lugares como Kabarnet (Kenya) se están conformando comunidades femeninas que tímidamente luchan por sus derechos ayudándose entre sí, creando micro economías sostenibles capaces de alimentar a muchas bocas hambrientas sin necesidad de tener que depender de un solo hombre. Este proyecto recoge los rostros de algunas de ellas.

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El Museo de Arte Africano Arellano-Alonso de la Universidad de Valladolid, posee entre sus fondos africanos, importantes textiles pertenecientes a la cultura Kuba. Dicha cultura, situada en las orillas del río Kasai, goza de gran prestigio debido a sus trabajos en rafia aplicados a faldas de baile, mandiles, esteras…realizados con telares, donde utilizan una amplia gama de técnicas textiles que incluyen el bordado, decoración con apliques, el corte cut-pile y es resiste-dying, técnicas que se han utilizado durante siglos, formando así parte de su artesanía tradicional.

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Es interesante destacar que los hombres Kuba tejen el material mientras que las mujeres bordan y añaden apliques.

Los principales usos de las telas de rafia, además de ser utilizados como vestiduras fueron monedas de cambio, por su carácter ligero, rico y portátil, por lo que ha sido un bien muy preciado tanto por los propios africanos como por el hombre occidental.

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Los hombres tejen la rafia en un telar elevado de una sola fila de lizos, en un ángulo de 45 grados, por lo que debe sentarse a la sombra para colocarlo encima y trabajar con él. Debido a la longitud limitada de las fibras de rafia la dimensión máxima suele ser de un metro cuadrado.

Como se puede observar, las formas geométricas son las predominantes en la decoración. De hecho cada una de esas formas se suelen coser uniendo unas con otras para finalizar la pieza.

Como la figura antropomorfa que observamos, podemos especificar que la falda de las mujeres del Bushoong (la aristocracia de los Kuba) se bordan en rafia teñida de negro formando diseños complejos. Estros trajes eran producidos y utilizados para ceremonias rituales de corte, uno de los mas suntuosos de toda África.

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Respecto a las telas rituales se utiliza la técnicas del patchwork, donde se incluyen cuadrados o rectángulos que se realizan también en otras partes del mundo. Los dobladillos no están cosidos hacia dentro sino hacia la superficie de la tela, proporcionándole una profundidad adicional.

En el pasado, la nobleza europea mostraba las telas en los gabinetes de curiosidades como uno de los principales ejemplos del arte africano. Pero vayamos más allá, pues estos estupendos diseños han servido como fuente de inspiración para artistas como Klee, Picasso y Braque. Matisse, gran admirador de estas piezas, las conservaba incluso en su estudio.

Texto: Cristina Bayo, Daniel Renedo y Maribel Monedero

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Kuba Textiles. Views on Africa. Rectors’ Hall. July to December 2016

The Museum of African Art Arellano-Alonso of the University of Valladolid, has among its African collections, important textiles belonging to the Kuba culture. This culture, located on the banks of the river Kasai, enjoys great prestige due to its work in raffia applied to dance skirts, aprons, mats… made with looms, where they use a wide range of textile techniques including embroidery, decoration with appliques, cut-pile and is resistant-dying, techniques that have been used for centuries, thus forming part of their traditional crafts.

It is interesting to note that the Kuba men weave the material while the women embroider and add appliques.

The main uses of raffia fabrics, in addition to being used as clothing, were change coins, for their light, rich and portable character, which has been a very valuable asset for both Africans and Westerners.

The men weave the raffia on a single-row overhead loom at a 45-degree angle, so they must sit in the shade to place it on top and work with it. Due to the limited length of the raffia fibers, the maximum dimension is usually one square meter.

As can be seen, the geometric shapes are the predominant ones in the decoration. In fact, each of these shapes is usually sewn together to finish the piece.

Like the anthropomorphic figure we observe, we can specify that the skirts of the Bushoong women (the aristocracy of the Kuba) are embroidered in black-dyed raffia forming complex designs. These costumes were produced and used for ritual court ceremonies, one of the most sumptuous in Africa.

With regard to ritual fabrics, the patchwork technique is used, which includes squares or rectangles that are also made in other parts of the world. The hems are not sewn inwards but towards the surface of the fabric, giving it additional depth.

In the past, European nobility used to show fabrics in curio cabinets as one of the main examples of African art. But let’s go further, as these great designs have served as a source of inspiration for artists such as Klee, Picasso, and Braque. Matisse, a great admirer of these pieces, kept them even in his studio.

Written by Cristina Bayo, Daniel Renedo, and Maribel Monedero

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30 fotografías, 2 audiovisuales. Arte creado por personas con discapacidad visual, fotógrafos con alma, que han aprendido gracias a la Red Museística de Lugo, que todos tenemos acceso a la creación artística. Y ese proceso es el que nos acerca a esta muestra que podréis disfrutar a través de un recorrido fascinante por el aprendizaje y la pasión puesta por cada uno de los alumnos.

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Un exposición que hará recapacitar al visitante sobre los límites humanos, la ilusión y la convivencia igualitaria.

Desde el 28 de septiembre al 28 de octubre en la Galería San Ambrosio del Palacio de Santa Cruz.


Fotografía a cegas. Lugo’s Museum Network. San Ambrosio Gallery. From 28 September to 28 October 2016

30 photographs, 2 audiovisuals. Art created by people with visual disabilities, photographers with soul, who have learned thanks to the Museum Network of Lugo, that we all have access to artistic creation. And it is this process that brings us closer to this exhibition that you will be able to enjoy through a fascinating journey through the learning and the passion put into it by each of the students.

An exhibition that will make the visitor think about human limits, illusion and egalitarian coexistence.

From 28th September to 28th October in San Ambrosio’s Gallery of the Santa Cruz Palace.

El Museo de Arte Africano Arellano Alonso. UVa ofrece en colaboración con el Ayuntamiento de Traspinedo (Valladolid) la muestra “Reproducciones del Museo de Arte Africano Arellano Alonso”, donde además de mostrar a las obras de ediciones pasadas conformadas por la “Jarra ritual Mangbetu”, “Cabeza Ifé”, “Cabeza de Benín” y “Cabeza Katsina”, se amplia la colección con la figura “Novia Han” realizada por Carlos Jimeno Velasco y que muestra la amplia gama de fondos que posee el museo.

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Si a esto unimos que dicho artista ha añadido algunas de sus mejores obras vacceas, destacando la “Princesita”, el resultado es un amalgama de culturas, desde la africana, pasando por la china y terminando por las vacceas que mostrarán como el ser humano ha utilizado el barro como un medio de expresividad artística desde los tiempos mas remotos.

Al acto de inauguración asistieron los representantes de la Alcaldía de Traspinedo, estando a la cabeza el alcalde de la localidad, D. Jesús Bazán Puertas, así como los concejales y por parte de la entidad museística, la directora Amelia Aguado Álvarez, junto con la comisaria de la exposición, Cristina Bayo Fernández.

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El contacto se produjo para celebrar la Feria anual del Pincho de Lechazo, por lo que podreis visitar la sala de exposiciones y después comer en uno de los importantes restaurantes de la localidad, famosa por su pincho de lechazo, mientras maridáis la carne con los mejores vinos de la zona, en una población bella y llena de encanto.

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Reproductions at the Town Hall of Traspinedo. 23 September-23 October 2016

The Arellano Alonso Museum of African Art. UVa offers in collaboration with the Town Council of Traspinedo (Valladolid) the exhibition “Reproductions of the Arellano Alonso Museum of African Art”, where, in addition to showing the works from past editions of the “Mangbetu ritual jug”, “Ifé Head”, “Head of Benin” and “Katsina Head”, the collection is extended with the figure “Han Bride” by Carlos Jimeno Velasco, which shows the wide range of collections in the museum.

If we add to this the fact that this artist has added some of his best vacceas works, highlighting the “little Princess”, the result is an amalgam of cultures, from the African, to the Chinese and ending with the vacceas that will show how the human being has used clay as a means of artistic expression since the most remote times.

The opening ceremony was attended by representatives of the Mayor’s Office of Traspinedo, led by the Mayor of the town, Mr. Jesús Bazán Puertas, as well as the councillors and the museum’s director, Amelia Aguado Álvarez, together with the curator of the exhibition, Cristina Bayo Fernández.

The contact took place to celebrate the annual Lamb skewer Fair, so you can visit the exhibition hall and then eat in one of the important restaurants in the town, famous for its lamb skewer, while you pair the meat with the best wines in the area, in a beautiful and charming town.

El jueves 14 de julio se inauguró nuestra nueva exposición temporal: “El arte como expresión en la discapacidad”, en colaboración con el Consejo Local de la Juventud de Valladolid.

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Hasta el próximo 31 de agosto podréis ver las obras que realizaron el 29 de junio un grupo de personas del Centro San Juan de Dios y de Autismo Valladolid. Un ejemplo de la “arteterapia” y de como el arte es un medio también de inclusión social. La mayor parte de las obras realizadas en vivos colores, usan la técnica de esmaltes, así como canicas…os sorprenderá.

Amelia Aguado, directora del museo y Estrella Delgado, presidenta del consejo

La exposición está ubicada en la galería superior de la Sala de San Ambrosio del palacio de Santa Cruz.

GEMELOS IBEJI YORUBA

Los Yoruba son cultural y demográficamente la primeria etnia de Nigeria, que compartirán con los Ibo el protagonismo histórico de la región desde al menos el siglo
La pareja de esculturas denominadas ere-beji o ibeji se esculpían como conmemoración del nacimiento o muerte de hermanos gemelos, los cuales poseían un origen sobrenatural.
En la antigüedad, los Yoruba llegaron a sacrificar a gemelos recién nacidos, algo que actualmente no sucede pues son recibidos con gran alegría, realizando fiestas en la que participa toda la comunidad.
Los niños otorgan felicidad, salud y prosperidad a su familia, siendo su crianza mas permisiva que la de otros niños. Pero también pueden provocar desastres o enfermedades, por lo que deben ser tratados con respeto.
Comparten el mismo alma en dividida en dos cuerpos distintos. El primer gemelo que nace (indistintamente a que sea niño o niña) es denominado Taiwo que significa “El que viene a probar la vida”. Al segundo se le nombrará como Kehinde o “quien llega después del otro”. Aunque parezca extraño, Taiwo es el gemelo mas joven, que es enviado por su hermano a ser el primero en ver el mundo y le cuente lo que le espera. La señal de que todo esta bien se establece con su llanto, por lo que Kehinde ya esta preparado para salir.
Por esta razón Taiwo es mas curioso y aventurero, mientras que Kehinde es inteligente y reflexivo.
Al tercer día de nacer los bebés son llevados ante el sacerdote o Babalawo que les realizará un oráculo. Si fuera necesario sacará a los malos espíritus que pueden destruir su vida. Después se dará instrucciones a la madre sobre como tratar a los gemelos a lo largo de su vida.
Si uno de los infantes muere, la vida del otro estará en peligro porque su equilibrio, su alma, se ha roto. De esta manera hay que tallar una pieza de madera como sustituto simbólico del niño. Si mueren dos, se realizarán dos, que irán unidas.
De esta manera se da inmortalidad al difunto y la figura ibeji tendrá que se cuidada por los padres o por el gemelo superviviente, por esta razón tendrá que ser lavado, alimentado, vestido…
Concretamente, estos gemelos ibeji está realizados en madera con una fuerte pátina para finalizar el acabado perfecto, así como la utilización de los pigmentos, cuentas de pasta de vidrio y conchas de caurí. También se les dedica a dios Orisha Ibeji (de ahí el nombre de las obras), Dios de los gemelos.

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GEMELOS TIV

Figuras votivas de madera de pequeño tamaño, algo típico en esta tipología africana.
En este caso podemos observar dos figuras, una femenina y la masculina. La última sigue la tipología “Jano”, es decir, la representación de dos cuerpos en uno solo. Es el sentido de la dualidad, la cual, no puede vivir el uno sin el otro.
Dos almas que están unidas por la materia. La unión universal e inseparable.
La realización, puede haber sido elaborada por los propios propietarios, por ser objeto de culto familiar o por un sacerdote. En cualquier caso han sido tratadas ambas bajo instrucciones rituales para darlas el aliento de la vida.
Protectoras de la familia, reciben ofrendas a cambio de sus favores. Se guardan en los altares y santuarios familiares. Lo más lógico es que representen a algún antepasado, una deidad o algún ser en relación con la cosmogonía de la etnia.
Llama la atención las importantes y llamativas escarificaciones rituales en el abdomen y piernas, típicas de los Tiv.
Los órganos sexuales aparecen muy desarrollados en ambas figuras para mostrarnos el poder y de la importancia de la fertilidad y del paso de la vida adulta.
Los brazos totalmente pegados al cuerpo, la lejanía de la representación y el hieratismo, hacen de estas figuras, si a esto unimos el ombligo que sale hacia el exterior, de manera muy prominente, obtendremos dos figuras típicamente africanas.
Cristina Bayo Fernández

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A través de las diez imágenes que componen esta colección proponemos un viaje sensitivo por los cuatro elementos: fuego, aire, tierra y agua.; Todos ellos presentes en la vida cotidiana de los habitantes del continente africano.

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Cartel expositivo

El fuego que marca la etapa prehistórica y contemporánea de los bosquimanos habitantes de tierras namibias y botswanas, utilizado para ahuyentar a la fauna salvaje, peligro para los poblados y fuente vital para el preparado de los alimentos.

Aire que trae aromas a salvia, a peligro, a vida en estado puro.

Agua que nos lleva por el Okavango, el Chobe, marcando rutas y caminos por descubrir a través de las estaciones.

Tierra, polvo, siempre polvo, que cubre los pies, la ropa, la piel.

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Cristina Bayo comisaria de la exposición y Sara Pérez fotógrafa

 

La convivencia (in)tranquila entre personas y fauna, marca un ritmo pausado que nos aleja de nuestro tembloroso día a día y nos pone sobre aviso de que aquello es real, quizá mucho más de lo que es nuestra inestable vida.

Miradas retratadas que nos trasladan a una forma de entender el mundo sencilla, en la que la esencia humana rebosa por los poros de la piel, reflejándose a través de ojos llenos de sentimiento y luz, captada, sólo mínimamente a través de nuestro indiscreto objetivo.

Recortes de un viaje para sentir, compartir y vivir.

Sara Pérez López es licenciada en Historia del Arte, Museóloga y Doctora en Aplicaciones del Arte para la integración Social. Estudiante de Bellas Artes y apasionada de la fotografía, busca visibilizar, a través de esta técnica, pequeños y grandes detalles del mundo que le rodea.

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Sara Pérez fotógrafa junto con Amelia Aguado, directora del museo

Amante de África, su historia, culturas, paisaje y paisanaje, emprendió en 2012 un viaje por Zimbawe, Zambia, Namibia y Botswana del que nace esta colección.

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Caressing with your eyes. Photographs by Sara Pérez López. San Ambrosio Gallery. From 18 May to 10 July 2016

Through the ten images that make up this collection, we propose a sensitive journey through the four elements: fire, air, earth, and water; all of them present in the daily life of the inhabitants of the African continent.

The fire that marks the prehistoric and contemporary stage of the Bushmen living in Namibian and Botswanan lands, used to scare off wildlife, danger to villages and vital source of food preparation.

Air that brings aromas of sage, danger, and life in its purest form.

Water that takes us through the Okavango, the Chobe, marking routes and paths to discover through the stations.

Earth, dust, always dust, covering the feet, the clothes, the skin.

The (un)peaceful coexistence between people and fauna marks a slow pace that takes us away from our shaky daily life and puts us on notice that it is real, perhaps much more than our unstable life.

Portrait glances that take us to a way of understanding the simple world, in which the human essence overflows through the pores of the skin, reflecting through eyes full of feeling and light, captured only minimally through our indiscreet objective.

Snippets of a journey to feel, share and live.Sara Pérez López holds a degree in Art History, a Museologist, and a Ph.D. in Art Applications for Social Integration. A student of Fine Arts and passionate about photography, she seeks to make visible, through this technique, small and large details of the world around her.A lover of Africa, its history, cultures, landscape, and countryside, she embarked on a journey through Zimbabwe, Zambia,Namibia and Botswana in 2012, from which this collection was born.

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Situada en la Galería superior de la Sala de San Ambrosio.

Las obras de Cintia Martín y de Natasha Rosenberg nos muestran su propia interpretación de las máscaras africanas. En un caso más realistas y en otro con formas más geométricas, tienen en común el color y cierto aire naif. Tanto los mayores como los más pequeños disfrutaréis con ellas.

La Atómica ha colaborando en la organización de la muestra.

La exposición se enmarca dentro de las actividades organizadas desde el museo en torno al Día Europeo de la Creatividad, incluyéndose dentro del proyecto CreArt. Network of Cities for Artistic Creation

El Consejo Local de la Juventud de Valladolid presenta su “I Exposición de Dibujos Infantiles sobre los Derechos de la Infancia” que se expone en la Galería de San Ambrosio del Palacio de Santa Cruz con la colaboración del nuestro museo.

El motivo de la muestra es la organización del XI Certamen de Dibujos Infantiles sobre los derechos de la Infancia con una gran colaboración tanto de los colegios de la ciudad como de las asociaciones  miembro del consejo.

En esta ocasión el Consejo Provincial de la Juventud ha sido coorganizador del certamen.

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El Museo de Arte Africano siempre unido a los temas de tolerancia e igualdad tanto del continente africano como a nivel global. La infancia es el futuro y esta muestra nos indica como los mas pequeños no cierran los ojos a la actualidad y sus problemas.

Estas Navidades de dejes de visitarnos para reflexionar durante un momento sobre los derechos de la infancia.

¡ Os esperamos ¡

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Nuestras cuatro reproducciones siguen su paseo por nuestra provincia gracias a la Ruta del Vino Cigales y las jornadas “Entre piedras y lagares 2015”. Después de visitar la Bodega Alfredo Santamaría en Cubillas de Santa Marta, el Bodegón El Ciervo en Cabezón de Pisuerga, Bodega Hijos de Félix Salas y Bodega Museum, las obras se asientan en Bodega La Cueva (Mucientes) donde podréis disfrutar del mejor vino en un ambiete exclusivo mientras observais y tocais nuestras piezas africanas.

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cerrar los ojos, catar un buen vino y tocar una reproducción es una experiencia única para los sentidos. No podéis dejar escapar esta oportunidad.

Una visión diferente de dos culturas diferentes hacen de esta exposición una experiencia distinta.

Las reproducciones que podéis observar son la “Cabeza de Benin”, la “Jarra ritual Mangbetu”, la “Cabeza Ifé” y finalizamos con la última adquisición del museo con la “Cabeza Katsina” realizada por el conocido ceramista Carlos Jimeno Velasco (http://carlosjimeno.es/). El comisariado de la exposición ha sido realizada por Cristina Bayo del Museo de Arte Africano Arellano-Alonso.

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Para poder visitar las piezas y disfrutar de los vinos y gastronomía teneis que tener en cuenta contactar en el teléfono 983 58 77 84 o en el teléfono 665 183 419. También puedes escribir en el correo electrónico http://www.bodegalacueva.com/mucientes/

Disfruta de la mejor gastronomía vallisoletana en un ambiente navideño especial.

¡Os esperamos¡

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Victoria Bautista nos describe de su puño y letra este proyecto expositivo singular:

Un fenómeno solo puede ser colectivo siempre que sea común a todos los miembros de la sociedad, o, por lo menos, a la mayoría de ellos, y, por consiguiente, si es general. Émile Durkheim

“Fembiem. Bajo el Reino de Oku” es un proyecto sobre una relación de similitudes culturales según pautas conductuales en diferentes contextos. Un paralelismo entre dos culturas que no se tocan.

La idea de desarrollar este trabajo expositivo se apoya en la investigación antropológica unida a la sociología y combinada con el diseño. Se conjuga la interpretación de símbolos y rituales en un sentido operacional y una perspectiva posicional.

En el año 2012 queda inaugurada la exposición “El reino de Oku” en la Sala San Ambrosio situada en el Museo de Arte Africano Arellano Alonso de la UVa. La colección recoge una serie de piezas expositivas reflejando la estructura social, las tradiciones y el arte de uno de los reinos más importantes al oeste de Camerún.

En el Reino de Oku existen varias sociedades secretas cuyo máximo representante es el chamán, gurú, líder, personaje de poder. Dentro de estos colectivos, se encuentra una sociedad secreta llamada Fembiem.

La indumentaria utilizada como distintivo de la sociedad secreta, se compone de múltiples objetos personales de cada iniciado (cabello, conchas…), cosidos al traje símbolo de autoridad. Según sus creencias, estos elementos otorgan fuerza y poder para enfrentarse a sus enemigos potenciando el poder del chamán o líder del grupo y, por ende, el de la sociedad que representa. “la unión hace la fuerza”.

Inspirándome en esta peculiar vestimenta emerge una pieza expositiva con el objetivo de mostrar una interpretación de estas sociedades secretas y el concepto (mensaje) que encierra.

El diseño está compuesto por veintós objetos personales (veintitrés, contando con mi aportación) pertenecientes a veintitrés mujeres relacionadas con el arte y el sector cultural: gestoras culturales, comisarias, museólogas, artistas, galeristas, etc.

Todas ellas enriquecen día a día el sector cultural con su motivación y profesionalidad.

Son la fuerza y el poder de la cultura. Son las “Fembiem” -sin ser secretas- del presente y el futuro.

Victoria Bautista

La nueva exposición temporal situada en nuestro apartado “Miradas sobre África” en el Salón Rectores, se ha dedicado esta vez a dos máscaras de la República Democrática del Congo. Concretamente nos encontramos con una máscara Warega, de la cultura Lega Bwami que se fecha en el siglo XX y la máscara “Mbuya” de la cultura Pende fechada entre los siglos XIX y XX.

MÁSCARA WAREGA

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Realizada en madera, siendo la barba o luzela de fibra de sisal o palmera (su rasgo más característico) y el resto de la  pasta de caolín. Es una escultura que pertenece a la sociedad Bwami. Los ojos prominentes no están perforados algo que sí sucede con la boca. La nariz está muy estilizada. De gran calidad en el pulido interior.

Su función es ritual, utilizándose en las ceremonias de iniciación a los cinco niveles de la vida por los hombres lega.

Cada cierto tiempo los lega se reúnen en bosques para impartir enseñanzas a los iniciados sobre la vida y el desarrollo moral del individuo.

A pesar de la simplicidad formal de la obra, su significado es complejo, pues la máscara bebe de las fuentes de antiguos proverbios y danzas ancestrarles. La superficie pulida y lisa evocan el carácter refinado y perfeccionista de los Bwami.

Warega es el nombre que los primeros colonialistas europeos dieron a los lega que habitaban en el Este del antiguo Zaire, actual República Democrática del Congo.

Podemos encontrar piezas similares en importantes museos de Berlín, París o Bruselas.

MÁSCARA MBUYA

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Esta máscara realizada en madera, posee como elemento más llamativo una gran cabellera de pelo, que se complementa con una frente abombada, ojos almendrados, nariz achatada, boca en la que se pueden ver perfectamente los dientes, los párpados pesados y la línea de las cejas continúan la forma de la frente, donde aparecen escarificaciones basadas en puntos que dan lugar a un círculo.

En la parte trasera lleva rafia para que el portador pueda ponérsela en la cabeza.

Por todo ello el resultado final es una expresión sombría y taciturna, que no tiene nada que ver con la realidad, pues su función es la de divertir al público, comediando las desviaciones de los ideales de la vida, por eso es tan realista y expresiva.

A veces puede aparecer al final de los ritos de circuncisión, donde al final de la fiesta del paso a la vida adulta, los jóvenes circuncisos se reúnen en el bosque para desvelar la máscara, teniendo ya derecho a poder tocarla junto con el resto de objetos rituales.

Su función es ritual y su creación sólo ha podido realizarse por un escultor que transmite su conocimiento generación tras generación.

El nombre de “Mbuya” significa “máscara de poblado”, pues este tipo de creaciones nos muestran los diversos tipos humanos del clan, como el jefe o el adivino.

Estas obras nos hablan de la propia historia de los Pende, los cuales llegaron hace unos 500 años a la zona situada entre la costa Atlántica y el río Kwanza, en la actual Angola.

Hacia 1620, cuando el imperio Lunda se expande, serán forzados a abandonar estas tierras y emigrar hasta su actual territorio, en la República Democrática del Congo, dividiéndose en unos sesenta reinos, como los Kwilu (al que pertenece esta máscara) y los Kasai.

Ya en 1885, serán sometidos por el pueblo Tchokwe, hecho que finalizará con la llegada del colonialismo belga.

Principalmente agricultores, centrados en el cultivo del mijo, maíz, plátano y cacachuete, serán las mujeres las que hagan el trabajo de campo y la comercialización de los productos recogidos en los mercados locales.

El trabajo de los hombres se basará en la limpieza de los campos y la ocasional caza y pesca.

Socialmente, se basan en el sistema de linajes, no habiendo un poder político central reconocido, e incluso los jefes locales no ejercen autoridad muy grande. Será el tío materno de más edad en un familia el que se configure como cabeza del linaje, velando por el bienestar del núcleo y la atención de los espíritus de sus antepasados (mvumbi), que son aplacados a través de rituales y ofrendas, para no generar desgracias, ya que estos espíritus pueden ser benefactores o no, dependiendo de la manera en que murieron.

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Nuestras cuatro reproducciones siguieron su paseo por nuestra provincia gracias a la colaboración de la Ruta del Vino Cigales y las Jornadas “Entre piedras y lagares 2015”. Después de visitar la Bodega Alfredo Santamaría en Cubillos de Santa Marta, el Bodegón El Ciervo en Cabezón de Pisuerga, y la Bodega Hijos de Félix Salas en Corcos del Valle, las obras se asentaron en la Bodega Museum donde los visitantes pudieron disfrutar del mejor vino en un ambiente exclusivo mientras observaban y tocaban nuestras piezas africanas.

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Cerrar los ojos, catar un buen vino y tocar una reproducción es una experiencia única para los sentidos. Los asistentes pudieron tener una visión diferente de dos culturas diferentes.

Las reproducciones que se pudieron observar fueron la “Cabeza de Benín”, la “Jarra ritual Mangbetu”, la “Cabeza Ifé”, finalizando con la última adquisición del museo con la “Cabeza Katrina” realizada por el conocido ceramista Carlos Jimeno Velasco (http://carlosjimeno.es/). El comisariado de la exposición fue realizado por Cristina Bayo del Museo de Arte Africano Arellano-Alonso.

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Nuestras cuatro reproducciones siguieron su camino por nuestra provincia gracias a la Ruta del Vino de Cigales y las Jornadas “Entre piedras y lagares 2015”. Después de visitar la Bodega Alfredo Santamaría y el Bodegón El Ciervo, las obras pararon en la Bodega Hijos de Félix Salas.

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Los asistentes a la bodega pudieron disfrutar de nuestras reproducciones mientras disfrutaban de un buen vino.

Una visión diferente de dos culturas diferentes que hicieron de ésta, una experiencia única.

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Las reproducciones que se pudieron observar fueron la “Cabeza de Benín”, la “Jarra ritual Mangbetu”, la “Cabeza Ifé” y finalizamos con la última adquisición del museo con la “Cabeza Katsina” realizada por el ceramista Carlos Jimeno Velasco http://carlosjimeno.es/. El comisariado de la exposición realizada por Cristina Bayo del Museo de Arte Africano Arellano-Alonso de la UVa.

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Esta exposición dedicada a África de la artista Verónica Alcácer del Río “La Niña Vero” en la Galería de San Ambrosio del Palacio de Santa Cruz, nos muestra una veintena de acuarelas inspiradas en su estancia en la Isla de Santo Tomé, donde ha viajado en tres ocasiones en el ámbito de la Cooperación Internacional para el Desarrollo.

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En la muestra se incluyen retratos, paisajes y escenas de la vida cotidiana, basadas en la propia experiencia y que sorprenderán al visitante que conserva su mirada occidental.

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Nuestras cuatro reproducciones que habitualmente exponemos en el Salón de Rectores del nuestro museo, se trasladaron a las Bodegas Alfredo Santamaría en Cubillas de Santa Marte (Valladolid).

La colaboración realizada con la Ruta del Vino Cigales, cono motivo de las jornadas “Entre piedras y lagares” y el Museo Arellano Alonso de la Universidad de Valladolid, muestra estas obras que están fabricadas para ser tocadas por el visitante.

El ambiente único, situado en el Hotel Rural Pago de Trascasas (perteneciente a la bodega), con elementos tradicionales relacionados con el vino junto con la unión de la cultura africana, dan lugar a un ambiente especial y único, donde el visitante podrá disfrutar del enoturismo, el arte y la naturaleza.

Las reproducciones que se muestran son la “Cabeza de Benín”, la “Jarra ritual Mangbetu”, la “Cabeza Ifé” y la por último la última adquisición del museo como es la “Cabeza Katsina” realizada por el ceramista Carlos Jimeno Velasco. La exposición está comisariada por Cristina Bayo Fernández.

El reino Edo (Bini en plural) o Antiguo Reino de Benín, se convertirá en una de las más importantes sociedades del África occidental. Influenciados artísticamente por los Ifé, realizarán un arte cortesano desde el siglo XIII hasta nuestros días, siendo su época dorada entre los siglos XVI y XVII.

En esta exposición podremos disfrutar de una máscara fechada entre los siglos XIX y XX realizada en madera  y que conserva los restos de policromía. Por otro lado, la inigualable máscara pectoral de leopardo en metal, fechada en el siglo XVIII y realizada en bronce, donde observaremos la gran perfección técnica a la que llegaron los Edo.

Los Edo, situados al sur de Nigeria, en la zona pantanosa del Delta del Níger, al oeste limitan con los Yoruba (de los que tomarán su religión) y al oeste con los Ibo o los Jukun.

La propia población original del Antiguo Reino de Benín, se denomina a sí misma y a su lengua con el nombre de Edo.

Sabemos que en los orígenes vivían en clanes autóctonos, con una producción artística propia, basada en la madera y el metal, y que desarrollaban el animismo basado en el culto a los antepasados, donde es posible que realizaran sacrificios humanos en honor al Oba (el rey).

Los primeros contactos con la población occidental se producirán con la llegada de los portugueses en 1472, estableciéndose importantes relaciones comerciales basadas en telas, pimienta, marfiles…y un gran número de objetos curiosos. Pero será con la llegada de los franceses, holandeses e ingleses cuando se descubra su arte al resto del mundo.

Tras el saqueo de la ciudad de Benín en 1897 y de la confiscación de más de 3.000 objetos provenientes del palacio real del Oba, se arte comenzará a tener una importancia única.

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Pincha en el siguiente enlace para conocer un poco más esta interesante exposición:

Exposición “Luz de cera”

Os presentamos la interesante e impactante exposición “Luces de Cera”, donde encontraréis figuras de diversos tamaños y temáticas realizadas por la empresa también llamada “Luces de Cera”, la cual utiliza cera virgen para realizar su labor artesanal.

Situada en la Sala de San Ambrosio del Palacio de Santa Cruz (Reino de Oku) del Museo de Arte Africano Arellano Alonso, disfrutaréis visual pero también olfativamente debido al interesante olor que desprende este material.

Un mundo en el que aparecen duendes, ranas, flores o calaveras, realizados con una gran pericia técnica y delicadeza a base de modelados.

Pincha en el siguiente enlace para ver nuestro video de la exposición:

Exposición Temporal África en Femenino

El día 8 de marzo se celebra el Día Mundial de la Mujer, por eso el Museo de Arte Africano Arellano Alonso os ofrece la posibilidad de conocer más de cerca la increíble cultura africana, pero esta vez, desde el punto de vista femenino. En esta exposición observaremos la variedad iconográfica femenina de los fondos de la Fundación Arellano Alonso, a través de maternidades, muñecas rituales, diosas o reinas. Uno de los ejemplos mas representativos es la “Maternidad Nomoli”.

La exposición se centra en las siguientes áreas museográficas. En el  Salón Rectores, donde nos muestran algunas de las obras que duermen de manera habitual en nuestro almacén, por no estar expuestas de manera permanente al público o bien el resto, que a través de la Sala Renacimiento y la Sala San Ambrosio se indicarán en cada pieza, qué esculturas representan a la mujer en África. Algunos ejemplos representativos son nuestra Mami Wata o las figuras antropomorfas de iniciación Paré.

AUGA DOCE. CANDO A AUGA É ARTE.

Puedes visitar en el Museo Centro Gaiás de la Cidade de Cultura de Galicia, en Santiago de Compostela, la exposición “Agua dulce”. que ha sido concebida como una exposición multidisciplinar que nos invita a contemplar a través de la mirada prestada de los artistas y redescubrir la belleza infinita y universal del agua.

Pinturas, esculturas, fotografías, vídeos e instalación van de la mano de ingenios científicos, avances tecnológicos u objetos etnográficos. Un total de 700 obras que sumergirán al visitante en una intensa experiencia estética a través de grandes nombres de la creación contemporánea como David Hockney, Gerhard Richter, Mario Merz, Louise Bourgoise, Martín Chirino o Chema Madoz y de maestros clásicos de la talla de Piranesi, John Constable, Henry Lewis o Audubon.

Para esta muestra, la Fundación Arellano Alonso ha prestado tres terracotas africanas que por su temática están relacionadas con el agua. En concreto una escultura de una serpiente y una figura masculina, ambas de la cultura Djenné (Malí) y una jarra antropomorfa femenina de la cultura Mangbetu (República Democrática del Congo.

Más información: https://www.cidadedacultura.org/es/evento/auga-doce y en Twitter @CidadedaCultura

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La Fundación Arellano Alonso de la Universidad de Valladolid, se dedica especialmente, desde el año 2009, a la conservación, exhibición y difusión del arte africano. Sin embargo, en nuestros fondos contamos con otras colecciones muy diversas habitualmente no expuestas por falta de espacio. Gracias a la colaboración con instituciones o centros de otras ciudades esas obras se pueden dar a conocer. Y casualmente han coincidido en el tiempo la exhibición de éstas en dos ciudades de Galicia: Lugo y  Santiago de Compostela.

969876_751092628257469_1234453222_nEl Museo Provincial de Lugo acoge  desde el 19 de marzo hasta el 30 de mayo, la exposición “Lo cotidiano en el arte contemporáneo”. Comisariada por Mª Teresa Alario, la muestra recoge parte de los fondos de arte contemporáneo de la Fundación, compuestos por pinturas y esculturas realizados por algunos de los grandes nombres de las vanguardias españolas del siglo XX, como: Picasso, Miró, Daniel Vázquez Díaz, Eduardo Chillida, Saura, Manolo Millares, Rafael Canogar, Pablo Palazuelo, Adolfo Schlosser, Esteban Vicente o Moisés Villélia. Destacan además un conjunto de artistas que se sitúan en el tránsito del siglo XX al siglo XXI, muchas de ellas mujeres, como Carmen Calvo, Teresa Lanceta, Mar Solís, Esther Pizarro, Blanca Muñoz o Marina Núñez, junto a Dis Berlin, David Israel e Isidro Blasco.

1957807_751092504924148_264935130_oLas posibilidades de lectura de esta colección son muchas, pero se ha elegido como eje narrativo la presencia de lo cotidiano en el arte contemporáneo. Objetos que nos rodean habitualmente: desde los tangibles (como son objetos o materiales) a los intangibles (sensaciones o sentimientos) que nos son tan familiares.

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La Casa Junco de Palencia acogerá la exposición “Lo cotidiano en el arte contemporáneo” desde el día 22 de noviembre hasta el 24 de enero.

En esta exposición se podrán disfrutar obras pertenecientes a la coleccón de arte contemporáneo de la Fundación. Os dejamos el tríptico elaborado por Mª Teresa Alario,  comisaria de la exposición y patrona de la Fundación Alberto Jiménez-Arellano Alonso.

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Lo cotidiano 2